Aproxime-se: Perceptos, exposição de Renée Green, no espaço auroras, em São Paulo. Cortesia de auroras e Free Agent Media.

Renée Green é uma artista visual, escritora, cineasta e professora norte-americana, cuja prática multidisciplinar abrange escultura, arquitetura, fotografia, vídeo e experiências sonoras, frequentemente culminando em instalações complexas e envolventes. Seu trabalho é profundamente ancorado em pesquisas de antropologia cultural e história social, explorando temas como a figura de Sarah Baartman — mulher sul-africana conhecida como “Vênus Hotentote”, exibida como atração de circo no século XIX —, a história da escravidão, o modernismo arquitetônico e a cultura hip hop.

Space Poem #10 (Anos/Depois), 2024.

Green investiga a relação entre arte e história, utilizando colaborações e arquivos como ferramentas de reflexão e criação. Um bom exemplo disso é seu trabalho lançado em 2014, Other Planes of There: Selected Writings, uma coletânea de textos escritos entre 1981 e 2010, que parte da prática arquivística como ferramenta artística. Além de numerosas exposições individuais e coletivas em museus de renome ao redor do mundo, Green é também uma escritora prolífica, com contribuições regulares em publicações influentes como a October, de Massachusetts, nos Estados Unidos, e Texte zur Kunst, da Alemanha.

A exposição Aproxime-se: Perceptos, realizada no espaço cultural auroras, em São Paulo, é a epítome de tudo que a define como artista e ativista — uma síntese assombrosa, tanto pela excelência com que é realizada quanto pelas questões profundas e inquietantes que expõe.

 “Trazer a exposição de uma artista internacional como Renée Green para o auroras”, reflete Ricardo Kugelmas, fundador do espaço, “tem um impacto significativo, tanto para o público quanto para o debate sobre questões ligadas à diáspora africana e fluxos culturais dela decorrentes. Renée Green, com sua trajetória de mais de três décadas, tem uma abordagem profundamente reflexiva e crítica sobre a circulação de pessoas, culturas e narrativas. Sua obra oferece um espaço para pensar essas complexas intersecções de maneira que não é panfletária, mas altamente poética e visualmente rica. Essa exposição não só expande as conversas sobre diversidade racial na arte contemporânea, mas também desafia o público a considerar como essas questões estão presentes nas dinâmicas sociais e culturais brasileiras.”

Estreia de Green no Brasil, a exposição tem as temáticas de colonialismo, diáspora e migração muito presentes, exploradas através de múltiplos meios artísticos, como instalações, vídeos, pinturas e esculturas. Um dos destaques de Aproxime-se: Perceptos, aliás, é a obra Commemorative Toile (Brasil), em que a artista estampa poltronas modernistas com imagens que retratam cenas de resistência escravagista, incluindo episódios da Revolução Haitiana. 

Detalhe de Comemmorative Toile (Brazil). Foto de Free Agent Media.

Essas poltronas, mais que simples objetos decorativos, funcionam como veículos de memória, refletindo a complexidade da história colonial. Ver algo assim estampado em uma peça de mobiliário é perturbador, pois naturaliza violências históricas e, de certa forma, as eleva ao nível canônico, quase religioso. Ter essas imagens duras em objetos que usamos no cotidiano é um lembrete aterrorizante de como essas brutalidades podem se infiltrar nas nossas vidas, tornando-se parte do tecido da realidade.

Obra Commemorative Toile (Brazil). Foto de Ding Musa.

“A poética na obra de Renée Green”, corrobora Ricardo, esmiuçando a produção da artista, “está profundamente ligada ao conceito de ‘relações’, que serve como fio condutor em sua produção multimídia. Renée entrelaça sua história pessoal e seus interesses com correntes culturais e intelectuais mais amplas, criando uma interconexão rica entre poesia, literatura, filosofia, história, música e arquitetura. Sua abordagem ressalta como, ao longo dos tempos, símbolos são criados e circulam, moldando e sendo moldados pelas experiências humanas.”

E pensar nessas questões a partir de diferentes mídias, para muito além do mobiliário, torna tudo ainda mais complexo. “Esse interesse pelas diferentes linguagens e etimologias reflete um entendimento profundo das dinâmicas de poder e resistência que permeiam as narrativas da diáspora africana. Green utiliza essa poética não apenas como uma estética, mas como um meio de explorar a intersecção de identidades, culturas e histórias. Uma das partes mais interessantes do trabalho de Renée é o fato dela intencionalmente provocar a auto reflexão e uma livre interpretação pelo público, vide o título da mostra: ‘Aproxime-se: Perceptos.’”

