Skip to content
Revista Amarello
  • Cultura
    • Educação
    • Filosofia
    • Literatura
      • Crônicas
    • Sociedade
  • Design
    • Arquitetura
    • Estilo
    • Interiores
    • Mobiliário/objetos
  • Revista
  • Entrar
  • Newsletter
  • Sair

Busca

  • Loja
  • Assine
  • Encontre

Paywall

#3MedoArteArtes Visuais

Eu preciso destas palavras escritas

Um olhar sobre os bordados de
Arthur Bispo do Rosário

“Um dia eu simplesmente apareci!” Era assim que Artur Bispo do Rosário, o Bispo, costumava se apresentar. Nasceu em Sergipe, em uma cidade muito pequena chamada Japaratuba, por volta de 1910. Não se sabe, ao certo, porque em cada registro encontrado da vida dele há uma data: na Marinha — onde ele trabalhou de 1915 a 1933 e lutou boxe; na Light — onde trabalhou de 1935 a 1936; e na Colônia Juliano Moreira, onde ele ficou internado até morrer.

Na Light, era lavador de bondes e ônibus. Em 1936, sofreu um acidente em que teve seu pé esquerdo esmagado e foi obrigado a assinar um documento em que assumia, ele, toda a culpa pelo acidente. Mesmo assim, foi afastado por desacatar ordens superiores e, logo depois, dispensado completamente.

Esse acidente lhe rendeu uma causa trabalhista, e foi assim que o artista conheceu o advogado Humberto Leone, em 1937. Bispo e Leone se tornaram muito amigos, tanto que Leone o acolheu em sua própria casa, na Rua São Clemente, em Botafogo, no Rio de Janeiro. Na casa, Bispo tinha um papel de “faz-tudo” e, mesmo depois que Humberto Leone morreu, ele continuou vivendo com a família Leone. Foi naquela casa que o artista começou a produzir suas obras e a formar seu santuário, e, também, foi lá que teve sua primeira visão. Era 22 de dezembro, quase véspera do Natal de 1938. Bispo saiu de casa se dizendo escoltado por sete anjos azuis. Dizia também carregar nas costas uma cruz, também azul. Dirigiu-se à Igreja da Candelária, a essa altura, sendo seguido pelos Leone e, quando chegou à Igreja, pediu para falar com o padre e disse “Vim me apresentar”.

Bispo se considerava um servo de Deus, um escravo obrigado a obedecer a uma voz que ouvia e que mandava executar sua missão de se retratar, inventariar e catalogar o mundo para Deus — seu Manto de apresentação é uma prova desse inventário para Deus. Nele, Bispo bordava o nome das pessoas que para ele, entrariam no céu, no dia do Juízo Final. Presentes em algumas de suas obras, as estrelas seriam a representação de forças que agem harmonicamente a serviço de Deus.

Aura Azul

Após ter sua primeira visão, Bispo foi internado com o diagnóstico de esquizofrenia paranoide: primeiro, no Hospital dos Enfermos, na Praia Vermelha, e logo depois na Colônia Juliano Moreira, em Jacarepaguá — “o lugar dos loucos”. Ali era respeitado por todos, de detentos a guardas. Bispo, ex-lutador de boxe, ajudava a colocar ordem no lugar usando a força física. Conquistou privilégios diferenciados: passear fora da Colônia e decidir se queria ou não comer. Mas o maior deles era o fato de possuir uma cela individual. Mais do que uma cela, o lugar era o santuário onde ele confeccionava suas obras e ao qual só permitia a entrada das pessoas que adivinhassem a cor de sua aura: azul. Quem errasse a resposta não entrava em seu mundo.

Musa

Foi na Colônia Juliano Moreira que Bispo viu Rosângela Maria pela primeira vez. Aos 23 anos, a estudante e estagiária de psicologia se tornou, além de analista, grande amiga e musa de Bispo, um homem que já beirava seus 70 anos, que dedicou a ela muitas de suas obras. Ele via em Rosângela “uma santinha”, a idolatrava como se fosse a Virgem Maria, além de se colocar muitas vezes no lugar de Jesus Cristo. Dela costumava escrever.

ROSÂNGELA MARIA
DIRETORA DE TUDO
EU TENHO

Por causa dessa idolatria e dessa forte amizade, um tanto exagerada e com aspectos de possessividade, Rosângela chegou a se afastar e só voltou quando ele chamou por ela depois que sofreu seu primeiro ataque cardíaco.

Bispo ficou internado algumas semanas, os médicos chegaram a dizer que ele precisaria parar de trabalhar e que sua cela precisava ser limpa, por causa da poeira acumulada, já que só ele podia mexer em suas obras. Ele gritou e se negou a parar de trabalhar, disse que fazia isso não porque queria, mas porque era obrigado (de novo disse que ouvia a tal voz que mandava nele) e que nada mudaria de lugar em sua cela. Mais uma vez, sua vontade foi respeitada dentro da Colônia, ninguém mexeu em sua cela e ele voltou a trabalhar nela.

O homem de uma só religião

A vida de Bispo do Rosário é marcada pela forte presença do sentimento de religiosidade. Esta, e não sua doença, é a questão central para a análise de suas obras. A ideia de sagrado e da religião sempre estiveram presentes em sua vida, que era cercada de inúmeros rituais criados e encenados por ele próprio.

Essas questões, entre mitos e ritos, nos remetem a procedimentos próprios dos homens das sociedades arcaicas, que seguiram modelos de mitos exemplares segundo suas crenças e religiões. A diferença é que Bispo cria seu próprio mito exemplar. Em ambos os casos, há uma paralisação do tempo real e a inserção de um tempo sagrado. A missa, independentemente de sua duração, termina somente quando o padre dá sua bênção final; da mesma forma, ao se trancar em sua cela para criar, Bispo só saía de lá quando dava por acabada a obra. Muitas vezes, perdeu tempo de quantos dias ou semanas se passaram. Outro ponto é a questão do espaço, determinado, nos dois casos, para que o ritual aconteça. Em Bispo, só os eleitos podiam ter acesso ao seu universo particular.

Mesmo com tantas semelhanças na forma de vivenciar sua religiosidade, existe uma grande diferença entre Bispo e os homens das sociedades arcaicas: Bispo produz arte através de seus rituais.

Com isso, é possível formar uma linha de pensamento para tentar mais uma vez desvendar o universo de Bispo, que é a soma de três vias: a religião católica, os registros do cotidiano — através dos materiais coletados no cotidiano do artista e manchetes de jornais que viram substrato para suas obras — e as sociedades arcaicas. Bispo realiza uma miscelânea dessas três vias, resultando em uma quarta: ele faz sua própria religião — que é baseada em preceitos da religião católica, matéria-prima de composição das suas obras, dos materiais do uso cotidiano e de como os ritualiza como os homens das sociedades arcaicas, com o diferencial de que produz arte.

Sim, Bispo criou sua própria religião e esta se tornou a religião de um homem só.

A vida e a obra

Não dá para separar o homem do artista. Bispo não apenas reproduz a realidade, mesmo que sua intenção seja inventariar o mundo para Deus — ele produz arte, carregada de mitos e ritos também presentes nas sociedades arcaicas, mas com uma identidade própria.

Muitas passagens de sua vida estão direta e literalmente ligadas ou representadas em sua obra. Símbolos dos locais onde trabalhou, como a Marinha, o endereço onde morou com a família Leone, o sentimento da religiosidade e da justiça que o acompanham por toda a vida.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Terra

# Terra: Especial 10 anos Cultura

por Sofia Nestrovski

Todo brasileiro é verde e amarelo

#51 O Homem: Amarello 15 anos Sociedade

por André Tassinari Conteúdo exclusivo para assinantes

Corpo campo

#23 Educação Cultura

por Poli Pieratti Conteúdo exclusivo para assinantes

Dois e dois são dois: Luiz Tatit e Bruno Cosentino

#26 Delírio Tropical Arte

Matricomunidades: a força ancestral e espiritual das mulheres negras, manutenção do legado do povo negro

#47 Futuro Ancestral Sociedade

por Sônia Ribeiro

Memória, cinema e afeto em Retratos Fantasmas

Cinema

por Gustavo Freixeda

Projeto Instagram

#13 Qual é o seu legado? Arte

por Isay Weinfeld Conteúdo exclusivo para assinantes

Porque no princípio era a água

#42 Água Editorial

Três ou quatro observações sobre o amante da ópera

#31 O Estrangeiro Arte

por Leandro Oliveira

Eterno transe

#5 Transe Cultura

por Leticia Lima Conteúdo exclusivo para assinantes

Nudez de Atitude

#2 Nu Viagem

por Andrea Simioni Conteúdo exclusivo para assinantes

Sobre a capa: Hiroyuki Izutsu

#21 Solidão Arte
#5TranseArquiteturaCidadeDesign

Lembranças de São Clemente

por J.P.M.

Um palacete e sua história

A campainha da porta de entrada talvez seja a única coisa que lembre o passado… Chega a dar arrepio de tão igual que era seu timbre, nos tempos de minha avó! Época em que o Palacete era, digamos, a porta da frente das casas do meu pai e do meu tio… Todas davam pra alguma parte dos jardins. A nossa dava para a horta, e a do tio, para a garagem e lavanderia. De qualquer maneira, a entrada/saída de todos os carros era pelo seu grande portão de ferro.

Sempre ouvi dizer que “é o dono quem faz a casa”. Não importa o tamanho, estilo, local etc. Nesse caso, todo o manejo e protocolo do palacete era ditado por minha avó, que ficou viúva antes de meu pai se casar e que comandava o batalhão de empregados, fornecedores e mantenedores com disciplina, porém com amizade.

Sua personalidade se espalhava pelo enorme casarão, em todos os vasos de flores, sempre vindos de seu jardim ou da casa de Petrópolis, da arrumação da casa em si, da mesa de jantar, dos menus que todas as manhãs ela ditava para a cozinheira-chefe que aguardava ser chamada no hall do segundo andar, que dava para o quarto de vestir e escritório. Depois fazia as contas com o mordomo e estava livre de seus afazeres “burocráticos”.

Outro detalhe que chamava atenção de todos de fora, menos de mim, pois nasci vendo aquilo como “fato feito”: ela abria os jardins da frente, que davam para a rua principal, para todas as crianças do bairro, onde haviam balanços e outros brinquedos. Achava um absurdo que crianças morassem em “apartamentos”.

Ah… Como me lembro de detalhes…

Dos jardineiros colocando estrume, que vinha das nossas cocheiras do Jóquei Clube, para adubar os canteiros de flores e os gramados.

Da minha avó, pequena de estatura, mas sempre muito magra e elegante, agachada nos canteiros da horta, arrancando tiririca e nos dizendo da importância de se trabalhar com as mãos na terra.

Da estufa, com os vasos de antúrios, avencas e orquídeas para serem trocados semanalmente nas salas e na capela da casa, com aquele cheiro de húmus inesquecível.

O galinheiro onde, no Natal, os perus engordavam. A diversão era ver os funcionários darem cachaça para os bichos se embebedarem e depois serem mortos com um corte certeiro no pescoço, colocados na água fervendo, depenados e levados em tabuleiros à cozinha para os preparos da ceia.

Na enorme garagem ficava parada eternamente a Rolls Royce de meu avô, que nunca vi circular, mas que se tornou palco para inúmeras brincadeiras e fantasias.

Minha avó era muito religiosa, de modo que ia à missa todos os dias na Igreja do outro lado da rua, nos jesuítas de Sto. Inácio, colégio onde meu pai, tios e nós todos, netos, estudamos. Era só atravessar a rua, facilidade que dava margem a muitas “fugas” na hora do recreio, assim como matanças das aulas chatas como Latim e Canto!

Tinha entre seus hábitos rezar um rosário em seu oratório particular, atrás do quarto de dormir, onde haviam centenas de escapulários, imagens de santos, terços de todos os materiais, medalhas, água benta, e uma coisa que me impressionava muito: uma “farpa da cruz de Cristo”, que meus avós receberam do Papa por alguma obra realizada para a Igreja, e que depois de sua morte doamos à PUC no Rio. Aliás, foi em seus salões que um grupo de intelectuais e novos cristãos, com o apoio financeiro dela, criaram a Pontifícia Universidade Católica do RJ.

Nos dias de seu aniversário, nas primeiras quintas-feiras do mês e em algumas ocasiões especiais, às 8h tinha missa na capela do segundo andar, aí sim, com a presença dos filhos, netos e funcionários, depois seguido de um lauto café da manhã.

Poderia ter sido uma beata chata, mas não. Era ativa em todos os sentidos.

Sabia temperar sua fé com o dia a dia do mundo à sua volta, principalmente sua família. E fazia tudo para agradá-los.

Apesar de sua vida social se restringir muito após a viuvez, e mais ainda depois da morte de sua única filha, a mais velha e adorada por todos — foi um câncer fulminante —, assim mesmo era de lei: todos os domingos, às 20h, reunia para jantar filhos, netos (depois dos 11 anos) e seus irmãos, com suas famílias, na enorme sala de jantar, numa longa mesa, onde ela sentava na cabeceira da esquerda, e seu irmão solteirão, meu tio-avô — que foi morar com ela depois da morte do meu avô num acidente aéreo —, na da direita.

Ai de quem faltasse sem uma boa razão. Havia sempre presente alguma autoridade do clero, literatura ou da política, quando o assunto invariavelmente era se o Brasil viraria comunista e nós todos iríamos para o “paredon a la Cuba”.

Às vezes algum artista protegido/afilhado, após o jantar, tocava suas músicas preferidas no piano do salão ao lado. Ela, abanando seu inseparável leque, olhava sorrindo para o além.

Os jantares de domingo e aniversários de família eram complementados com os chás de toda quinta-feira, quando ela recebia as amigas. Não havia convites, já era um costume: aquele bando de senhoras de cabelos grisalhos, roxo ou branco, que ela apelidava de “meninas” e que ao longo do tempo foram diminuindo pela evolução natural da raça. Mas era o dia que eu mais gostava. Mal chegava em casa do colégio, largava a pasta e corria pra cozinha do casarão para devorar as sobras dos doces e sanduíches.

Quanto a seus hábitos pessoais, ela tinha enorme apego aos netos, a quem reservava todas as manhãs. E a cerimônia de sua preparação era um teatro, sempre igual, mas fascinante para nós, crianças. Ela como protagonista, enquanto a camareira escovava os longos cabelos que depois iam se transformar num coque, presos por um grampo de tartaruga, contava histórias e passava água de colônia, pó de arroz e depois fazia em cada face uma bola de rouge, espalhando no rosto, dizendo que tinha ido à praia. Aquilo para mim era mágica!

Depois ouvíamos discos, dançávamos com ela, brincávamos, tudo nesse quarto de vestir onde os espelhos multiplicavam todos nós, fazendo ser uma festa.

Depois do despacho com o mordomo e a cozinheira, descia no elevador e ia esperar o carro na porta da frente (essa mesma da campainha).

Independentemente do tempo, levava um guarda-chuva que ficava batendo no mármore do piso, impaciente com a demora do motorista que sempre tinha uma dor de barriga na hora de sair.

Era uma visita a um convento de freiras, uma obra social ou a Copacabana para um passeio pela praia e depois nas mesmas lojas: Sloper, Bicho da Seda, Pernambucanas, onde comprava muitos cortes de tecidos para enviar aos necessitados, ou então, para mim, a melhor: uma ida à confeitaria Colombo no Centro. Na época das festas eram centenas de bolos, panetones, ovos de páscoa e outras guloseimas que seriam enviadas às obras que ela ajudava. Ficávamos na sala do gerente, que mandava me servir um bom lanche para eu sossegar e deixar ela fazer os cartões com sua caneta Parker preta e ouro, com uma letra firme e elegante.

Na Páscoa, depois da missa e do café da manhã, a caça aos ovos no imenso jardim; em junho a Festa de São João, em que um tio se encarregava dos fogos. A fogueira era enorme, assava milho, batata doce, pipoca, e nós, netos, fazíamos as bandeirinhas com metros e metros de papel de seda — era a nossa contribuição. Ela decorava tudo com lanternas japonesas embaixo das mangueiras. Era uma excitação ficar acordado “até tarde”. Em outubro, no Dia das Crianças, armava um circo no gramado e chamava o Fred e o Carequinha, a dupla mais famosa de palhaços daqueles tempos. Era uma alegria! No Natal fazíamos “presépio vivo” e o amigo oculto dos “mais velhos”.

Realmente era um feudo, no meio do trânsito da cidade que cada vez mais crescia, onde não havia lugar para esnobismos, tudo era normal e incrivelmente envolto de carinho e amor, afastando assim qualquer pretensão de show off.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Ressignificar o passado: François Truffaut e a infância

#33 Infância Arte

por Willian Silveira

Amarello 15 anos

#51 O Homem: Amarello 15 anos Editorial

Tempos de crise

#24 Pausa Cultura

por Vanessa Agricola Conteúdo exclusivo para assinantes

O mundo termina como começa

#40 Demolição Cultura

por Juliana Fausto Conteúdo exclusivo para assinantes

Paris, solidão e Proust

#21 Solidão Cidades

por Thiago Blumenthal Conteúdo exclusivo para assinantes

Água Viva e a vida completa na linguagem

#42 Água Cultura

por Arthur Telló

Corpo campo

#23 Educação Cultura

por Poli Pieratti Conteúdo exclusivo para assinantes

Visões de futuro: Amazônia e sua arqueologia aérea

Cultura

por Poli Pieratti

Procurando Jesus

#17 Fé Arte

por Jonathas de Andrade Conteúdo exclusivo para assinantes

Três ou quatro observações sobre o amante da ópera

#31 O Estrangeiro Arte

por Leandro Oliveira

Em busca da pureza perdida

#18 Romance Cultura

por Eduardo Andrade de Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Originalidade da Arte Mineira

#39 Yes, nós somos barrocos Arquitetura

por Lourival Gomes Machado

#26Delírio TropicalArteMúsica

Bárbaro e nosso

por Guilherme Abud

Dedicado a
Oswald de Andrade, Rosa Magalhães, Eucanaã Ferraz
e, principalmente,
ao argonauta Caetano Veloso.

“Quem descobriu o Brasil foi seu Cabral, no dia 22 de abril, dois meses depois do carnaval”, enredo que coroou a Imperatriz Leopoldinense, campeã do desfile das escolas de samba de 2000, hoje se desdobra e redobra na folia, que, dois meses antes de Cabral, já era orientada por Caetano Veloso.

“O Carnaval no Rio é o acontecimento religioso da raça. Pau-Brasil. Wagner submerge ante os cordões de Botafogo. Bárbaro e nosso” — assim disse Oswald de Andrade! ANDRADE, Oswald de, disse: “Só a Antropofagia nos une. Nunca fomos catequizados. Fizemos foi o Carnaval. O índio vestido de senador do Império. Fingindo de Pitt. Ou figurando nas óperas de Alencar cheio de bons sentimentos portugueses… Antes dos portugueses descobrirem o Brasil, o Brasil tinha descoberto a felicidade.” Caetano tinha orientado o carnaval e organizado o movimento! Contra o índio de tocheiro, o índio filho de Dona Canô é a prova da alegria dos nove no matriarcado de Panamérica.

A Cruzada Cafona caminha à Terra Santa contra a Intelligentsia. Há Cruzada. Pecado é o julgamento da nossa cafonice. Da sua cafonice. Você é cafona. Caetano nunca teve preconceito em pecar contra os bons costumes de uma classe que se satisfazia em tocar apenas um acorde. Só. E o sol, dilacerando contra o vento, nos apresentou a síntese a queimar os nossos pés, da grande geleia geral que vinha a descer o morro de Mangueira, em verde e rosa nos parangolés tropicalistas, ao som daquele surdo-mór.

És matéria em obra do famoso oriki de Exu: “Ele matou um pássaro ontem, com uma pedra que somente hoje atirou”. Caetano surge a atirar pedras hoje para atingir as lógicas canônicas de ontem, e a cada novo passo, na sua obra, atira uma pedra rumo ao seu próprio espelho, que se espedaça, e retalha um caleidoscópio fundamentalmente quebrado. Requebrado. É Mulata ta ta, é Iracema ma ma. É a obra de Alencar, que sedimenta Oswald, a construir o vale de Joias, acalentando o ébrio Celestino em seu Coração Materno.

“…o contrassenso deve ser o mandamento de quem precisa disfarçar o mal-estar após mostrá-lo sem pudor…”, já dizia Eucanaã Ferraz em seu poema, 1, que está incrustado na orelha do livro Escuta. Caetano alegoriza o mal-estar para escancarar o contrassenso. Alegoria do Brasil real. Brega em sua essência. Messiânico. Esmiúça uma produção despida de preconceitos, vaga na sua fundamentação musical.

A inebriar a multidão, Angela Maria, Nora Ney e Nelson Gonçalves cantarolavam aquela canção de Celestino, sob o atento violão de Caymmi. Aquela canção de amor embalava o beijo de Marilyn Monroe no “eu” tridimensional onipresente de José Agrippino de Paula, transformando Santo Amaro em uma nova PanAmérica, a Panamérica alegórica que agora pertencia a Caetano Veloso. Santo Amaro, o santo, viu a multidão em procissão por lá adentrar. Clarice Lispector de mãos dadas a João Gilberto com sua bossa, Bob Nelson vestido de caubói e Elvis Presley a misturar seu chiclete na banana de Jackson do Pandeiro. Herivelto, Ary e Pixinguinha sambavam ao som da bateria de mestre André.

O transe entrou em Transe: um país e sua alegoria. Uma alegoria que ganhou vida e, como nos filmes mais tenebrosos, passou a assombrar seus entes alegorizados. Como recurso, sua Terra torna-se estrangeira. A Terra Transa em London. Em London, o experimentalismo existencialista existe. É a guitarra. É a vanguarda. É a sintaxe sintética misturada no caldeirão nostálgico de uma triste Bahia. Torna-se, assim, Demiurgo nas mãos do bruxo Mautner.

Debaixo dos caracóis dos seus cabelos, araçá azul fez ninho e avoou. E os discos viraram voadores a apontar contra os chapadões dos nossos narizes. Viva Palhoça! Viva a vaia viva da desilusão daqueles que não entenderam nada. Nada! Qualquer coisa não significa nada, ou significa, a marca dada por Torquato, Capinan, Macalé, Salomão e Leminski, em outras poucas palavras. De repente, na verdura eu vi a cor mais verde, a cor mais alegre e mais triste de acordes do purgatório que me levaram ao louvor a Jorge, aquele da Capadócia.

Seu caleidoscópio é a múltipla coloração carnavalesca dos afetos, afinal são muitos carnavais… O Tropicalista apedreja Deus e o Diabo, abraça a Divina Comédia, e se banha em chuva, suor e cerveja. Araçá voou, e logo João de Barro pousou para ver a filha da sua Chiquita Bacana entrar para Women’s Liberation Front. Desde que o samba é samba, os clássicos despertam — com despertadores de pífanos e pandeiros — como se nascessem feitos Macunaíma.

Circulado, despista as tréplicas narrativas formais. Ora, cinema é falado! Para Caetano Veloso, a pedra despedaça a narrativa cinematográfica e abraça a poesia, a fala e a filosofia. É a película de ensaios dos ensaios que reverberam o avesso do avesso do avesso. Seus personagens são ícones que falam! Que verborragizam experimentalismos. Circulador, circulando, despista o Genipapo Absoluto

“Caetano foi encontrado dentro da nova ordem antropofágica, de tanga e cocar, atirando pedras na ruína daquela escola em construção.”

Estrangeiro onde ardia em fogueiras o vapor barato da nova ordem mundial. Caetano foi encontrado dentro da nova ordem antropofágica, de tanga e cocar, atirando pedras na ruína daquela escola em construção. É tropicália ainda viva, é a terceira margem do rio. Pensaram que ele tivesse voltado americanizado, mas jamais se esqueceu da Bahia. Caetano é a onisciência do beijo de despedida, no cais, de Caymmi a Carmen Miranda.

No fio da navalha, valsa o ano de 2000, e apresenta sua Verdade!
Categorizando tua ternura sedenta, em redes de balanço e em mosaicos de palha. Meditou com Odara e Tieta a capacidade de estar só. E o sol agora é ocultado pelo eclipse total. A vida nunca passou de um grão.

Mas é na virada do século, já perdido no espaço de 2001, que Caetano apresenta ao vivo suas Noites do Norte. É a confluência musical que abraça a qualidade de não ter lógica formal. É o dom de iludir o espectador. Como Garrincha confundia seu marcador. De flertar com o caso para trançar o acaso. Zumbi e Haiti são lutas que rebarbam no último romântico que voa com Araçá Azul. Ele exalta a malícia de toda a mulher, de toda tigresa, sob o funk encenado num tapinha só. Só um tapinha. Só Eu e a Brisa à luz de Cajuína. É a desorganização de caminhos paralelos cruzados. A encruzilhada é sua passagem fundamental.

E, assim, a liberdade passa a ser compreendida na alegorização do país que nunca saiu de seu transe. Você não vai reconhecer Caetano quando ele passar por você. “Cê” ele passar, you don’t know me. Eu sou samba, desde que o samba virou rock. Quando me ouvir cantar, passará por Zii e Ziê, e verá que tudo em volta está deserto assim como dois e dois são cinco.

Sinótica. Diacrônica. É a incompatibilidade de Gênios. Gênio!

Deixo-te meu Abraçaço enquanto me deito na fazenda de areais. Teu coração vagabundo ainda teima ser um Coliseu transcendental. Do alto do teu estandarte, do bloco que reinaugura a cada carnaval, cintilam novas Lindonésias. O monumento segue hipermoderno, mas continuam a dizer nada do modelo do seu terno.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

O fim do fim da História

#49 Sonho Sociedade

por Rafael Kasper Conteúdo exclusivo para assinantes

Um cafezinho com Camila Tariki

#49 Sonho Design

por Tomás Biagi Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Sobre demolição e a antifragilidade da vida

#40 Demolição Cultura

Cidadão Instigado

#3 Medo Urbanismo

por Clévio Rabelo Conteúdo exclusivo para assinantes

No país das maravilhas: de Lewis Carroll em busca da saúde mental

Sociedade

por Leticia Lima Conteúdo exclusivo para assinantes

A magia da multiplicação

#23 Educação Arte

por Marina Klink Conteúdo exclusivo para assinantes

Portfólio: Luísa Matsushita

Artes Visuais

por Revista Amarello

Amarello Visita: Guerreiro do Amor

#8 Amor Amarello Visita

Beatriz Nascimento: uma compilação

#37 Futuros Possíveis Cultura

por Beatriz Nascimento

Na capa: Nino Cais

#44 O que me falta Arte

Ser o ser

#51 O Homem: Amarello 15 anos Filosofia

por José Ernesto Bologna Conteúdo exclusivo para assinantes

As cicatrizes do imperador

#18 Romance Cultura

por Alberto Rocha Barros Conteúdo exclusivo para assinantes

#26Delírio TropicalTelevisão

Televisão: nossa menina dos olhos

por Allexia Galvão

Televisão é feita de sonho e desejo. Um objeto complexo que resplandece luz, som e múltiplas histórias. É importante refletir acerca de uma televisão que compartilha com o cinema a linguagem da imagem. Intensa e pulsante então esta será, tal como uma canção da Tropicália. E, se somos o país do samba e do futebol, da tapioca e do acarajé, de Jorge Amado, Guimarães Rosa e Caetano Veloso, numa espécie de miscelânea tropical, por que não ressaltar a existência de uma televisão tipicamente brasileira, que através da dramaturgia retoma o diálogo com a brasilidade e com a dimensão do país?

O espaço de representação da televisão hoje, os papéis que lhe são atribuídos ou que desempenha demonstram o quanto ela se tornou parte integrante, se não integradora, do cotidiano de todas as pessoas em praticamente todo o mundo. No contexto do Brasil, a nossa dramaturgia televisiva pode ser considerada a substância de maior potência do imaginário nacional e, mais do que isso, ela participa ativamente na construção da realidade, num processo permanente em que ficção e realidade se nutrem uma da outra, ambas se modificam, dando origem a novas realidades, que alimentarão outras ficções, que produzirão novas realidades.

Desde que surgiu, no início dos anos 1950, a televisão faz parte do cotidiano e dos costumes sociais do brasileiro. A partir daí o caminho é ambíguo e complexo. Alguns preferem lançar culpas as mais diversas e das mais diferentes naturezas ao instrumento midiático em questão. Televisão passa então a ser o remédio para todos os males ou o agente responsável pelos mais variados e sérios problemas, sejam de natureza social, cultural, psicológica ou mesmo pedagógica. É preferível lançar um olhar otimista e viável sobre a possibilidade de transmitir mensagens que podem (e devem) se tornar temas de debate e de reflexão pelos telespectadores a partir de novas perspectivas e de uma maneira tipicamente brasileira de se contar histórias, de acordo com a nossa realidade e DNA.

Inquestionável é o poder e o alcance da televisão. E não podemos considerar a mesma como agente solitário do entretenimento ou da cultura, em uma combinação ou em alternância excludente. A televisão é feita de estética e possibilidade educativa e possui particularidades que podem modificar a experiência do espectador com as imagens através da emoção e dos sentimentos. Em um país onde nem sempre a educação e a cultura estão ao alcance de todos, a televisão deve se utilizar tanto do entretenimento quanto da cultura para a formação social do espectador. Desafio lançado às mentes criativas, produtores e programadores dessa complexa máquina. E se hoje essa então “televisão brasileira” ganha maturidade é preciso também ter coragem para subvertê-la.

A dramaturgia na televisão brasileira foi conquistando seu espaço enquanto objeto de promoção de identidade nacional, ganhando visibilidade em torno da cultural nacional, tornando-se indispensável para a compreensão da cultura contemporânea. Além do mais, elevada a principal produto de uma indústria televisiva, a dramaturgia seriada passou a ser um dos mais importantes e amplos espaços de problematização e representações comportamentais do Brasil, expressando os paradoxos de um país múltiplo de universos, todos eles disponíveis enquanto possibilidade temática, em um tempo propício para olharmos com maturidade esses temas pulsantes e encararmos todas as verdades de um Brasil complexo e ao mesmo tempo tão único e singular.

E, se estamos presenciando frequentes transformações no cenário da televisão mundial, sejam relacionadas às múltiplas plataformas, às novas tecnologias ou até na própria forma de consumir televisão, já que agora o telespectador ganha a liberdade de montar a sua própria grade, mais desafiador se torna a missão de fazer uma televisão com identidade cultural própria, que explore novas arquiteturas e novas narrativas. Não há fórmulas, mas, sem dúvida, é preciso seduzir o olhar, despertar paixões, inspirar o espectador e transformá-lo em participador, resgatando o conceito criado por Hélio Oiticica para caracterizar o espectador como parte da obra, estabelecendo assim um fluxo contínuo de troca e entrega.

O espectador passa então a ser o sujeito da experiência das imagens, não mais aquele que está somente adiante, com total afastamento, mas aquele que está no meio de, como nos sistemas imersivos. Neste caso, o espectador é parte construtiva da experiência proposta, não mais um elemento que assiste àquilo que passa, mas um sujeito interativo que escolhe e navega na dramaturgia e reflete sobre seus sentidos narrativos.