A carreira de Green, marcada pela abordagem interdisciplinar, também lança mão da poesia. Os “Space Poems” da exposição, cartazes fixados de maneira aparentemente desconexa, convidam as pessoas a criar novas narrativas conforme são lidos e relidos com inúmeras possibilidades de sequências. Renée, que também é professora no MIT, apresenta uma visão que desafia fronteiras entre tempo e espaço, sugerindo até uma alteração na ordem do tempo, questionando e reinterpretando narrativas históricas de migração e exílio. Ao longo da exposição, como apontou Ricardo Kugelmas, essas obras não impõem significados específicos, mas incentivam o público a explorar suas percepções pessoais, ecoando o conceito filosófico de perceptos, como teorizado por Gilles Deleuze. 

Série Space Poem #11 (The Equator Has Moved), 2024.

O conceito, desenvolvido junto com Félix Guattari, está relacionado à filosofia da arte e à maneira como a percepção é tratada nas obras artísticas, especialmente na literatura e nas artes visuais. Segundo Deleuze, o percepto não é apenas a percepção direta de algo, mas sim uma realidade sensível capturada pela arte e que existe além de uma simples percepção individual ou subjetiva. Diferente do conceito de percepção, que está ligada a um sujeito que percebe, o percepto está ligado à própria obra de arte que gera um bloco de sensações autônomo. Ou seja, o artista tem a capacidade de capturar e criar perceptos, que se tornam independentes do observador, sobrevivendo ao tempo, como blocos de afetos e sensações. Nesse sentido, o percepto é uma espécie de condensação de experiência sensível que a arte materializa, permitindo que os espectadores entrem em contato com um conjunto de sensações que existem por si mesmas, sem precisar ser reduzidas a uma interpretação pessoal.

Assim, o percepto está intrinsecamente relacionado à ideia de que a arte não representa o mundo, mas cria novos modos de sentir e experimentar a realidade — e isso, claro, respira com força em um espaço como o auroras.

Série Space Poem #11 (The Equator Has Moved), 2024

“No início deste ano, Green passou duas semanas hospedada no auroras com o objetivo de refletir sobre o que apresentar em sua primeira exposição no Brasil. A arquitetura modernista do espaço a remeteu à exposição que fez na Schindler House (Los Angeles) em 2015, o que a levou a incluir trabalhos diretamente relacionados ao arquiteto austríaco Rudolf Schindler (1887-1953), pioneiro da arquitetura modernista que imigrou para os EUA por causa da guerra. Green traça essas relações entre os dois espaços e seus deslocamentos, explorando não apenas a estética, mas também a filosofia que atravessa sua arquitetura, favorecendo um diálogo orgânico entre ambos. Mas acredito que sua relação pessoal com o Brasil através do irmão Derrick Green, vocalista da banda Sepultura desde 1998, seja a mais importante influência na seleção de trabalhos.”

A própria presença da exposição em terras brasileiras suscita um sem-fim de interpretações. A relação de Renée com o país é única e bastante enraizada. Come Closer, um curta-metragem feito em 2008, aborda suas conexões com o mundo lusófono e sua experiência de vida em Portugal. Quando se adentra o auroras, os visitantes são imediatamente envolvidos por esse trabalho, que estabelece o tom da exposição, servindo como uma meditação sobre a distância e a conexão, e tecendo uma rede afetiva entre cidades como Lisboa, São Francisco e locais do Brasil. Com uma narração em português, a obra destaca a complexidade das relações entrelaçadas entre os povos e a história, refletindo a relação contínua de Green com o mundo lusófono. A artista examina os vestígios do colonialismo, promovendo diálogos entre o passado e o presente, oferecendo uma rica exploração de temas que envolvem a arquitetura e a diáspora. E essa relação com o mundo lusófono segue. No hall de entrada, Relações: Megahertz, Megastar, Brother, Brasil (2009) apresenta banners suspensos que traçam os fluxos da diáspora africana e suas influências na música e cultura popular brasileira. Este conjunto é acompanhado por um elemento escultórico, que apresenta um vídeo em um iPod, onde Green tenta “se aproximar” de seu irmão. A obra não só explora distâncias físicas, mas também as conexões emocionais e culturais que transcendem fronteiras.