Pensamos então na formação de uma “Transtelevisão”, a televisão como interface, isto é, como uma superfície em que podemos transitar, e na teledramaturgia, que nunca morrerá. Muda-se o suporte ou o veículo, mas a dramaturgia está sempre ali. Faz parte do inconsciente coletivo ouvir histórias, ler e contar. A imaginação trabalha diferentemente, mas as emoções funcionam de forma parecida, se comunicam, estão ali, conectadas. Estaremos sempre abertos a uma boa história. O que precisamos refletir sobre é a questão da forma, sempre a questão mais delicada. Nos dias de hoje, em meio aos incontáveis estímulos de imagens e conteúdos que consumimos, precisamos continuar avançando cada dia mais em busca de uma modulação mais criativa de narrativa e linguagem.

Uma boa televisão está relacionada à busca incansável por novas modalidades de construção estética e narrativa. É necessário considerar utopias, sonhos, dramas e apocalipses, enxergar a responsabilidade e o papel que televisão exerce sobre o cidadão. Junta-se tudo e temos um grande catalisador de mudanças. Desejos e sonhos são capazes de mover qualquer coisa. Dificuldades são inerentes, mas a busca por rupturas e transformações persiste. Deixemos que exista a Televisão Popular Brasileira.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Onde puseram o seu trono, senhora?

#46 Tempo Vivido Literatura

por Pâmela Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Biointeração Contra Colonialista: a renascença afro-pindorâmica que pertence às cosmunidades

#47 Futuro Ancestral Cultura

por Mona Lima

“A preferência é ser chamada de negona”

#37 Futuros Possíveis Arte

por Pâmela Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

o pacto

#51 O Homem: Amarello 15 anos Literatura

por Roberta Ferraz Conteúdo exclusivo para assinantes

Eu vim construir meu barco

#31 O Estrangeiro Cultura

por Tamara Klink

O percurso do gosto: como a arte moderna chegou às Américas

Arte

por Revista Amarello

Força natural

#28 O Feminino Arte

por Inka & Niclas Conteúdo exclusivo para assinantes

Amarello Visita: Mães do Samba do Império Serrano

#46 Tempo Vivido Amarello Visita

por Pâmela Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Amarello Visita: Tuju e Ivan Ralston

#52 Satisfação Amarello Visita

por Carlos Alberto Dória Conteúdo exclusivo para assinantes

No país das maravilhas: de Lewis Carroll em busca da saúde mental

Sociedade

por Leticia Lima Conteúdo exclusivo para assinantes

Proust, o amor na terra: Os pilriteiros

# Terra: Especial 10 anos Cultura

por Thiago Blumenthal

Destino

#49 Sonho Literatura

por Surina Mariana

#26Delírio TropicalCulturaSociedade

Por uma Educação de Alma Brasileira

Um grupo de jovens pesquisadores se propôs a refletir sobre a alma brasileira

De muitos povos criamos o Brasil, um país miscigenado, pulsante, com sabores, cores e perfumes variados. A miríade de influências torna este um país rico em detalhes. Somos um povo complexo habitando um território exuberante. Nosso gingado não está só no carnaval. A capoeira, que é dança, se fez da luta.

Nossa trajetória nos mostra que em diferentes momentos — sentidos e vivenciados de modos tão diversos — tecemos nossa identidade coletiva. Identidade essa que não é natural, tampouco definitiva, mas que transparece aos olhos daqueles que se dedicam a observar. A tarefa, porém, não é tão fácil para aqueles que querem olhar os próprios olhos, as próprias mãos e pés. Refletir-se. Olhar-se no espelho da própria alma. Contemplar-se, ampliar-se, contestar-se.

Como colônia que fomos, nossa identidade parece sempre em xeque: “ora mais portugueses, ora franceses, ora mais americanos…”¹. Diante da inclassificável diversidade do país, parece que é mais fácil olhar para o mar do que para a imensidão de nós mesmos.

Apesar do esforço louvável que foi empreendido por alguns de pensar o Brasil a partir dos brasileiros, questões sobre nossa identidade ainda causam perplexidade quase um século depois. Na busca por respostas, olhar para fora e seguir modismos ou receitas internacionais pode gerar contradições e ambiguidades, reforçar uma cidadania capenga e estabelecer a dualidade em discursos que deveriam ser múltiplos e democráticos. Olhar para dentro, porém, traz seus próprios enfrentamentos: quem somos e o que queremos ser.

Reviver o Brasil que dança, cria, resiste e reza há mais de quinhentos anos nos permite esboçar alguns traços dessa alma. Dos primeiros encontros que se deram por estes lados aos processos antropofágicos e até mesmo ditatoriais que pontuaram nossa cultura, todos esses momentos colaboraram com a construção da identidade nacional. Tal qual Macunaíma, saltando e escorregando pelos tempos e espaços de nossa terra, é possível visualizar o amálgama multicolorido de dores e afetos que precisamos encarar: se o brasileiro é cordial e gentil como os antropólogos nos apresentam, também somos racistas e sexistas; o brasileiro é amoroso, mas também sabe ser violento; empreendedor, mas que terceiriza suas responsabilidades; esperançoso e também fatalista; vinculado a suas raízes e construtor de sua própria identidade nas brechas de um complexo de vira-lata.

Esses “movimentos” da nossa alma são o resultado de um profundo processo antropofágico que se deu nestas terras e que segue operante em nossa cultura quando entendemos que o selvagem, alegre, afetivo e musical, não deve ser substituído pelos valores da civilização moderna. Se esses valores ainda nos faltam, se a cidadania é capenga e a desigualdade, gritante, o que precisamos é incorporar, a nosso modo, as vantagens da civilização, sem perder nossa essência.

Foi diante dessas questões que um grupo de jovens pesquisadores de diferentes áreas se propôs a refletir sobre a alma brasileira, usando a educação como lente de aproximação. Primeiro, porque este é um locus de tensão por natureza, onde o velho encontra o novo e o controle encontra a espontaneidade, mas, principalmente, porque é pela educação que possibilitamos que nossos desejos de país criem bases para se efetivar.

Nossa educação tem sido, até aqui, muito mais um reflexo de nossas desigualdades, preconceitos e privilégios de classe do que resultado do nosso projeto coletivo de país. Ou seja, ela tem sido muito mais uma representação de quem somos do que uma alavanca em direção ao que queremos ser.

Assim é que esse grupo se dedica a investigar uma Educação de Alma Brasileira, uma educação que revele nossos traços regionais, que expresse nossa identidade e que inspire uma relação de aprendizagem que passa pelo reconhecimento do território, da multiplicidade cultural, das raízes e sonhos brasileiros. Desse esforço de pesquisa resultará um livro, a ser lançado em 2017, e uma exposição interativa.

O livro, financiado pela Fundação SM, Instituto C&A e Fundação Itaú Social, e que conta com o apoio do MEC e do Centro de Referências em Educação Integral, caminha entre as luzes e sombras dos movimentos da alma brasileira, definidos a partir de uma pesquisa de opinião aplicada a todas as regiões do país e ancorada por sociólogos, historiadores, psicólogos e antropólogos. Nessa obra estão detalhadas mais de vinte experiências de escolas e políticas públicas, históricas e atuais, além de retratados diversos educadores que contribuíram para uma educação de alma brasileira, representando o lado luminoso de um país contraditório.

Da ousadia de Nise da Silveira à esperança de Rubem Alves, das atuais experiências indígenas e quilombolas aos CEUs e CIEJAs, dos casos concretos às leis federais, todas diferentes, todas faces desse povo que não cansa de se reinventar para sobreviver.

Resgatando a tradição indígena de contar histórias, conta-se no livro mais uma versão, com olhos atentos ao que é consagrado, mas também ao que é pouco conhecido, ao que foi calado, mas que seguiu gritando no peito. São belas histórias que merecem ser contadas. Por uma educação que olhe com valor para si, por uma educação de alma brasileira.

Para saber mais acesse: www.facebook.com/educacaodealmabrasileira/ e http://vekante.com.br

1 – SHWARCZ, L., STARLING, H. Brasil: uma biografia. São Paulo: Companhia das Letras, 2015, p. 16

ANTONIO SAGRADO é sócio da Vekante Educação e Cultura, idealizador e coordenador geral do projeto.

TATHYANA GOUVÊA é pedagoga e administradora, mestra e doutora em Educação e coordenou o grupo de pesquisa.

Fazem parte deste projeto Bruno Bissoli, Caio Dib, Mariana Vilella, Renata Ferraz e Vanessa Pinheiro. Com curadoria de Helena Singer, Pilar Lacerda, Cleuza Repulho, Rafael Parente e Natacha Costa.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Lia D. Castro: A cumplicidade refletida

#48 Erótica Artes Visuais

por Mariana Leme

Notas de um ex-acadêmico

#43 Miragem Cultura

por Rafael Kasper

Portfólio: Sandra Cinto

#9 Obsessão Arte

por Jorge Emanuel Espinho

A Temperança

#35 Presente Arte

por Mavi Veloso

Dopamina: estamos presos em um ciclo de excessos?

Sociedade

por Revista Amarello Conteúdo exclusivo para assinantes

Missão quatorze mil

#6 Verde Cultura

por Léo Coutinho Conteúdo exclusivo para assinantes

Imagens fotográficas em História do olho

#48 Erótica Cultura

por Ana O. Rovati Conteúdo exclusivo para assinantes

Flora

#11 Silêncio Artigo

por Nick Knight

Para felicidade geral, digo que fico

#4 Colonialismo Crônica

por Adriana Calabró Conteúdo exclusivo para assinantes

Um dia de chuva no Sertão

#35 Presente Fotografia

por Zé Manoel Conteúdo exclusivo para assinantes

Club Silêncio

#11 Silêncio Cultura

por Facundo Guerra Conteúdo exclusivo para assinantes

A natureza humana

#2 Nu HQ

por Fernando Dias de Souza

#26Delírio TropicalArteMúsica

Dois e dois são dois: Luiz Tatit e Bruno Cosentino

Luiz Tatit é paulista, músico e compositor e graduado em Letras pela Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas (FFLCH) da Universidade de São Paulo e em Música (Composição), pela Escola de Comunicações e Artes da mesma universidade. Fez parte do grupo Rumo entre 1981 e 1991, e hoje segue carreira musical solo.

Bruno Cosentino é carioca, também músico e compositor, formado em comunicação, e está fazendo mestrado em Letras pela UFRJ. Lançou seu primeiro disco, Amarelo, em 2015 e, desde então, já gravou o segundo, Babies, e tem mais dois projetos de disco no forno.

Luiz e Bruno se encontraram no estúdio de Tatit no Butantã, em São Paulo, para uma conversa sobre música brasileira, e entoação, tema recorrente na pesquisa de Tatit.

LUIZ TATIT: A ideia da entoação ajuda a gente a entender bastante a canção como linguagem e não como um gênero da música erudita, como se fazia antigamente. A canção era um gênero romântico, quando se compunha para falar de amor. Na verdade, canção, como acabou se implantando no Brasil, acabou tendo uma linguagem autônoma. Então isso faz a gente indagar um pouco o que permite esses tais cancionistas fazerem o seu trabalho se não pelo viés musical de um domínio da técnica. É interessante porque existiam maestros, na época, como o Gnattali, ou o próprio Pixinguinha, que podiam se encarregar de fazer as composições, mas eles pediam músicas para pessoas que sabiam compor: Ismael Silva, Noel Rosa, Sinhô, e até, numa fase anterior, Assis Valente, Dorival Caymmi — que não tinham nada a ver com formação musical. Eles eram violeiros que sabiam manejar um instrumento de uma forma às vezes até bem rudimentar. Isso nos faz pensar que havia um outro recurso melódico para se fazer as melodias e depois, evidentemente, a letra vinha quando você percebe que aquela melodia tinha também um lado prosódico, que é poder dizer alguma coisa. Quando a melodia adquire esse lado prosódico é que ela vira uma canção. Ela pode ficar sem uma letra durante anos, mas fica instigando alguém para produzir versos para ela. Isso está na base da composição. É esse tipo de coisa que eu acho que acaba caracterizando um núcleo de sentido para a canção. Isso me ocorreu ouvindo o Gilberto Gil cantar Minha Nega na Janela, “minha nega na janela / diz que está tirando linha” — ele faz muito bem o lance do samba, com um violão extraordinário — comecei a ouvir por conta disso, mas depois comecei a pensar na maneira que ele cantava aquilo. A música não é dele, mas você percebia qual era a música, porque era uma coisa tão próxima da fala que a gente percebia que aquele samba já tinha sido composto a partir de uma fala quase crua. Ele tinha harmonizado, colocado um ritmo impressionante no violão, mas se fosse o Germano Mathias cantando, que era o titular da música, não teria todo esse requinte. Ou seja, a composição já tinha uma identidade entoativa que dizia a que ela veio. Ela é uma espécie de marca para que algo que era apenas musical se torne também cancional. Essa é a base do pensamento entoativo. As pessoas não entendem direito a diferença entre melodia e entoação. Eu acho que a maneira de explicar é exatamente mostrar que é a mesma materialidade — tanto que você pode traduzir em nota. Mas se ela não tiver uma dimensão prosódica, não fizerem perguntas, não fizerem afirmações, hesitações, não vira canção. Depois você inventa e trabalha o tema. O tema, normalmente, é a última coisa que se consolida.

BRUNO COSENTINO: O que eu acho que exemplifica bem essa diferença é a canção Feitiço da Vila, do Noel Rosa. Porque nela conseguimos visualizar os muitos núcleos entoativos dentro da mesma melodia.

LT:
Sim, nela é fácil dividir unidades entoativas dentro de um percurso melódico, que é o mesmo, e você pode dividir em várias unidades entoativas. Mesmo assim, eu sinto que é difícil de entender. Às vezes as pessoas até entendem no exemplo, mas, quando muda a situação, já não entendem mais. Como trabalho esse tema há algum tempo, parece que é meio óbvio, mas não é. Às vezes, a entoação é um pouco confundida com a própria melodia e, às vezes, com fala, no sentido mais prosaico. Essa entoação musical tem fala dentro dela e tem melodia. É a mesma materialidade, é a mesma coisa. Não são diferentes. Mas são dimensões diferentes da mesma materialidade.

BC: Sabe que, por ter lido o que você já escreveu, e porque atesto isso a todo momento, ultimamente eu já não me preocupo quando faço uma canção e a melodia não fica definida, mas eu a deixo mal-acabada, deixo zonas de instabilidade nela justamente porque eu sei que, dependendo do momento em que eu for cantar, vou cantar aquela melodia de uma maneira, com mais raiva, com mais amor, e aí, dependendo do meu estado de espírito, a melodia vai ganhar outra inflexão, melódica mesmo.

LT: Deixa um pouco ao sabor da prosódia, mais do que ao sabor da melodia musical, né?

BC: Percebi que isso é uma coisa muito dos cantores de soul music americana, você escuta o Marvin Gaye, o Al Green, esses cantores falam muito durante a música, parece que eles estão decidindo tudo ali na hora. Acho muito bonito isso porque, no fim das contas, aparece mais a verdade da entoação.

LT: Isso. Dá credibilidade ao que está sendo dito. Como se fosse a concretização do fato objetivo, porque você reconhece a entoação da sua língua. Fica parecendo realidade. A realidade é sempre ilusória, mas, quando essa ilusão é bem montada, é interessante porque você acredita mais naquilo, a argumentação fica mais fácil. E quando aquilo parecia que nunca poderia ter sido dito, como, por exemplo, as experiências de canção em música erudita, que eles estão pouco se lixando para o lado prosódico e às vezes só obedecem à questão do acento silábico, quando obedecem. Então simplesmente existe um texto ali e eles põem notas neles, não tem qualquer valor prosódico. Quando você ouve aquilo, parece que há uma inabilidade tremenda para fazer canção, mas o cara é músico. Carlos Gomes, por exemplo. Você vê as tentativas de canção, um melodista daqueles, quando vai fazer canção é um horror! As inflexões melódicas não coincidem com a forma como você poderia estar dizendo aquilo. Você não acredita. Fica parecendo caricatura.