No coração da mostra está o filme Begin Again, Begin Again (2015), que reflete sobre a vida e a morte ao longo de um intervalo de 128 anos, evocando o trabalho do arquiteto R.M. Schindler, como apontou Ricardo. A narrativa, marcada por afirmações numeradas, é interrompida por uma consciência que divaga sobre a estranheza da sobrevivência. No jardim do auroras, uma voz oculta sussurra sobre jardins desaparecidos, criando um ambiente contemplativo que ressoa com os temas de perda, memória e a busca por conexão. Tudo parece se complementar com uma harmonia que sussurra realidades intrincadas com suavidade e clareza.

“Apesar de incluir trabalhos das últimas três décadas, a exposição foi inteiramente pensada pela artista levando em consideração as especificidades da casa, e oferece ao público a oportunidade singular de navegar pela obra da artista de forma contextualizada. Você vai ver obras que falam de modernismo em uma casa modernista, ouvir uma obra sonora sobre o desaparecimento de jardins em um jardim tropical e ler um space poem que envolve os escritos de Borges dentro de uma biblioteca. Em última instância, o trabalho de Renée é sobre questões humanas, e ver essa exposição dentro de uma casa oferece uma perspectiva distinta, mais meditativa.”

Com esta exposição, além de apresentar sua obra a um público novo, Renée Green também estabelece um diálogo profundo com o contexto brasileiro, explorando questões de identidade, memória e as complexidades da diáspora. E, sendo o hóspede de um corpo de um trabalho assim, o auroras se torna um espaço de reflexão e descoberta, onde a visão da artista provoca uma reconsideração do passado e suas repercussões no presente e no futuro. 

“Desde a sua fundação em 2016, o espaço trouxe diversas artistas internacionais que jamais haviam mostrado no Brasil, como Cecily Brown, Amy Sillman, Tom Burr, Sarah Crowner e Terry Winters”, conta Ricardo pensando justamente no que já foi e no que está por vir. “Para os próximos dois anos, estamos planejando a primeira mostra no Brasil da alemã Charline von Heyl e dos estadunidenses Jacqueline Humphries e Richard Aldrich, além de uma exposição do músico Arto Lindsay”, conclui, antecipando o que está por vir.


Aproxime-se: Perceptos
Sábado, das 11h às 18h, até 30 Novembro
— Avenida São Valério, 426, Morumbi. Gratuito

Menino do rio, de Luiz Zerbini (1988), na exposição Paisagens Ruminadas, retrospectiva do pintor no CCBB Rio. Foto de Pat Kilgore.

“Para pintar, é preciso estar em pé no campo, pisando o capim com o olhar vago, fixo no horizonte, e triturar involuntariamente paisagens, sonhos e memórias.” É com tal evocação visual que Luiz Zerbini nos convida a adentrar seu processo criativo, um emaranhado estético em que viver significa ruminar paisagem. O conceito está no coração da exposição Paisagens Ruminadas, a primeira grande retrospectiva do artista no Centro Cultural Banco do Brasil no Rio de Janeiro. Até 2 de setembro de 2024, o público terá a oportunidade de mergulhar nos quase 50 anos de trajetória de Zerbini, figura central da Geração 80 da arte brasileira.

Chuva de verão Santo Antônio (2020). Foto de Pat Kilgore

Sob a curadoria de Clarissa Diniz, a exposição ocupa o primeiro andar do CCBB, reunindo 140 obras distribuídas em cinco núcleos temáticos. Algumas dessas obras nunca foram exibidas antes, incluindo uma instalação criada especialmente para a exposição. Acompanhar esses cinco núcleos proporciona uma viagem visual e sensorial pelo universo multifacetado e inovador de Zerbini.

Maré alta – Mangaratiba 1 (2021). Foto de Pat Kilgore

“Como a paisagem é um conceito sociocultural”, comenta a curadora, “os paisagistas estão implicados num exercício interpretativo que é atravessado por transformações não apenas subjetivas, mas também sociais, públicas, históricas e políticas. Com Zerbini não foi diferente. Se nesses 50 anos de trabalhos vemos o artista amadurecer em âmbito pessoal, é também verdade que sua obra e o mundo que ela rumina igualmente se adensaram, abraçando um número cada vez maior de camadas, nuances, interesses, compromissos. Suas estratégias formais e plásticas — bem como seus assuntos e ambições — se transformam continuamente, não numa linearidade evolutiva, mas em espiralados desdobramentos. Um exemplo desse movimento é a dimensão alegórica de sua obra, aspecto presente nas icônicas obras em que, já nos anos 1980, retratou seus amigos artistas, e que foi, mais recentemente, retomada e transmutada na forma de alegorias históricas.”