BC: Esse afastamento do canto lírico em relação ao gosto popular vem daí? Você acha aquilo meio ridículo, não consegue ouvir, a voz é como se fosse uma clarineta, e não como voz humana portadora de um conteúdo linguístico…

LT: Exatamente. Ela é pensada como instrumento, e é comum ouvir músicos populares que são músicos no sentido ferrenho do termo que preferem que o cantor seja uma voz instrumental. Eles falam isso, “não, fulano canta muito bem, ele parece uma clarineta”. Do ponto de vista cancional, eles estão depreciando o cantor. Os músicos mais categóricos preferem que a voz seja um componente apenas, e criam um outro quadro de valores.

BC: Quando eu vi o documentário do Scorsese sobre o blues, se falava de como a estrutura do blues é simples, mas dentro daquilo você trabalha muitas maneiras de fazer. É aí que entra o sentimento e a singularidade do artista, o soul do lance. Existem guitarristas incríveis, cada um com seu jeito próprio de tocar, cada cantor com seu jeito próprio de cantar porque estão trabalhando dentro de um modelo bem delimitado. Por isso eles brincam à vontade. No blues a melodia é muito instável, dependendo, você ouve a mesma letra com melodias completamente diferentes, às vezes cantadas pelo mesmo cantor. E aí eu fico pensando como só agora estou começando a ter o que falar de mim. Coisas importantes aconteceram na minha vida e foram me dando mais conhecimento sobre mim mesmo, e sou mais convicto daquilo de que estou cantando e escrevendo para cantar. Não que antes eu não fosse verdadeiro, mas agora parece que tá marcado na pele. Quando você vai fundo na ideia da letra e da verdade dela, isso que cria a melodia e a entoação, e a canção acaba sendo a afirmação da singularidade da pessoa a todo grau. Como se a vocação do cantor popular fosse chegar no centro dele próprio.

LT: É. O compositor precisa chegar à singularidade do sentimento que ele está tendo, e com isso ele tem que exercitar essa prática de fisgar esse conteúdo que é extremamente importante para ele e traduzi-lo da melhor forma possível. O problema da fala é que ela é precisa, ela é clara, mas ela desaparece — e a canção cristaliza aquilo para ser repetido sempre do mesmo jeito. Então a emoção da composição acaba se repetindo todas as vezes que você executa a música, mas você precisa ter técnica para registrar aquilo, porque, na verdade, é um perigo virar fala, porque se virar fala, ela é descartável. Ao mesmo tempo, ela é de grande atração porque ela dá exatamente essa singularidade do que foi vivido. Mas como perpetuar uma singularidade? Esse é o drama do compositor popular. Em diversas fases históricas, eles tiveram que se virar para isso. Teve uma época em que eles tinham que sair correndo quando tinham uma ideia — o próprio Fernando Lobo tem uma história de entrar na casa do Paulo Soledade, desesperado para que o Paulo pegasse um violão, porque ele não tocava nada e tinha tido uma ideia e ia esquecer. Assim eles conseguem armar o que ele estava pensando e registrar. O gravador era uma coisa difícil, profissional, ninguém andava com um gravadorzinho portátil. Depois, quando os gravadores ficaram mais acessíveis, os compositores começaram a andar com um. O problema é registrar, porque nossa fala é muito eficaz mas desaparece, então não é obra de arte. Então, além dessa singularidade emotiva que você está dizendo, que precisa ser de alguma maneira cristalizada, você precisa dominar alguma técnica. Hoje há uma facilidade tremenda. Para o cancionista é o mundo ideal. Ele tem a ideia e tem mil formas de registrar. Por isso que hoje nós temos muito mais cancionistas do que naquela época.

BC: É claro, não basta só sinceridade. Precisa dominar a parte técnica, mesmo como autodidata intuitivo. Mas quando isso acontece, parece que o trabalho do compositor popular está indissociável da sua própria existência. Anda muito junto: a sinceridade com o próprio sentimento, a lucidez sobre aquilo que você está fazendo, do que você está falando, se aquilo te toca fundo ou não. E o que é bonito é que esse trabalho do compositor — no meu caso, indo fundo nele —, ele é indissociável da minha própria vida. E como é grandioso um trabalho convergir para esse lugar.

LT: A rigor, qualquer modalidade artística deveria ser assim. Talvez o que a chama atenção na canção popular é que ela é uma canção popular justamente porque qualquer pessoa pode faz isso, a princípio. O que difere um falante comum do falante que compõe é o registro. Ele pode lembrar das notas e conseguir registrar no violão. Se ele não toca nada, é pior. Ele vai ter mais dificuldade, vai depender mais dos outros. Se ele, além disso, ainda tem um aparelhinho em que consegue imediatamente registrar aquilo, melhor ainda. Se ele tem formação musical, certamente ele vai lançar mão desse expediente para pôr numa partitura, como fazia e ainda faz o Edu Lobo, o Jobim e o Dori Caymmi.

BC: Muitos compositores populares ouviram muita canção e, porque ouviram muito, eles são capazes de fazer através da prática da audição.

LT: É comum que os compositores imitem uns aos outros. Tanto que às vezes falam, “eu fiz uma canção à maneira do Jorge Ben”. Quer dizer, você acaba incorporando até estilo dos outros na sua formação. Isso é bem de compositor popular. Mas as artes, de uma certa maneira, visam chegar nesse ponto. Todas elas. A canção, o que a gente se surpreende e gosta, é essa generalidade que ela tem, esse acesso quase que total. Basta a pessoa ser falante para ser um potencial compositor. Depois entram as questões técnicas.

BC: E também tem a coisa de ser a palavra dita e cantada. É como o teatro, que o próprio corpo está ali. É uma arte menos mediada entre os corpos, é o teu corpo que está ali falando aquilo, mesmo no registro da voz.

LT: É. Às vezes tem uma mediação do intérprete, que tem sempre o problema de fazer parecer que é ele o sujeito da história.

BC:
O problema que ele tem que resolver, né?

LT: O esforço do intérprete é fazer parecer que a coisa é com ele. Quanto mais ele conseguir fazer, mais ele será bem-sucedido na canção. Aquela coisa da Elis Regina, interpretando Atrás da porta, ela chora no meio da música… É uma necessidade de dizer que aquilo está acontecendo com ela. É ela mesma que está vivendo aquilo — e ela sente tudo aquilo, não é falsidade nenhuma, mas ela se imbui do personagem, e, na verdade, quem devia estar cantando e chorando era o Chico [risos]. O papel do intérprete é interessante na canção.

BC: Isso que você está falando, eu sinto falta, às vezes. Temos muitas cantoras incríveis, mas percebo que várias delas, você não percebe, na escolha de repertório, o lance delas. A artista ali por detrás das canções cantadas. Claro que você não precisa compor, necessariamente, mas ir atrás desse repertório que faça sentido para elas, de maneira que elas pudessem ter feito aquilo, enfim, quais são as questões, quais são os grandes temas da sua existência. Saber que ali existe uma mitologia pessoal, um mundo por detrás. O artista cria mundos, cria universos particulares e compartilha esses universos com as outras pessoas. Eu entro no mundo dos artistas que eu amo.

LT: A canção é interessante porque sempre o intérprete que está executando aquilo, é como se ele estivesse sempre dizendo “olhe para mim, sou eu”, “eu sou o sujeito disso que estou dizendo”. Às vezes convence e às vezes não convence. Às vezes — engraçado — convence pelo derramamento, como é o exemplo da Elis, mas às vezes convence pela objetividade do canto. Quem faz muito isso é o João Gilberto. Ele tem aquele canto objetivo, e de uma emoção tremenda, porque ele consegue cantar a canção como ela é, às vezes até alongando um pouquinho a nota em alguns lugares, mas com objetividade.

BC: Com contenção, né?

LT: Exatamente. Não é também uma questão de intepretação dramática. O lance do intérprete é sutil. Ele tem que ter um compromisso e gostar daquilo realmente. Porque, veja, num texto escrito, você tem recursos enunciativos, que a gente chama, por exemplo, os pronomes, quando você diz “eu”, quando você diz “para mim”, você tem formas de chamar atenção para si próprio. No caso da canção, basta ter voz que você já está dizendo “eu sou o sujeito”. Então às vezes a música é até objetiva, não fala “eu” — um dos exemplos que eu acho mais interessantes é Domingo no parque. Domingo no parque não fala “eu”, o rei da brincadeira é fulano, o rei da confusão é ciclano e, pronto, é a história deles. E é de uma emoção tremenda, a ponto de quem está cantando ir se empolgando. Tem até aquela coisa de subir o tom. “E o sorvete e a rosa / Ô, José! / E a rosa… / E O SORVETE E A ROSA”… quer dizer, está uma emoção extrema em quem está cantando. Então mesmo quando ela tem que ser objetiva, o intérprete acaba deixando vazar a emoção do “eu”, e mesmo que não diga “eu” aparece o “eu”.

BC: É, a voz sai de alguém cantando, e esse alguém é sempre o “eu” da história.

LT: A voz tem que sair de alguém. Exatamente. É a entoação outra vez. É alguém falando alguma coisa aqui e agora. Então não tem como se esconder [risos].

BC: E além disso tudo ainda tem o timbre do cantor. Que você até fala na introdução d’O Cancionista que ele é o portador da verdade da coisa também.

LT: De identidade. Sobretudo quando aquele timbre já fica associado ao cantor, a um cantor que você admira por alguma razão. Então o timbre diz, “eu estou aqui”. É uma questão enunciativa, que basta ter a voz que você já se reporta ao “eu” que está fora da canção.

BC: Quando penso naquela canção que o Tim Maia canta que tem uma letra banal, “é primavera, te amo, é primavera, te amo…”. Gente, o que é “primavera, te amo”? [risos] “É primavera, te amo, meu amor”. É uma letra que, escrita, é primária.

LT: É para ser dita daquela maneira.

BC: E ainda é dita por ele, com aquela voz, e aquele arranjo, aquela performance. Todas essas variáveis entram em jogo.

LT: É o caso famoso da Bethânia cantando É o amor. É uma coisa extraordinária. Você demora para entender que é a mesma música. Você fica, “mas que melodia linda”, primeiro reconhece mas não sabe de onde vem o reconhecimento. Aí só quando ela diz o refrão você fala, “pô, é essa música”. Então quer dizer que existem músicas maravilhosas feitas por sertanejos que a gente despreza no dia a dia, dizendo que fazem tudo igual e tal, e, de repente, basta você mudar o timbre de quem está cantando que tudo muda. Evidentemente que aí tem o savoir-faire dela, que soube conduzir aquilo de uma forma elegantíssima.

BC: O Eduardo Losso escreveu um texto dizendo que sempre se soube a diferença dos lugares que ocuparam e ocupam Clarice Lispector e Paulo Coelho na literatura. Na canção popular, por causa de um contexto socioeconômico muito específico na década de 60 — e quem conta essa história muito bem é o Marcos Napolitano no livro Seguindo a canção — que foi possível criar um ambiente de tensão saudável entre o risco artístico e o sucesso comercial. A partir de meados da década de 70, essa história já começou a degringolar. Quando vocês, a vanguarda paulista, surgem aqui em São Paulo, nos anos 80, as gravadoras já estão indo para outro lance, e aí tudo se arruína no ano 2000. A situação que eu percebo hoje dos cancionistas contemporâneos é que eles, materialmente falando, estão quase na situação de poetas, que vão ter que trabalhar na repartição pública, ter outro emprego porque não tem como viver mais de música.

LT: Hoje em dia?

BC: Sim. Porque é muito instável. São Paulo é um lugar que ainda tem alguma coisa.

LT: É, um respiro, né?

BC: Por causa do SESC, sobretudo, porque tem um capitalismo pequeno mas avançado, uma cabeça mais para frente, mas mesmo assim ainda é difícil. Em outras cidades é impraticável. Ainda mais no Rio, que tem o efeito Rede Globo, que distorce tudo, e tudo fica num tamanho enorme ou muito pequeno. Se, por um lado, o artista tem muito mais liberdade criativa e é dono dos seus discos, por outro, ele não tem alcance, e a canção mais autoral acaba perdendo relevância para a cultura do país. Uma coisa que era boa nos meios de massa, era que, apesar da assimetria de poder, da lógica comercial a todo custo e da cada vez mais frequente tirania dos donos das gravadoras, existia através dessas empresas a viabilidade técnica de canalizar uma parte da produção cultural para muita gente ao mesmo tempo. Nem todo mundo entrava. Mas, quando entrava — e houve um momento em que entrou coisa mais arriscada artisticamente —, aquilo era projetado para muita gente. Isso faz muita diferença para a educação sentimental do Brasil. E não é porque entrava canção de qualidade supostamente superior, porque esses gêneros de massa, pagode, sertanejo podem ser e são, muitas vezes, extremamente sofisticados e feitos por compositores e cantores fora de série, mas pelo simples fato de que entrava mais coisa e que o mercado assumia mais risco e não assume mais. Como você vê essa situação?

LT: Existem dois problemas aí. O primeiro é uma questão de qualidade. Quando você falou de Clarice Lispector comparando com Paulo Coelho, podemos criar uma maneira de ver as coisas em que não há distinção de mérito nos trabalhos. Uma coisa que é desprezada numa fase, mas de repente vira o autor de outra época, retrospectivamente. Acho que essa é a função do crítico, que é justamente estar aparelhado para conseguir mostrar coisas que as pessoas não estão vendo, e não ficar criticando obras de maneira geral. “Essa música, que parece tão banal, tem isso”. Saber revelar coisas. Foi o Tropicalismo que passou a limpo a história da música brasileira, dizendo, “olha, existem coisas muito interessantes no Vicente Celestino, na Carmen Miranda”, tudo que tinha sido desprezado, porque para a Bossa Nova só interessavam as coisas mais requintadas do ponto de vista musical. Os tropicalistas não, eles estavam mostrando que tinham coisas ótimas que vinham dos Estados Unidos, que o Jimi Hendrix e a Janis Joplin eram geniais, sem contar inclusive as músicas inglesas, que estavam tomando conta naquele momento. A coisa meio exagerada do Tropicalismo de aceitar tudo tinha essa função de dizer “cuidado com a coisa do mérito prévio, vamos ouvir direito”. Por exemplo, o Jorge Ben, que era considerado um sambista menor, quando cantava as coisas dele, e a plateia rejeitava por alguma razão, o Caetano ia lá e ajoelhava na frente dele, como quem diz “como é que vocês estão vaiando o meu maior ídolo? Se vocês gostam de mim vocês têm que gostar dele”. Sobre os veículos de massa, hoje não adianta estar na internet. Precisa ter um agente de prestígio, seja ele comercial, de qualidade técnica ou de algo inaudito. Alguma coisa tem que sustentar para as pessoas realmente irem atrás. Acredito que, de maneira geral, nós ainda não conseguimos compreender o que vai acontecer e o que está acontecendo, mesmo no presente. Eu acho que mudou muito para melhor. Eu sei que deu uma dispersão, não existe mais a centralização. Nunca mais vai existir. Nunca mais vamos voltar aos festivais. Isso não tem mais sentido. No entanto, quando você vai atrás, existem coisas maravilhosas, e todas partem de um patamar mais elevado. Agora, a questão da veiculação virou uma concorrência absurda.