Maré alta – Mangaratiba 2 (2021). Foto de Pat Kilgore

Luiz Zerbini nasceu em São Paulo, em 1959, e iniciou sua atividade artística no final dos anos 1970. É conhecido por pinturas de grande escala, com cores exuberantes e incursões no abstracionismo geométrico. Mas sua obra é um mosaico de inúmeras formas, cores e narrativas, advindas da inquietude e sensibilidade diante do mundo. Além de pintor, Zerbini é um artista multimídia, explorando os limites entre as artes visuais, a música e o cinema. Há quase 30 anos, ele integra o grupo sonoro Chelpa Ferro, junto com Barrão e Sergio Mekler, produzindo objetos, instalações, performances, shows e CDs.

Mar branco – Mangaratiba (2021).

Não à toa, a exposição inclui diversidade de suportes e estilos em cada um de seus grupos temáticos. “Por ter um caráter panorâmico”, nos lembra Clarissa, “Paisagens Ruminadas é uma exposição que tem o compromisso de apontar para a complexidade da obra de Zerbini. Como um artista criativamente inquieto, Luiz expressa sua paixão pela experimentação de técnicas e mídias, como também nutre um profundo respeito aos acidentes, aos improvisos e aos acontecimentos que, guiados mais pela agência da matéria e do tempo do que pela racionalidade do artista, terminam por produzir arranjos e soluções plásticas que trazem, para o corpo da obra, uma miríade de outros suportes e formas de fazer. É buscando ser fidedigna à pluralidade material e técnica da obra de Luiz Zerbini que a exposição convoca toda essa diversidade para o seu coração, que deixa de ser território exclusivo da vetusta pintura.”

Boipeba (2016).

O primeiro núcleo da exposição, “viver é ruminar paisagens”, afirma a centralidade da paisagem na prática artística de Zerbini. Sua paisagística transcende a pintura, manifestando-se em múltiplas linguagens e experimentações. Uma das obras de destaque é High Definition (2009), peça monumental que marca o retorno de Zerbini às pinturas figurativas após um período dedicado ao trabalho com o grupo Chelpa Ferro. Este núcleo ilustra como a paisagem, para Zerbini, é tanto uma fonte de inspiração quanto um método de experimentação contínua, além de ser uma metáfora para os fluxos, para as energias, para as relações que nos constituem e que, em certo sentido, escapam à nossa compreensão.

High Definition, de Luiz Zerbini (2009). Foto de Eduardo Ortega.

No segundo núcleo, “o lugar de existência de cada coisa”, são exploradas as estratégias de Zerbini para forjar os lugares de existência de sua obra. Ele combina tradições naturalistas com elementos fabulares, memórias e alegorias. A obra Mesa Mar (2017) exemplifica essa abordagem, trazendo para o espaço expositivo objetos que habitam suas pinturas, criando uma sensação de vertigem quando as coisas parecem fora de seus lugares naturais, transformadas em espectros ou fragmentos de si mesmas. Este núcleo também aborda reflexões sobre a morte e o luto, ampliando a dimensão poética e onírica da obra.

“As paisagens”, comenta Diniz, “são compostas pelo que se revela aos olhos, mas também por sons, temperaturas, texturas, cheiros, dentre outros aspectos sensíveis que são radicalmente irredutíveis ao olhar. Há, ainda, presenças da ordem do invisível, como memórias, fungos, espíritos, etc. Nesse sentido, para ‘representar’ paisagens — ou, talvez mais precisamente, evocá-las —, Zerbini tem recorrido a estratégias que vão além do naturalismo do cânone europeu do gênero da paisagem. Sua obra tem se aproximado cada vez mais de problemas tais quais: ‘como evocar o vento?’, ‘como testemunhar, na pintura, a inseparabilidade dos muitos seres que compõem uma mata?’, ‘como fazer ressoar o som das folhas?’, ‘como tangenciar a luz que faz tudo vibrar?’, e por aí vai… Para lidar com esses problemas, o artista tem experimentado e inventado formas de representar que vão além da perspectiva linear, da distinção entre figura e fundo, da matização cromática, dentre outras prescrições naturalistas.”

Primeira Missa (2014). Foto de Jaime Acioli.

No terceiro núcleo, “da natureza alegórica da paisagem: Massacre de Haximu e Primeira Missa”, a retrospectiva destaca a vocação histórica da ruminação paisagística. As pinturas alegóricas revisitam a história brasileira, combinando signos e personagens em grandes composições que desafiam narrativas oficiais e avivam memórias de resistência e insurgência. As obras que dão nome ao núcleo, Massacre de Haximu (2020) e Primeira Missa (2014), confrontam iconograficamente a violência social que caracteriza a constituição colonial do Brasil, oferecendo uma leitura crítica e renovada da história nacional.

Massacre de Haximu (2020). Foto de Pat Kilgore.

O quarto núcleo, “eu paisagem”, desafia a dicotomia cartesiana entre o eu e o outro, a natureza e a cultura. Obras como Paisagem inútil (2020) exploram as inter-relações entre o retratado e o retratante, reconhecendo que a subjetivação é inerente aos territórios, objetos e elementos naturais. Este núcleo também investiga esquemas formais e ontológicos de culturas não-ocidentais, como os kenes Huni Kuin e os tecidos Batik, da Indonésia, que elaboram estéticas vinculadas à cosmovisões holísticas do mundo.

Paisagem inútil (2022). Foto de Pat Kilgore.
Eu paisagem (1998). Foto Vicente de Mello.

O último núcleo, “não é só sobre o que se vê”, estende a inscrição paisagística de Zerbini para além das referências visuais, incorporando leituras sonoras, espaciais e rítmicas. Em Miragem (2004), a paisagem se mescla com a geometria e a musicalidade, refletindo a intensa colaboração do artista com o Chelpa Ferro. Aqui, a arte de Zerbini é apresentada como uma experiência sensorial completa, onde o visual se funde com o sonoro, o espacial e o vibrátil.

Paisagem digital (2003). Foto de Vicente de Mello.

Sobre a integração da sonoridade e musicalidade na obra de Zerbini, a curadora observa: “Nele [no núcleo “não é só sobre o que se vê] vemos obras que lidam com a representação de instrumentos e outras tecnologias musicais (Paisagem digital, 2003) e com a alusão visual a ritmos (Frevo, 2019); brincam com a representação gráfica do som (Miragem, 2004) ou exploram a dimensão visual das ondas, frequências e outras instâncias vibráteis (Frequency of human hearing, 2017), bem como tem, ainda, uma peça (Chuva) que, composta junto ao Chelpa Ferro, é ela mesma uma fonte de emissão sonora.”

Após o CCBB Rio de Janeiro, Paisagens Ruminadas seguirá para o CCBB Brasília, de 17 de setembro a 10 de novembro de 2024, continuando a oferecer ao público a oportunidade de mergulhar nessa paisagem poética. 

Autorretrato (2024), de Luiz Zerbini. Foto de Pat Kilgore.

“Como tem reiterado Zerbini”, relembra Clarissa Diniz, “uma retrospectiva tem a capacidade de oferecer, aos públicos e ao próprio artista, a possibilidade de (re)ver obras que foram pouco exibidas em diálogo com aquelas mais icônicas, que costumam identificar uma poética. Ao fazê-lo, permite uma visada geral sobre o trabalho e suas transformações: perspectiva cuja generosidade costuma ser de fato relevante para a compreensão de uma obra. Esperamos que Paisagens Ruminadas possa trazer essa contribuição através da articulação de trabalhos de épocas, linguagens e intenções distintas em torno da ideia da ruminação, o operador conceitual da mostra que é, ao mesmo tempo, uma chave bastante útil à navegação por entre a complexa e ampla produção de Luiz Zerbini.”

sem Título / “Prata e Rosado” (1999).

Clarissa Diniz é curadora da exposição Paisagens Ruminadas, escritora e educadora em arte. Graduada em artes pela UFPE, mestre em história da arte pela UERJ e doutoranda em antropologia pela UFRJ, Diniz traz um olhar sensível e profundo para a obra de Zerbini. Seu trabalho no Museu de Arte do Rio e em diversas exposições, como Histórias Brasileiras no MASP, destaca sua habilidade em matizar o protagonismo de artistas contemporâneos, revelando as múltiplas camadas de suas criações.