BC: Porque todo mundo faz.

LT: Todo mundo faz, e não sabemos mais como consumir, como produzir, em que veículo colocar. Quem já tem reconhecimento tem a vantagem de não precisar fazer o nome outra vez, é mais uma questão de acertar o canal e estar presente. Quem ainda não tem nome fica um pouco desesperado, mas ao mesmo tempo, está descobrindo novas formas de apresentação, às vezes até de uma forma mais caseira. Outro dia eu fiz um show numa sala!

BC: O trabalho da minha geração está muito precarizado, porque estamos tentando fazer um nome numa terra arrasada. É claro que todo esse pessoal que veio antes, principalmente década de 60 e 70, já tem um nome, mas até eles estão fazendo turnês de voz e violão. O Caetano Veloso e o Gil estão fazendo turnê de voz e violão. Tem o Festival Cantautores, que é só do compositor com o seu instrumento.

LT: Até a Daniela Mercury está fazendo violão e voz! Ela até dança um pouquinho, mas o show é violão e voz.

BC: E você vê, muitos compositores que eram de gravadoras, tinham um super público, elas acabaram e, com elas, eles acabaram de verdade, como o Gabriel o Pensador, Cidade Negra, grupos que parecem serem sustentados artificialmente por um esquema comercial, e hoje as pessoas não tomam mais conhecimento.

LT: Eu tenho a impressão de que a gente não entendeu ainda, e nem daria mesmo, porque a revolução eletrônica é maior do que a gente pode captar, a gente vai entendendo a posteriori.

BC: Mas a economia condiciona muito a produção e até afeta formalmente o que fazemos. Fico pensando nos cantores de jazz de Nova York, que cantavam toda semana em uma boate, com uma porrada na plateia. Isso era o trabalho cotidiano do músico. Um glamour muito mundano. O artista era um operário, e isso está voltando um pouco. Acho muito bonito. O que falta é lugar para tocar. Mas eu tenho cada vez mais o desejo de cantar em lugar precário, mas com frequência semanal.

LT: Nos Estados Unidos, ainda é muito forte essa coisa. Eu não vou para lá, mas tenho um amigo que vai muito lá, o Manu Lafer — um grande compositor. Ele é médico também, então vai para lá por conta de pesquisas que ele tem que fazer e aproveita para dar uma olhada como está a cena musical. Ele descobriu uns músicos que parecem brincadeira. É como se achasse a Ella Fitzgerald. E ele traz para cá para tocarem junto com ele.

BC: Depois da indústria ter chegado num patamar tão grande de poder, o pessoal está retornando ao amadorismo que está na base, que, se por um lado, você ganha pouco dinheiro com isso, por outro lado, você traz a essência da música de novo.

LT: É interessante até para as pessoas poderem escolher o que querem assistir. O problema nosso é que isso se misturou com uma fase econômica e política horrorosa, que nós estamos passando. Então, a gente não sabe o que é um problema latente do país e o que é um problema das mudanças que nós estamos vivendo. Nós, mais velhos, já vivemos isso. Passamos até por coisa pior, nos anos 70 e 80. Por isso eu acho que passa. Daí vamos ver o que vai sobrar. Mas que vai melhorar, nesse sentido, vai. Não tem mais a regência dos empresários, das gravadoras. Isso já é um alívio.

BC: Eu acho muito estimulante a minha época.

LT: Não conseguimos prever o que vai acontecer. Só tentamos compreender para não descartar. Porque senão a gente fica aqueles caras “ah, antigamente que era bom”. Isso é uma bobagem. Primeiro porque é irreversível, e depois porque tem muita coisa surgindo, que, à medida que a gente vai compreendendo, vai percebendo como é interessante. Tudo isso está relacionado com a canção, porque a canção surgiu com a tecnologia, então ela se beneficia muito. O avanço da tecnologia tem muito mais benefícios do que prejuízos.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Ao longo dos séculos

#27 Perspectivas Cultura

por Léo Coutinho Conteúdo exclusivo para assinantes

Geografia de um disco

#25 Espaço Arte

por Gabriel Vaz Conteúdo exclusivo para assinantes

Miragens do Brasil

#43 Miragem Cultura

por Jessé Souza

In progress: Ricardo Alcaide

#23 Educação Arquitetura

por Ricardo Alcaide Conteúdo exclusivo para assinantes

Achados e perdidos

# Terra: Especial 10 anos Crônica

por Vanessa Agricola

Meus livros

#1 Mudança Cultura

por Flávia Milioni

O fim do fim da História

#49 Sonho Sociedade

por Rafael Kasper Conteúdo exclusivo para assinantes

Amarello Visita: Thiago Soares

#36 O Masculino Amarello Visita

por Willian Silveira Conteúdo exclusivo para assinantes

Proust, o amor na terra: Os pilriteiros

# Terra: Especial 10 anos Cultura

por Thiago Blumenthal

Kali Yuga

#17 Fé Cultura

por Thiago Blumenthal Conteúdo exclusivo para assinantes

Aquilombamentos artísticos na diáspora brasileira

#43 Miragem Arte

por Thayná Trindade Conteúdo exclusivo para assinantes

Os povos indígenas: a educação indígena como saída para as crises atuais

#51 O Homem: Amarello 15 anos Cultura

por João Paulo Lima Barreto Conteúdo exclusivo para assinantes

#26Delírio TropicalModa

A Estética da Gambiarra

por Melina Dalboni

“A arte existe porque a vida não basta”
Ferreira Gullar

Não confunda gambiarra com jeitinho brasileiro. Longe disso. A gambiarra pode ser vista como uma metáfora que representa um dos talentos mais pulsantes da nossa cultura: a elástica capacidade de inventividade. Embora seja popularmente usada como adjetivo para definir improvisações e soluções, nem sempre ideais ou às vezes até precárias, a palavra ganha nova conotação para traduzir um processo criativo de extrema originalidade que percorre de maneira profunda diversas manifestações culturais no Brasil.

O termo ganhou novo significado este ano ao ser usado para definir a limitação de recursos e o (por que não?) surpreendente sucesso da cerimônia de abertura dos Jogos Olímpicos de 2016, que misturou linhas de Niemeyer a Gisele Bündchen, apresentou escolas de samba com fantasias monocromáticas e desfilou bicicletinhas com penduricalhos comprados no mercado popular.

Um jornal britânico declarou que os brasileiros fizeram a festa com um décimo do orçamento de Londres, nas Olimpíadas anteriores, e que mesmo assim foram capazes de produzir uma das mais bonitas e impactantes cerimônias da história dos Jogos. Se faltou verba, sobrou inventividade para sobrepor a criação à escassez de recursos tradicionais. Alternativas e soluções pensadas para impressionar o mundo tendo como fornecedores lojistas do Saara, a região do Centro do Rio conhecida pelos preços e produtos populares, que renderam ao espetáculo a seguinte definição, publicada pelo New York Times: “deslumbrante e sem ostentação”.

Com a sensibilidade de quem escreveu o livro Cidade partida (1994), que traduziu o diálogo e a tensão entre morro e asfalto no Rio de Janeiro, o jornalista Zuenir Ventura, após ver jornais de todo o mundo positivamente surpresos com a festa que aqui foi produzida, ressignificou a palavra ao criar a expressão “estética da gambiarra”. Numa crônica publicada em agosto de 2016, escreveu: “Fernando Meirelles, Daniela Thomas, Andrucha Waddington e Deborah Colker, à frente de um time de ouro, apresentaram no Maracanã a sua ‘estética da gambiarra’, que, a exemplo do Cinema Novo, impactou o mundo”.

“Uma câmera na mão e uma ideia na cabeça”. Cinema independente para todos os criadores, por necessidade, por fome existencial. Em 1965, Glauber Rocha pegou um avião de Los Angeles a Milão para participar do congresso Terzo Mondo e Comunità Mondiale, em Gênova, e escreveu, durante o voo, o manifesto-tese “Estétyka da Fome”.

O crítico Ismail Xavier descreve a tese do diretor como: “Um estilo que procura redefinir a relação do cineasta com a carência de recursos, invertendo posições diante das exigências materiais e as convenções de linguagem próprias ao modelo industrial dominante. A carência deixa de ser obstáculo e passa a ser assumida como fator constituinte da obra, elemento que informa a sua estrutura e do qual se extrai a força da expressão, num estratagema capaz de evitar a simples constatação passiva (‘somos subdesenvolvidos’) ou o mascaramento promovido pela imitação do modelo imposto”.

A motivação a partir do que parece elemento limitador encontra impulso e força criativa no próprio obstáculo, tornando-o maleável e não apenas transponível, mas, principalmente, inspirador do processo criativo e de conceituação, transformando tudo (escassez, questões técnicas, limitações materiais e de recursos) em linguagem, conteúdo, significado, questionando a realidade árida a partir da sua ressignificação.

O fato é que a criação no Brasil muitas vezes não apenas ganha contornos originais porque não tem os recursos tradicionais ou ideais para realizar uma obra como ascende e se motiva exatamente por esta questão: a escassez que impulsiona a sobrevivência artística e determina sua originalidade. Cria-se porque a vida não é suficiente, ainda (ou exatamente por que) não se têm as medidas ideais de recursos financeiros e materiais para a criação artística.

A gambiarra é, aqui, não o tema ou objeto do qual tratamos. Ela se instala no ponto de partida do processo criativo. Sua estética é de tal modo intrínseca em nossa cultura que a limitação de recursos ideais deixa de ser mola propulsora (ou castradora), porque em alguns casos inexiste, para ser uma ideologia em que materiais menos óbvios ou nobres são ressignificados a partir do filtro da criação. Inúmeros designers e artistas brasileiros poderiam representar esta proposta ética e estética. Os cineastas brasileiros e os produtores de teatro não esperam a estrutura de Hollywood para botar suas obras de pé.

Na moda, a estilista Isabela Capeto, que trabalha com tecidos e mão de obra 100% nacionais, procura em mercados populares, como o Saara, materiais e objetos para bordar em seus vestidos, numa metáfora dos ateliês de alta-costura, que usam acabamentos, tecidos e bordados exclusivos. Transforma flores de plástico compradas em lojas de decoração popular em bordado de um delicado vestido de tule. Usa ráfia para criar franjas e formas novas para vestidos. Reaproveita tecidos e aviamentos recriando seu repertório pré-existente.

A inclinação para o uso de materiais mais rotineiros ou descartados dialoga com esta premissa, quando já não mais importa se a estrutura econômica ou técnica impõe limites. Nas artes plásticas, nomes como Nelson Leirner e Vik Muniz, numa arqueologia que desvenda e revela camadas de significados das coisas, mostram que o processo criativo individual – e absolutamente diverso um do outro – passa pela ressignificação de objetos cotidianos.

“O espanto e o fascínio pelas coisas levaram-no (Leirner), desde muito tempo, a colecioná-las. Leirner coleciona tudo, especialmente (…) as coisas mais simples”, descreve Agnaldo Farias no livro A arte do avesso. Adesivos e figurinhas infan tis deslocados do universo infanto-juvenil ganham ideologia sócio-política na série Assim É Se lhe Parece (2010), que povoa mapas mundi.

Vik Muniz, ao deslocar sucatas, restos de lixões e até mesmo alimentos para o centro de seus retratos, acrescenta camadas sensoriais e políticas à obra, como mostrou o documentário “Lixo extraordinário” (2010), com catadores do aterro sanitário de Gramacho.

Na televisão, o diretor Luiz Fernando Carvalho também pode ser incluído neste grupo de criadores que preferem o desconforto de novos materiais ou mesmo matéria-prima residual, como se pôde assistir na novela “Meu pedacinho de chão” (2014), com uma cidade cenográfica inteira construída com vinte toneladas de latões de tinta numa instalação criada pelo artista plástico Raimundo Rodriguez.

A estética da gambiarra não ganhou tese ainda, apenas a crônica de Zuenir e mais um punhado de reportagens sobre a abertura dos Jogos Olímpicos. Não serviu de bandeira para movimentos culturais, mas dialoga com o antropofagismo oswaldiano do final dos anos de 1920 e costura diversas manifestações.

Cabe lembrar ainda que gambiarra é uma extensão com lâmpadas, muito usada em festas populares para envolver e iluminar pequenas praças. Ela compõe de maneira epidérmica o repertório cenográfico da cultura popular e a arte que prescinde de público. Um objeto que traz luz e ilumina, por assim dizer, a nossa capacidade de dar novos significados às coisas e transformar em arte original do Brasil.

MELINA DALBONI é jornalista, trabalhou no jornal O Globo, e hoje integra o time de colaboradores do diretor de TV e cinema Luiz Fernando Carvalho.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Entre o alarme e a esperança: a Amazônia é o que se esquece no Brasil

Cultura

por Gustavo Freixeda

Werner Herzog e o delírio da imagem em movimento

# Terra: Especial 10 anos Arte

por Willian Silveira

Souvenires

#7 O que é para sempre? Arte

O homem é isso ou aquilo

#51 O Homem: Amarello 15 anos Música

por Pérola Mathias Conteúdo exclusivo para assinantes

A redescoberta do corpo, da natureza e do futuro em Banzeiro Òkòtó

#40 Demolição Cultura

por Priscila Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Warhol, Bündchen e Vacas

#9 Obsessão Cultura

por Lígia Teixeira Conteúdo exclusivo para assinantes

Olhar para fora e desmontar miragens

#43 Miragem Cultura

O fim de uma era: o videclipe dá adeus?

Música

por Revista Amarello

Fofocas

#8 Amor Crônica

por Vanessa Agricola

Brasil colônia

#4 Colonialismo Crônica

por Nuria Basker Conteúdo exclusivo para assinantes

Amarello Visita: Guerreiro do Amor

#8 Amor Amarello Visita

Rhonda completa

Arte

por Alice Granato

ArquiteturaCidadeDesign

Dois e Dois são Dois: Shundi e Fanucci

César Shundi, arquiteto responsável pelo Shundi e Iwamisu Arquitetos Associados, professor no Senac e FAUUSP, se encontrou numa manhã de segunda-feira com Francisco Fanucci, um dos fundadores do Brasil Arquitetura, para conversar sobre o Estúdio Vertical, projeto que faz parte da Escola da Cidade, escola de arquitetura e urbanismo sediada no centro de São Paulo – de cujo corpo docente ambos fazem parte.

César Shundi: É importante falarmos da Escola da Cidade para um público que não seja somente os interessados em arquitetura. Ela é uma associação formada por arquitetos, como uma alternativa ao ensino de arquitetura e urbanismo, e tem uma história muito ligada aos seus próprios fundadores. A escola desenvolve uma série de atividades incomuns no meio acadêmico, até porque é uma instituição que não tem um antemodelo por trás. Seguimos a ideia de que os profissionais também podem trabalhar como professores e discutir essa disciplina que é tão importante para a nossa cidade. São os próprios arquitetos que fazem a sua gestão. Temos, por exemplo, programas como a escola itinerante – viagens feitas a cada semestre para lugares dentro e fora do Brasil, totalmente incluídos na grade curricular. Seminários internacionais já são práticas correntes no calendário da escola. O período é integral, e a carga horária é pesada, em termos de horas dedicadas à prática e ao ensino. Dentro desse currículo, além das disciplinas de arquitetura e urbanismo, existe uma disciplina que estamos coordenando nesse momento, o Estúdio Vertical: um fazer coletivo realizado por grupos de alunos de diferentes anos. Nesse semestre, temos quase duzentos alunos, cerca de vinte professores; é um trabalho amplo e que consome 30% da carga horária de um aluno ao longo do curso todo. Quando assumimos essa disciplina, sabendo, inclusive, do seu papel estruturador, decidimos abri-la para discussões mais amplas, inclusive sem direcionamentos claros – ao contrário, queríamos que o trabalho fosse guiado pelo interesse dos alunos, numa ideia de abertura, em que cada grupo pudesse explorar, a partir de um tema dado, diferentes possiblidades de aproximação e fazer com que o trabalho dos professores e dos alunos pudesse ser um processo de investigação mais aberto do que o tradicional.

Francisco Fanucci: O Estúdio Vertical surgiu no começo da escola, que surgiu de uma experiência em Mogi das Cruzes, na Universidade Braz Cubas, que estava muito decadente na época, 1990-91, e foi oferecida para o Ciro Pirondi, um ex-aluno da escola, para que ele a levantasse, pois havia pouca demanda e havia muito espaço ocioso. Quando o Ciro aceitou o convite, teve carta branca para reorganizar tudo, e chamou pessoas – eu, por exemplo – que nunca tinham tido experiência didática, acadêmica, anteriormente; pessoas muito ligadas à prática. Tudo começou muito bem; entramos em desenvolvimento de projeto, e as coisas começaram a progredir. Quando a questão econômica estava resolvida, a mantenedora começou a cortar nossas asas, e aí houve uma crise danada. Todo mundo que estava lá começou a sair – “por que não fazemos uma escola para nós?”. Foi muito difícil, mas muito difícil. Quer dizer, qualquer coisa fora de uma certa curva programada que existe hoje no Brasil para a formação de escolas de ensino superior é muito difícil. Por isso essa profusão de escolas. Hoje, existe vaga para todo mundo, mas os níveis são muito baixos, muito baixos mesmo. Temos muita oportunidade de fazer palestras por aí – você também, né, Shundi? – e o nível é assustador. Acho que isso é um processo que surgiu das reivindicações do movimento estudantil de 1968; eu me lembro, era “abaixo o 477”, um decreto que normatizava toda a questão do ensino, “abaixo o convênio MEC/USAID”, e uma outra palavra de ordem fortíssima era “mais vagas na universidade”. Quer dizer, “mais vagas na universidade” virou um mote, mas, de repente, criar uma universidade hoje virou a coisa mais lucrativa. Foi só para esse lado sem que, na base, se fizesse alguma ação que desse a condição para que isso pudesse acontecer. O quadro hoje é terrível. A experiência da Escola da Cidade é uma tentativa muito pequena, muito solitária e muito desamparada do ponto de vista institucional, precária até do ponto de vista estrutural, mas que tem um ingrediente que é o que a sustenta, de alguma maneira: esse desejo, de todos que estão lá, de fazer uma experiência um pouco mais aprofundada, um pouco mais livre. Uma das grandes teses que se discute exaustivamente hoje é a ideia da autonomia intelectual, especialmente a escola superior como um aprendizado que parte muito mais do aluno fazer, do estudante construir a sua própria maneira de pensar, mas isso fica muito só na retórica pedagógica. Conhecemos muito poucas experiências que tentam possibilitar esse tipo de condição para os estudantes. Acho que existem muitas coisas que não se aprendem na escola, e, com o Estúdio Vertical, os alunos aprendem a se organizar em grupos de cinco, e cada dois grupos têm um orientador que acompanha o trabalho do começo ao fim do semestre. Não chamamos de professor, mas de orientador. As conversas com as equipes são sempre com dois orientadores. É uma mecânica simples, mas garante algumas coisas que são fundamentais nesse processo. Os dois orientadores trazem as equipes que estão orientando; depois, o atendimento é individual a cada equipe. Isso na primeira etapa do trabalho. Na segunda etapa, troca-se o segundo orientador e, na terceira, troca-se novamente. Então os alunos acabam fazendo um trabalho coletivo, que é orientado por diferentes pessoas, com diferentes visões, e não economizamos polêmica, com os colegas e com o orientador. Colocamos sempre os alunos como protagonistas desse processo. O que se discute no EV é aquilo que os alunos trazem para a mesa; se não trazem nada, não há discussão e, consequentemente, não há trabalho. Damos as maiores condições possíveis para a emancipação intelectual do aluno, para discutir as questões da maneira como ele propõe – isso implica, é claro, os professores terem também essa disponibilidade, uma generosidade e um desapego daquilo que acham que sabem, mas que passa pela compreensão de muitos outros lugares. Não se trata da relação professor-aluno, de que o professor tem uma forma de conhecimento que vai passar para os alunos. O que acontece é um compartilhamento no desenvolvimento do trabalho entre todos, mas sempre guiado por aquilo que os alunos trazem.

CS: Em um exercício tradicional de arquitetura, seja de projeto ou de urbanismo, sempre se parte da premissa de estabelecer procedimentos claros, um determinado recorte de uma área ou de um programa para o aluno trabalhar. No nosso caso, decidimos abrir mão de tudo isso e colocar temas amplos, como tempo livre, no nosso primeiro EV, numa ideia de discutir o espaço na cidade dedicado ao lazer, ao ócio, e não ao trabalho – tudo o que apresente muita carência na nossa cidade. O segundo tema era simplesmente denominado “passagens”, uma ideia do percurso que temos e que pode ser trabalhado no campo da arquitetura e do urbanismo. São temas de cunho conceitual, e o que é interessante nessa abertura de tema é justamente permitir que os alunos estabeleçam contatos com outras disciplinas – por exemplo, as artes plásticas, a fotografia, enfim, atuações que no fundo estão relacionadas ao universo da arquitetura e do urbanismo e sobre as quais existe muito interesse por parte dos alunos. É só pensar na quantidade de arquitetos que hoje atuam em outras áreas do conhecimento, mas que, de alguma maneira, estão falando, sim, de arquitetura, de espaço, de cidade. E acho que, de alguma maneira, colocar um tema aberto como esse é afirmar que a profissão do arquiteto vai ser mais importante, vai conquistar mais espaço, à medida que também estabelecer contato com questões mais amplas, abertas, não ficando só restrita ao universo do projeto. Isso é uma questão importante para nós, porque, do ponto de vista da formação de um arquiteto, o que importa é a noção de processo, a medida que se dá quando inúmeros alunos, de diferentes anos, com diferentes bases, podem se juntar e discutir uma questão, para fornecer insumos para debater abertamente de um modo mais interessante. É claro que um aluno do primeiro ano não tem a mesma base teórica de um que está no quarto ou no quinto, mas, com temas tão abertos, essa diferença diminui, porque um aluno mais novo pode, sim, alterar o rumo de um determinado trabalho, assim como esse aluno pode aprender com a experiência de quem já está mais avançado no curso. Por isso a figura do orientador, e não do professor. Ele se vê também um pouco desarmado. Com temas tão abertos, ele é obrigado a repensar a própria postura. As perguntas e as respostas não são, evidentemente, diretas e objetivas. Não estão baseadas num espectro estreito, já definido e redutor do que é o campo da arquitetura; por isso, ele é obrigado a se confrontar com questões que não tinha enfrentado antes, passa a ser mais um componente da equipe e menos o cara que dita as regras de como tem que ser. Sabemos que as equipes e os orientadores são muito desiguais e que, nessa experimentação, existe uma margem que obviamente permite que muita coisa dê errado, então estamos trabalhando com o intuito de que a cada semestre isso possa ser melhorado, e de que a própria produção da turma como um todo sirva como motor para que a sua média seja elevada.

FF: Isso – é uma constatação também – que você chama de substituir a ideia de projeto de arquitetura por um processo, eu digo de outra maneira: é ampliar o campo do significado da palavra projeto de arquitetura. Tem um exemplo, que, aliás, você usa bastante, quando diz que fechar a Av. Paulista aos domingos não é um projeto de arquitetura stricto sensu. Não foi desenhado, não tem aquilo de pesquisa, não tem coisa nenhuma; no entanto, é uma ação arquitetônica de uma importância absurda na relação das pessoas com a cidade. No fundo, é um projeto de arquitetura, sim, um projeto de arquitetura para a cidade, que não se parece em nada com a ideia do que seja o projeto de arquitetura clássico. Isso é um exemplo, mas existem inúmeros outros em que as pessoas, de uma maneira ou de outra, estão fazendo projetos para a cidade. Eu acho que é esse tipo de projeto que estamos incentivando lá na escola. Gosto muito da ideia de que tudo é um projeto – todas as ações desse campo, que diz respeito ao lugar que as pessoas vivem, ao espaço da vida humana. Acho que tudo, no fundo, é uma reflexão permanente entre os homens sobre como é que, pela nossa ação, o mundo vai ser a nossa casa. Se você muda uma varanda da sua casa, muitas pessoas que passam por ali, na rua, são afetadas de alguma maneira, de alguma maneira o arranjo do espaço cotidiano das pessoas altera-se, sem pensar naquelas que usam a varanda. Então, mesmo no espaço privado, que é uma coisa que a gente quer trabalhar, acho que tudo interfere, tudo nos diz sobre a cidade. Não dá para emparedar, como fizeram no MASP, onde fecharam um espaço que era aberto, com os cavaletes de vidro, que, durante muito tempo, foram substituídos por um monte de parede. Quando um espaço se propõe a oferecer uma condição de convivência muito mais ampla, a impressão que dá é que há forças atuando em todas as direções do pensamento, transformadas em ações, que, às vezes, por alguns momentos, se sobrepõem e desconstroem um caminho.

CS: A um arquiteto que vá atuar nessa cidade não basta resolver um determinado problema, que é um pedido do cliente. Ao contrário, é até uma resposta naturalmente voltada a esses desejos de uma determinada encomenda, mas que isso também tenha uma contribuição para a construção da cidade, de sua melhoria, de sua história – uma ideia de transformação que não desconsidere nada disso que é fundamental. Os alunos, de certa maneira, já têm no seu DNA uma intenção clara de que os projetos têm que ter, por trás, uma formulação que se refira a todos, não só a resolver um problema no lote. E o que você falou, na verdade, a resposta clássica de um projeto é, sim, por meio de desenhos, maquetes, ilustrações, e o que está sendo discutido é que isso também é parte, mas, com isso, os nossos alunos se esforçam por meio de outras ações, algumas até de caráter mais acadêmico, no sentido da pesquisa propriamente dita, científica, outras experimentações do ponto de vista plástico, ou até mesmo projetos, desde que tenham essa vinculação com o problema da cidade. Acho que essa é nossa questão principal. Isso vai ao encontro, também, de a uma geração que me parece – é cedo para dizer – que não fica sentada esperando a próxima encomenda; ao contrário, tem uma vontade enorme de se apropriar do espaço urbano. É possível ver isso pela cidade, questões que dez anos atrás não eram pensadas e que hoje aparecem com muita força no sentido da apropriação do espaço público. Desde o Lago da Batata, a questão do Minhocão, o Parque Augusta… São questões que surgem no sentido de que as pessoas estão se mobilizando para ocupar o espaço da cidade com mais força. A Paulista é um exemplo, já, como uma resposta do poder público a todo esse movimento. Com isso, surge uma cultura de rua que está ligada à apropriação do espaço urbano, que vai contra um processo que a cidade enfrentou, nos últimos anos, de privatização completa, com condomínios que se cercam, são verdadeiros muros para a cidade, e não contribuem para a construção do espaço urbano, da rua. Tudo isso é uma resposta muito rápida a essas questões. É importante aproveitar o impulso dessa moçada, e obviamente pensar qual o rebatimento que isso tem nos outros projetos. Talvez essa seja a nossa função nesse momento.

FF: Esse conhecimento estabelecido, o conhecimento técnico, histórico de desenho, de compreensão dos mecanismos da cidade, todo o conhecimento acumulado pela experiência humana, consolidado, é indispensável. Só que não é bastante. Acho que o que a gente está trabalhando juntamente com isso é entender o espaço do EV como um espaço de conjugação, de desdobramento de todo esse tipo de conhecimento que as outras disciplinas da escola dão para os alunos. Ali é uma espécie de laboratório de ensaio, onde todos esses conteúdos, essas competências, que vêm dessa forma de conhecimento, estão ali e serão usados, só que será acrescentada também a disposição dos alunos e dos professores de entrar num território de risco, de dúvida, de questionamento, e aprender a trabalhar com isso, sem esperar respostas por parte de uma instituição. Porque não há essas respostas. Tanto que a própria avaliação que fazemos dos trabalhos é uma avaliação que… Evidentemente, quem avalia quase tudo é o orientador da equipe, mas ele não chega à metade; a outra metade é composta pelos outros orientadores e pelos próprios alunos. E os alunos avaliam duas coisas, que para nós são preciosas: a primeira, a autoavaliação, e a segunda, uma coavaliação, que é uma avaliação do processo como um todo. E isso permite uma espécie de construção de uma autocrítica. Quando a avaliação é só da parte do professor, a nota que o professor dá, por mais que seja objetiva, abrangente, no fundo, no fundo, o que está sendo avaliado é a performance do aluno como aprendiz, na visão de quem está de fora. E as coisas que se aprende com o erro? Às vezes, você aprende pra caramba tendo chegado a um resultado muito ruim no trabalho. Com isso, você faz o aluno pensar muito mais do que simplesmente receber uma nota. Ele também dá nota. Ele dá nota inclusive para nós. Quando ele dá nota para o processo todo, não é A, B, não é isso; é um comentário. Existe muita coisa previsível, mas às vezes a gente se surpreende bastante. Às vezes existem comentários que nos fazem mudar de direção. Acho que é uma maneira por meio da qual tentamos experimentar um espaço de autonomia do aprendizado, tanto para os alunos quanto para os professores.

CS: Eu me lembro que, quando a gente estava começando, alguns colegas que eram nossos confidentes falavam assim: “será que vai dar certo?”. E a gente também se perguntava, “será que vai dar certo?”, e, na verdade, quando mudamos o enfoque e encaramos isso como um laboratório, foi ótimo, porque nos deu liberdade para errar, e errar feio. A ideia de erro e acerto é interessante, porque, à medida que você não busca um resultado específico, abre as portas para coisas novas, que vão ser parte do processo de uma construção mais ampla, que não se encerra só no EV.

FF: O que nos estimula também são alguns resultados. Alguns trabalhos muito interessantes. Tem um trabalho de conclusão de curso que uniu, de certa maneira, os dois temas de que Shundi falou. O tema do primeiro semestre e o tema do segundo semestre. O primeiro, “tempo livre”, em Campo Limpo; depois, “passagens”. Da análise do contato que os estudantes tiveram com o bairro, o projeto final foi uma cenografia para um grupo de dança que se apresentava na quadra de uma escola. Trabalho maravilhoso aquele. Eles desenharam, executaram e gravaram a coreografia que foi feita para o cenário que propuseram. No ano seguinte, o tema foi “passagens”. Uma das meninas se aproximou do grupo de dança, aí voltaram para o Campo Limpo, começaram a trabalhar numa daquelas escadarias imensas do bairro, que existem quando as ruas acabam, propuseram, junto com os alunos, uma coreografia e desenharam um corrimão para essa escada. É um corrimão que cria situações para você, um corrimão que ajuda as pessoas, mas com o qual também se pode dançar. Uma maravilha. Executaram um trecho – não tinha dinheiro para todo o corrimão –, gravaram isso tudo, e foi a proposta do TC dessa menina. E outros vizinhos de outras escadarias têm nos procurado para fazer coisas… [risos]

CS: E o que é bonito é isso. O trabalho do urbanismo pressupõe, normalmente, numa visão clássica, uma ideia que vem de cima para baixo, do maior para o menor. Nesse caso, o desenho é de um guarda-corpo, uma coisa muito singela, mas que traz tantas discussões e abre tanto a questão que inverte um pouco a lógica das coisas. É bonito pensar também do ponto de vista contrário. Como de um pequeno ponto pode se discutir tantas outras coisas.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Editora convidada: Helena Cunha di Ciero

#18 Romance Editorial

por Helena Cunha Di Ciero

O Homem

#51 O Homem: Amarello 15 anos Cultura

por Adriano Moraes Migliavacca Conteúdo exclusivo para assinantes

Domingos

#14 Beleza Arte

por Carlos Andreazza Conteúdo exclusivo para assinantes

Ócio criativo sem limites

#24 Pausa Arte

por Jair Peres Conteúdo exclusivo para assinantes

“A preferência é ser chamada de negona”

#37 Futuros Possíveis Arte

por Pâmela Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Uma Nova História da Humanidade

Cultura

Editor convidado: Lourenço Gimenes

#25 Espaço Editorial

por Lourenço Gimenes Conteúdo exclusivo para assinantes

Sobre a capa: Hiroyuki Izutsu

#21 Solidão Arte

No ventar do tempo

#46 Tempo Vivido Cultura

por Helena Cunha Di Ciero

Martyrs: terra, ar, fogo e água

#16 Renascimento Arte

por Bill Viola Conteúdo exclusivo para assinantes

Aprender a aprender: a nova educação no Brasil

Cultura

por Revista Amarello

Ninguém pode ser estrangeiro sozinho

#31 O Estrangeiro Crônica

por Léo Coutinho

#26Delírio TropicalCulturaLiteratura

Alguns dias depois do Donald Trump ser eleito

por Vanessa Agricola

É novembro, faz frio em São Paulo. Dezessete graus em novembro. O Donald Trump foi eleito, em que mundo estamos? Esse ano fez tanto frio, compramos casacos do North Face para as crianças e não foi dinheiro jogado fora. Eu dei um cachecol de presente de aniversário para a Tercina… e já é Natal.