Se, em um primeiro momento, o gesto de folhear livros, enciclopédias, álbuns de fotografias e revistas pode parecer uma ação simples, dependendo de quem executa, isso se torna tão complexo quanto o ato de desvendar um teorema. Em ambas as situações, trata-se de perceber para além das imagens que atravessam a retina, de conceber ideias mais à frente do que está dado; tal como olhar para o céu e enxergar não apenas as estrelas, mas todo o movimento cósmico que as articulam. Pois, enquanto matemáticos resolvem problemas com números, artistas criam problemas com imagens. É com essa metáfora que se inicia um dos muitos caminhos que se tem para adentrar a obra de Nino Cais.

Partindo da compreensão de que tanto a arte quanto a matemática são disciplinas do enigma, pode-se dizer que a produção de Nino Cais se encontra mais perto do que se crê do pensamento matemático. Isso não quer dizer que ele trabalhe literalmente com essa linguagem, longe disso. Ao observar sua produção, sobretudo aquela voltada para a técnica da colagem, é possível notar o interesse nato do artista pelo mistério e por tudo aquilo que tange o campo simbólico das formas. Se um matemático busca com números, letras e símbolos dar contorno a um buraco negro, por exemplo, por que um artista não poderia querer materializar sua existência?

Insistir na experimentação e na ampliação do “horizonte da geometria” ao encontro das imagens que habitam o mundo, mesmo quando não é possível vê-las, são alguns dos procedimentos que percorrem o ato criativo de Nino Cais. Pode-se dizer que a curiosidade e a obsessão em desvendar o enigma das representações imagéticas são o que mantêm viva sua prática. Trabalhando exaustivamente com a colagem, linguagem recorrente em sua produção, é possível observar como as fotografias de arquitetura, paisagem, obra de arte e corpo humano são os grandes protagonistas de seus cálculos matemáticos: estilete, tesoura e/ou simplesmente o gesto cru de amassar e dobrar o papel com as mãos são ferramentas de subtração e adição; cortar e colar são sinônimos de divisão e multiplicação.

Desse modo, o resultado de suas colagens varia conforme o problema dado pelas imagens que por ele são apropriadas. Entretanto, a lógica de como resolvê-lo é algo próprio e intrínseco ao artista. Assim, a identificação do autor não se dá pelo enunciado do problema, mas pela maneira como ele é solucionado. Tornar perceptível aquilo que não existe é a grande questão de Nino Cais, que a desvenda com uma fórmula simples, porém complexa: menos com menos é igual a mais. Finalmente, seu teorema calcula a compreensão da falta enquanto presença, do espaço vazio enquanto espaço cheio, por mais que este pareça estar cheio de vazios.

Nas palavras do artista: “Eu gosto muito da entrada da luz, do branco na imagem. Se a gente pensa em imagem, antes de mais nada é preciso lembrar que ela é um código cerebral, que o que vemos não é exatamente o que vemos. Tem um transmissor aí, um flash, que é o que se reconhece. O branco é um pouco esse espasmo, essa abertura que a gente tem entre ler a imagem e o que ela é, como um intervalo que se dá para construí-la”.

Não é de se surpreender a proximidade do pensamento do artista com outros matemáticos, como, por exemplo, Leonhard Paul Euler (1707–1783). Conhecido por criar a Identidade de Euler (ei π + 1 = 0), historicamente famosa por sua beleza, o matemático utiliza o i como uma unidade imaginária. Em outras palavras, é possível compreender os espaços em branco presentes nas colagens do artista como uma luz que guia o olhar de quem as contempla, convidando para ver além das imagens dadas, ativando outras conexões, próprias dessa apreciação. Um espaço em branco que, na equação de Euler, poderia ser lido como um número imaginário.

O que se tem, então, é um branco-luz, um branco-prisma, um branco-respiro, um branco-pensamento, que reseta, redefine e rearranja a ordem das coisas. São, enfim, colagens que falam também de outras possibilidades de lidar com a ausência que atravessa a vida em seu sentido amplo e profundo; desde sua concepção econômica, material, política e social até sua percepção emocional e simbólica. São trabalhos que anunciam a falta por meio de sua presença, da possibilidade de poder imaginar ao se deparar com um espaço em branco a ser preenchido.

A coexistência entre a presença e a ausência parece ser a chave para se adentrar aquilo que poeticamente se chama o Teorema de Nino Cais. Um teorema que se dá no campo do simbólico, que se propõe a agir na subjetividade e “abrir espaço” na mente de quem o vê. Um teorema que vem ao mundo por meio das artes visuais, que atua cognitivamente naquilo que é próprio do sensível. Um “teorema-imagem”, que sempre apresenta uma área em branco, pois é aí onde Nino Cais guarda seu enigma.