Queria escrever uma crônica sobre todo ano a gente falar isto: mas esse ano voou. Ao mesmo tempo que a gente já nem se lembra do começo do ano: onde é que eu estava em janeiro, o que foi que eu fiz? É curioso, parece que faz muito tempo janeiro de dois mil e dezesseis. Mas foi ontem.

Vejo este homem, do outro lado da piscina, sentado. Ele me lembra uma música da Baby Consuelo, esse homem do outro lado da piscina sentado, com as pernas cruzadas, as mãos em cada joelho, parece que está meditando. Enquanto eu estou aqui, com meu biquíni preto, a parte de baixo vem até a cintura, a parte de cima é tipo uma regata, deixando a mostra dois dedos de barriga. Não é estilo. Eu estou gorda.

A primeira vez que o vi, dragão tatuado no braço, eu já estava aqui sentada na outra ponta da piscina, me achando gorda, pensando nas consequências da extrema extremíssima direita, e de uma possível abdominoplastia. Despertei dos meus devaneios com a água se movimentando na raia ao lado. O homem fazia uma cambalhota no fim da raia, as pernas davam o impulso…

— Não é o fulano?

Quem fez a pergunta foi o meu marido. Ele tomava o sol frio em uma cadeira afastada, mas não muito, da borda na piscina. Dali ele avistou o homem nadando, e achou que o homem era a cara do fulano, um ator tão conhecido da Globo.

— Nossa, é mesmo, muito parecido.

— Pede uma selfie!

Meu marido não tem o menor ciúme. Mas, no que ele retorna para o seu sol frio, naquela tarde de meio da semana no clube, tão agradável, o clube vazio, eu retorno para o homem tatuado meditando. Faz tanto tempo que eu não medito. O tamanho da minha barriga está ridículo. Eu ter me inscrito na academia em agosto, e ter largado a academia em agosto mesmo.

Aí eu comprei esse biquíni para fazer natação. Antes de ver aquele homem fazer uma cambalhota no fim da raia e dar um impulso, e as suas pernas, juro, eu já estava ali sentada na beira da piscina, segurando uma touca e um óculos de natação, invocando a coragem de começar a nadar naquele dia frio.

Sabendo, pelo acúmulo de anos que voam, e de vida, e de óbitos, e de óbvios que a gente aprende que são óbvios com o passar do tempo, que se eu nadar de novembro até janeiro, eu emagreço. Que se eu parar de comer pastéis de nata todas as quartas-feiras no Centro de São Paulo, eu emagreço. Se eu não levar a vida como se o verão estivesse longe deste dia frio.

Mas foi só aquele homem quem nadou. E sentou agora, farto, e cruzou as pernas, e fechou os olhos, e me parece, daqui, meditando. Alguns dias depois do Donald Trump ser eleito.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Hand anatomy head famous of the mandible female pelvis world scapula nasal nasal famous: a pintura de figura humana na arena

#38 O Rosto Arte

por Alvaro Seixas Conteúdo exclusivo para assinantes

Nove expoentes da cultura indígena que você tem que conhecer

#37 Futuros Possíveis Cultura

por Gean Ramos

A ignição e o motor

#18 Romance Cultura

por Thiago Blumenthal Conteúdo exclusivo para assinantes

Afrofuturalidades entre a realidade e a ficção: a Semana de Arte Moderna Negra de 1922

#40 Demolição Cultura

por Zaika dos Santos Conteúdo exclusivo para assinantes

Um baile de máscaras

#19 Unidade Arte

por Alberto Rocha Barros Conteúdo exclusivo para assinantes

Dulcinéia catadora: uma outra perspectiva daquilo que se nomeia lixo

Arte

por Paula Borghi Conteúdo exclusivo para assinantes

E se colocar na parede? Galeria Página é a primeira do país dedicada ao livro ilustrado

Literatura

por Revista Amarello

Editora convidada: Ligia Cortez

#23 Educação Editorial

por Ligia Cortez Conteúdo exclusivo para assinantes

Feira: um mergulho no Sertão

Editorial

por Tomás Biagi Carvalho

O balé fotográfico de Tony Camargo

#33 Infância Arte

Proust e a catedral da memória

#15 Tempo Cultura

por Eduardo Wolf Conteúdo exclusivo para assinantes

O gabião de Manuela Costalima

#20 Desejo Arte

por Manuela Costalima Conteúdo exclusivo para assinantes

Revista

Be dammed

por Carolina Caycedo

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Marcelo Pacheco e sua terra de referência: Picasso e Robert Motherwell

# Terra: Especial 10 anos Arte

Bastidores da estrada

#5 Transe Arte

por Charly Braun

Evolução

#1 Mudança Design

por Matheus Benetti Conteúdo exclusivo para assinantes

São Paulo Riviera (João)

#24 Pausa Cidades

por Kathleen Maccaul Conteúdo exclusivo para assinantes

Eu sou a minha própria embarcação

#37 Futuros Possíveis Cultura

por Luedji Luna

Ventos da Dior

#20 Desejo Design

por Lou Braga Conteúdo exclusivo para assinantes

Um cafezinho com Alberto Renault

Design

por Tomás Biagi Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

De negro banzo a negros sonhos

#49 Sonho Sociedade

por Pâmela Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Mariana Tassinari e sua herança visual

# Terra: Especial 10 anos Arte

por Mariana Tassinari

Estrangeiro de nós mesmos

#31 O Estrangeiro Cultura

por Jorge Caldeira

Kali Yuga

#17 Fé Cultura

por Thiago Blumenthal Conteúdo exclusivo para assinantes

Fotos de família de Gabriella Garcia

#36 O Masculino Arte

por Victor Gorgulho Conteúdo exclusivo para assinantes

#26Delírio TropicalCidades

Favelas: celeiros de empreendedorismo

por Joel Pinheiro da Fonseca

Casinhas feitas na pequena favela que se instalou no local, com madeira usada para fazer os pallets vendidos ao CEASA. Raramente se vê um carro parando para comprar uma casinha ali, mas os donos e os funcionários daquele empreendimento (moradores da favela) não se preocupam: a maior parte das vendas é feita pelo Facebook.

Esse caso, que tive a oportunidade de conhecer por conta própria, é apenas um dentre os milhões de exemplos de empreendedorismo nas favelas brasileiras, uma realidade por muito tempo escondida pelos preconceitos que a opinião letrada costuma nutrir sobre as classes sociais mais baixas.

Ou ajudamos os pobres, ou eles ficarão para sempre na miséria. As multidões que habitam as favelas são um problema social aguardando uma solução, e cabe a nós, privilegiados, oferecê-la aos coitadinhos. Essa é uma visão ainda muito comum; assim como é comum a mescla de boas intenções (querer ajudar o próximo) e condescendência (setores inteiros da população são incapazes) que expressa.

Na verdade, as favelas do Brasil (e do mundo) não são um problema social, mas, sim, uma solução, e uma solução bastante eficiente. São o resultado de um processo intenso de migração do campo para a cidade que, em uma geração, conseguiu mudar o patamar social da maioria dos que fizeram o movimento. E o empreendedorismo foi e é parte crucial desse processo.

O primeiro grande estudo realizado sobre as favelas do Brasil é o Data Favela, feito pelo Instituto Mercado Popular e publicado pela primeira vez em 2013, com uma segunda edição em 2015. Os dados da primeira edição estão sintetizados e interpretados no livro Um país chamado favela, de Celso Athayde e Renato Meirelles. Um estudo global sobre o fenômeno das favelas em diversos países pode ser encontrado no livro Cidade de chegada, de Doug Saunders.

A foto de uma favela é uma foto de pobreza; são pessoas com menos acesso a bens e serviços do que a média dos que moram fora da favela. Mas o filme, a história que se desenrola ali, é de ascensão social. Em vinte anos, a pirâmide social das favelas se inverteu: se antes eram maioria as classe D e E, hoje (dados de 2015) as favelas têm 61% de seus moradores na classe C e ainda 7% nas A e B. O observador atento já deve ter reparado como, ao longo das duas últimas décadas, a favela de barracos de madeira perdeu espaço para as casas de alvenaria, inicialmente sem reboco e, posteriormente, até com pintura exterior. A ascensão se verifica também no consumo: TVs de tela plana, motos e smartphones são itens comuns, ainda que muitas vezes emprestados para vizinhos.

Essa população tem a aspiração do empreendedorismo no sangue, com 40% dos moradores pretendendo abrir um negócio nos próximos dois anos. Cerca de 10% têm já um negócio próprio; se por vocação ou por necessidade, pouco importa. Numa economia em que nem sempre é fácil encontrar emprego, criar valor diretamente para clientes é uma solução preferencial.

Vemos nas favelas brasileiras muitas das características que marcam o Brasil: criatividade, capacidade de improviso, uso extenso de gambiarras e outras soluções informais e de baixo custo, e dedicação incansável para obter sucesso (não como fim em si mesmo). Nesse contexto, operam com uma grande diferença: o Estado não está presente de maneira eficaz, seja para prover os serviços básicos que esperaríamos dele, seja para regular, taxar e proibir o empreendedorismo com impostos e regulamentações.

Ao contrário da visão tradicional, a economia dentro das favelas brasileiras é muito rica, e os negócios são de todos os tipos: botecos e restaurantes (inclusive com festivais gastronômicos), salões de beleza, lojas de varejo, transportes (motos e vans), mercados, casas de shows, gráficas, oficinas etc. Em quase todos os casos, reina a informalidade. Laços de confiança permitem que o sistema continue a operar e a crescer.

O desejo humano de melhorar de vida jamais arrefece. Se o Estado não aparece para cuidar de algo essencial como saneamento básico em uma área urbana, a população não fica parada esperando uma solução chegar. Encanamentos informais — pelos quais se paga taxa —, venda de galões d’água e instalação de fossas sépticas — e limpeza periódica delas — são também negócios em muitas comunidades. No transporte é a mesma coisa: mototáxis e vans informais levam moradores e fazem entregas por morros íngremes. Em alguns casos, como o da Rocinha, a ausência de ruas formais fazia com que os Correios não entregassem correspondência na comunidade — a solução foi dada por empreendedores locais que, mapeando as vielas e cobrando uma taxa, passaram a fazer o serviço do qual o Estado abdicou. A garra do empreendedorismo supera a ineficiência do monopólio estatal.

O urbanismo não planejado, por fim, é outra lição que a favela tem para ensinar ao restante do Brasil. Com as edificações sempre muito próximas, cada casa ocupando novos espaços, subindo uma na outra, como numa selva baixa, valoriza-se o convívio e a troca. É muito comum morar na mesma vizinhança que a família, e a visita à casa de amigos bem como o empréstimo de bens (e até de cartão de crédito) são mais comuns lá do que no Brasil das habitações formais. Para o senso de ordem cartesiano e asséptico de alguns, o aparente caos urbanístico de uma favela pode parecer feio. Este crescimento orgânico e adaptável, contudo, é muito mais propício ao empreendedorismo do que conjuntos habitacionais frios e sem lugar para comércio e serviços.  

As favelas são máquinas bastante eficientes de ascensão social. Enfrentam, no entanto, muitos desafios para se integrar e continuar a se desenvolver. Saneamento básico, lei e ordem providas por um Estado de Direito — infelizmente, o Estado brasileiro fica muito aquém desse ideal quando se trata das favelas, ainda que seja preferível a suas alternativas: crime organizado e milícias —, simplificação regulatória e tributária para não matar a economia popular, regularização fundiária de muitas das propriedades que já existem de fato. As soluções, sejam quais forem, ainda que demandem (e certamente demandarão) investimento de fora, partirão de dentro, desde que haja a liberdade necessária para o crescimento continuar.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Amar e contar com o outro: aprendendo a construir vínculos

#46 Tempo Vivido Sociedade

por Lilian Junqueira Conteúdo exclusivo para assinantes

Suave também é a felicidade

Cultura

por Leticia Lima

A magia da multiplicação

#23 Educação Arte

por Marina Klink Conteúdo exclusivo para assinantes

Cidadão Instigado

#3 Medo Urbanismo

por Clévio Rabelo Conteúdo exclusivo para assinantes

Na capa: Manuela Costa Lima

#50 Família Artes Visuais

por Manuela Costalima Conteúdo exclusivo para assinantes

A Criança e os Reis

#33 Infância Arte

por Alvaro Seixas

O homem, um acidente geológico

#51 O Homem: Amarello 15 anos Cultura

por Ana Rüsche Conteúdo exclusivo para assinantes

O futuro dos museus está dentro de nossas casas

#29 Arquivo Cultura

por Guilherme Abud Conteúdo exclusivo para assinantes

Do que é feita uma democracia participativa?

Cultura

por Revista Amarello Conteúdo exclusivo para assinantes

ZHǓNBÈI XIÀNG ZHŌNGFĀNG SHĒNGHUÓ FĀNGSHÌ

#4 Colonialismo Cultura

por Antonio Biagi Conteúdo exclusivo para assinantes

Saudade favorita — let me just keep this memory

Literatura

por Helena Cunha Di Ciero

Pontes sobre abismos

#32 Travessia Arte

por Aline Motta

#26Delírio TropicalRevista

Breve história da corrupção dentro do Estado brasileiro

por Mary Del Priore

“Há alguma coisa de podre lá em cima…”
Tobias Barreto (1839-1889)

“No Brasil, o prestígio pessoal costumava prender-se antes à capacidade de acesso aos altos cargos públicos originada principalmente no grau de relação com os senhores da situação”
Sérgio Buarque de Holanda

Em data recente, o ex-tesoureiro do Partido dos Trabalhadores, Sr. João Vaccari Neto, introduziu no vocabulário da mídia um novo termo: “pixuleco”. Este designa “propina”, “dinheiro sujo” ou “dinheiro roubado” e foi usado para definir as quantias que foram distribuídas pelo sistema de corrupção que atingiu a Petrobrás. Com essa ou outras designações, a questão da corrupção no seio do Estado brasileiro e seus tentáculos, na forma de redes clientelistas ou nepotistas, atravessam nossa história. 

Vale lembrar que a preocupação com o assunto não é nova. Uma longa linhagem de intelectuais, empresários e juristas já se debruçou sobre o tema: de Tobias Barreto a Raimundo Faoro, de Manoel Bonfim a Sérgio Buarque de Holanda. Suas respostas? Com diferentes abordagens, todos investem num mesmo diagnóstico: parte substantiva dos problemas brasileiros reside nas enormes distâncias entre Estado e Sociedade. E, nesse vácuo, se multiplicam as oportunidades de corrupção. O próprio aparelho de Estado se contaminou com tal divisão. Depois de mais de um século de República Federativa do Brasil, as relações entre o poder central e as unidades da Federação resultaram em puro casuísmo. Por seu lado, estados procuram extrair do poder central concessões financeiras desmedidas, fazendo uso de sua liberdade de gestão para aprofundar uma gigantesca dívida fiscal. O governo federal retribui, editando medidas provisórias e remendos tributários e tratando o Orçamento como mera peça de ficção.

Em 1877, num notável discurso dito “em mangas de camisa”, Tobias Barreto comparava os brasileiros, povo e autoridades, a viajantes que se reuniam à noite numa “casa de rancho”, mas que, ao amanhecer, cada qual tomava seu caminho, sem probabilidade de se reencontrar. Em 1905, era a vez de Manoel Bonfim atribuir tal divórcio ao “parasitismo” estabelecido desde o início da colonização. No seu entender, o Estado só tinha um objetivo: garantir o máximo de tributos e extorsões. Quem não tinha outra função ativa, para além de explorar terras e escravos, tratava de “colocar-se”. E Bonfim arrematava, de forma cética: “Não há na sociedade da metrópole uma classe, um órgão, que não participe dessa vida parasitária a que se entregou a nação. Ela apresenta o todo perfeito de um organismo social preso a outro, sugando-o”. De um lado, o Estado vampiro e seus seguidores. E do outro, uma massa esgotada de explorados. Entre eles, mediando tudo, uma rede de “amigos do rei”. Em Casa Grande & Senzala, Gilberto Freyre ecoou as mesmas preocupações, lembrando que, em função do familismo político, o rei reinava na América, sem governar. E pior: faminto, o parasitismo econômico procurava estender, do reino às colônias, seus tentáculos absorventes. O grande pensador cunhou a expressão “privatismo senhorial”, para designar o sistema de poder pessoal face à debilidade das instituições estatais.

Oliveira Vianna, por sua vez, chamou atenção para outro caráter da colonização. Caráter que, em resposta às demandas do Estado e dos grupos que dele se beneficiavam, empurraria uma segunda camada, constituída por plebeus, lavradores, “homens honrados, mas de poucas posses”, para o interior. Segundo ele, essa gente ia se fixando obscura e silenciosamente, com seus gados e miúdos, nos campos e matos do hinterland. Era remediada, a princípio. Depois, se tornava abastada. E, engrossando patrimônios e fortunas, acabava por criar zonas de poder local e pessoal; zonas eficazes no comando da política e das terras, zonas capazes de ocupar o espaço de um Estado ausente e quase visto como antagonista e inimigo. Não teria esse o mesmo sentido do “colocar-se”, de que falava Bonfim? Ambas as atitudes traduzem a hostilidade em relação ao poder central e o esvaziamento das possíveis organizações políticas. 

Embora Sérgio Buarque de Holanda e Caio Prado Jr, entre 1936 e 1942, tenham se debruçado sobre a questão, apontando as fórmulas pelas quais o Estado ou quem o representa mantém seu domínio sobre as pessoas, o clássico sobre as relações entre Estado e Sociedade só veio mais tarde. Devemos essa reflexão à pena de Raymundo Faoro. Em Os Donos do Poder, publicado pela primeira vez em 1958, o autor gaúcho demonstrou como o país foi governado, desde sempre, por burocratas, fato que, segundo ele, agudizou os problemas estruturais. A instalação portuguesa e sua opção por criar um aparelho de Estado antes mesmo que uma sociedade tomasse forma tornou-nos uma “sociedade imperfeita”. Roberto da Matta foi mais longe ao sublinhar que somos uma sociedade bicéfala: uma parte de nós se enxerga como parte do Estado nacional, com instituições e regras escritas. Outra se vê como sociedade mestiça, desenvolvida marginalmente ou até mesmo contra o Estado – a atual situação de anomia das favelas/comunidades cariocas sendo, em meu entender, um retrato nítido do que previu o antropólogo.

Poderíamos, então, falar em mais de quinhentos anos de vácuo onde se multiplicam as oportunidades de corrupção? Sim. E tudo indica que as poucas e precárias relações entre a Sociedade e o Estado passavam e continuam a passar por uma musculosa rede de clientelismo. Clientelismo ou nepotismo que permitiu a uns adaptar-se e a outros tentar arduamente sobreviver. Nepotismo apoiado em desencontros, localismos e parasitismos. Exclusividade do Estado brasileiro? Não! Durante o Antigo Regime, as redes clientelares faziam parte da estrutura de poder das monarquias europeias, o funcionalismo público na estrutura do Estado significando, então, um “veículo de promoção social” — tema estudado pelo Conselheiro Arno Wehling. À época, reis e senhores tinham que cumprir uma agenda de obrigações paternalistas em relação aos seus súditos, que deveriam corresponder pelo amor e fidelidade pessoal ao serviço da Coroa. Serviço — sublinhe-se — feito de clientelismo e de serviços trocados entre amigos. Como consagrou o político Antonio Carlos Magalhães, já era “dando que se recebia”.

Inúmeros estudos demonstram que o localismo dos interesses, a hostilidade à administração central, a desafeição ao governo e a falta de patriotismo levaram a um cipoal de leis que procurou, desde sempre, encobrir a incompetência de nossos governantes e o proveito de seus protegidos. E que as poucas e precárias relações com o Estado sempre passaram por uma musculosa rede de nepotismo que operava a administração doméstica. Laços pessoais, laços capazes de prosperar no interior do aparelho de Estado se multiplicaram ao longo da história. E foram muitos e muito diversificados.

Comecemos pelos senhores de engenho, no período colonial. Considerados fidalgos, obedecidos e respeitados por muitos, estavam no ápice da hierarquia social, do controle da terra e dos que a trabalhavam — os escravos. No ambiente rural, onde a autoridade pública era fraca, ou mesmo inexistente, a grande propriedade se constituía em centro de poder e riqueza. Seu objetivo não era a racionalidade empresarial, mas a acumulação de escravos e terras, fatores de honraria e poder.

O historiador americano Stuart Schwartz, ao estudar a formação e as práticas das elites coloniais, foi pioneiro em mostrar que as ligações pessoais, os contatos de negócios e os laços familiares entre senhores de engenho e funcionários do governo foram, desde o início da implantação de latifúndios, contra o bom funcionamento da máquina administrativa. Sabe-se que os interesses desses grupos não encontravam apoio para se expressar dentro do sistema político imperial português. Suas petições e pedidos de auxílio esbarravam na inércia administrativa e política, sobrando-lhes atuar no sentido de conseguir, pela corrupção, influenciar a imposição ou não de determinadas leis. Os que tinham, pois, magistrados na família podiam suborná-los ou fraudar certas normas contando com o silêncio e o segredo que envolviam suas ações.

Na Colônia, sabia-se que o Tribunal da Relação era uma instituição corrupta. Mas, numa aparente contradição, os colonizados pulavam em sua defesa sempre que a Coroa agia contra os juízes que pareciam mais venais. Lógico: negócios e débitos de alguns magistrados os tornavam bastante vulneráveis às pressões financeiras. Segundo Schwartz, o “abrasileiramento da burocracia” por meio dos enlaces familiares entre os desembargadores e as elites comprova a mescla entre o exercício da alta magistratura e os interesses privados, não obstante os conflitos de praxe. Os casamentos endogâmicos dentro de um pequeno grupo de famílias permitiam que estas ocupassem postos camerários em rodízio, aumentando sensivelmente sua ação.

Por outro lado, ao longo do século XVII, senhores de engenho no Nordeste haviam ocupado os postos de comando nas Câmaras, e suas ações arbitrárias caíam sob as costas de arrendatários, meeiros e lavradores, interferindo na qualidade do julgamento e das ações que corriam no foro da Relação. Eis por que, quando não se curvava diante dos pedidos de um senhor de engenho mais irritadiço, um ouvidor provavelmente ouviria ser chamado de “galego sujo”, “cabroin” e “judeu”, insultos ilegais, porém correntes. 

A justiça que submetia tais senhores de engenho entre outros moradores da América portuguesa era “rapace”. A voracidade de meirinhos, escrivães e juízes prevaricadores era insaciável. A manipulação das alianças familiares para resolver os problemas domésticos era constante, uma vez que os juízes eram caudatários de ordens dadas por potentados locais ou enviadas diretamente da Corte. O autor de Diálogos das grandezas do Brasil, Ambrósio Fernandes Brandão, escrevendo no início do século XVII, observava que uma parte dos acertos já era resolvida internamente, e que litigantes costumavam “meter amigos e parentes de permeio” para consertá-los. Os desembargadores, quando parte do círculo de relações patrimonialistas, eram alvo constante de cartas onde se invocavam favores trocados, sem cerimônias.

As relações do senhor de engenho com o Estado beneficiavam-se da notória venalidade dos seus funcionários. A atitude destes em relação ao Brasil era imediatista. Removidos da Corte normalmente por causa de dificuldades financeiras, dirigiam-se à colônia americana para resolver tal problema no tempo mais exíguo possível. Acreditava-se que no ultramar se enriqueceria tão rapidamente que nem haveria necessidade de levar família; seria pouca a demora nas terras incultas e povoadas de bugres antropófagos. Assim, nada os prendia à América, a não ser o fato de aí estarem para completar determinado número de anos em serviço, ao cabo dos quais retornariam a Portugal, prestigiados e ricos.

O importante era manter-lhes “as mãos bem ocupadas”, como denunciava, em 1728, o padre e escritor Nuno Marques Pereira. Era, pois, sabido que funcionários públicos em todos os escalões preocupavam-se antes de tudo não com a coisa pública nem com o bem comum, mas com os interesses privados, com seu próprio bem. O que na prática significava amealhar recursos ou fortuna à custa do interesse coletivo. Os senhores de engenho alimentavam esta malfadada engrenagem, pois se encontravam sempre carentes de favores, necessitados de crédito ou de julgamentos propícios a causas perdidas. Expressões como “tanger paus” e “azeitar rodas com moedas” para “saltar barrancos que não eram pequenos” eram usadas na Bahia do final dos Setecentos para designar o jogo de reciprocidade entre as autoridades e os senhores de engenho, então em crise. A distribuição de “caixões de açúcar” entre funcionários do Estado era corrente — como demonstrei em Ritos da Vida privada no Brasil. Tais caixões eram usados como um “escudinho contra as inquietações que podem vir de justiças e inspetorias”, afirmava um deles, Luiz Paulino de Oliveira Pinto, em 1818.

Com o brutal declínio das exportações de açúcar frente à produção antilhana, sobrava aos descendentes dos poderosos e decadentes senhores de engenho buscar em ministros e funcionários públicos o apoio que lhes dava, outrora, a rede clientelista de que precisavam. Nesses cargos se encontraram, a partir do século XIX, as segundas e terceiras gerações da açucarocracia. A crise do preço do produto expulsou para a cidade “ioiôs” e “sinhozinhos” que se tornaram médicos, advogados e políticos, “afrancesados, urbanizados e policiados”, como mostrou Freyre. Político de renome, Joaquim Nabuco definiu este arrimo com frase exemplar: o Estado brasileiro era, afinal, “o grande asilo das fortunas desbaratadas”. Faltou prever: ali se fariam novas!

Outro universo em que o nepotismo era regra: o do abastecimento da sociedade colonial. Coube às Câmaras criar uma estrutura de controle e exercer uma política sobre a qualidade, o preço e a aferição de pesos e medidas e o fornecimento de produtos. O comércio de produtos essenciais à alimentação — sal, pescado e carne bovina — era a principal preocupação. As Câmaras também eram responsáveis pela abertura de lojas e vendas, além do cadastramento de comerciantes que quisessem atuar nos núcleos urbanos. Da oferta desses bens em quantidade e a preços razoáveis, dependia a “quietude dos povos”. 

Inicialmente afastados dos cargos municipais, os comerciantes setecentistas perceberam a importância destes e procuraram, na medida do possível, assumir o controle das funções camerárias. A ascensão dos homens de negócio aos cargos administrativos era essencial para que conseguissem vantagens e proteção, em contraste com os interesses mais gerais da população. Disso estava ciente o rei de Portugal, ao afirmar “que todos estes procedimentos destas Câmaras são em grande prejuízo do meu Real Serviço, porque, como querem levantar estes contratos em utilidades particulares, podem ser a causa de motins que sejam dificultosos de sossegar”.

Desses conflitos nasceu a necessidade de a Coroa efetivar um controle maior sobre os órgãos municipais, tendo sido o cargo de juiz de fora criado para este fim. Mas tais cuidados não bastaram. Contratos para a exploração do tráfico de escravos, da exploração do pau-brasil ou de pedras preciosas multiplicaram o casamento entre Estado e comércio. Não foram poucos os comerciantes de grosso trato — que tinham negócios envolvendo grandes somas de capital e operavam em vários lugares — que enriqueceram com os negócios coloniais e transitavam na Corte, conseguindo favores e cargos para seus agentes comerciais e parentes. São vários os exemplos da incorporação de ávidos comerciantes aos negócios do Reino, resultando em vantagens para os dois lados, notadamente quando se tratava de arrematação de contratos para compra e venda de escravos ou para cobrança de impostos nas capitanias. Ou ainda, como no caso da Companhia Geral do Comércio para o Estado do Brasil, contratos que associavam companhias estatais aos homens de negócio para importação e venda de sal, vinho, farinha, azeite e corte de pau-brasil ou até impostos sobre a passagem de rios caudalosos ou do capim ingerido por animais.

Os comerciantes estabeleciam uma série de vínculos estratégicos com o Estado, propiciando a expansão dos interesses metropolitanos na Colônia, sobretudo quando se tratava do controle do abastecimento e de endividamento de uma população crescente ou a cobrança de impostos sobre a atividade mercantil. E eles procuraram se organizar para defender seus interesses. No século XVII, foi criada a Mesa do Bem Comum dos Homens de Negócios, representando cinco corporações para atuar na defesa dos interesses e no auxílio mútuo dos mercadores.

Mais tarde, em 1808, quando da vinda da família real portuguesa ao Brasil, os “homens de grosso tratado ou de grossa ventura”, atuaram no sentido de “dar para receber”. Para ficar num exemplo: Elias Antonio Lopes, traficante de escravos, ofereceu sua residência, uma quinta na Boa Vista, ao Regente D. João VI: foi imediatamente agraciado comendador da Ordem Militar de Cristo e nomeado tabelião e escrivão da Vila de Parati. E em 1810, sagrado cavaleiro da Casa Real e agraciado alcaide-mor e senhor perpétuo do da Vila de São José del-Rei. Depois foi nomeado corretor e provedor da Casa de Seguros da Corte. Por fim, responsável pela arrecadação de impostos em várias localidades. 

Como bem demonstrou Jurandir Malerba, coube à diligente elite econômica fluminense socorrer os cofres públicos nas urgências, com a instalação e manutenção da máquina administrativa e da corte parasitária e faminta de distinção, que chegou com o Regente português, D. João. Muitos relatos atestam a presteza e boa vontade com que os locais receberam estrangeiros emprestando espontaneamente dinheiro e moradia. Não o fizeram por bondade, mas impelidos por uma mentalidade arcaica, própria do Antigo Regime. Os “grandes” que socorreram o rei buscavam e receberam distinção, honra, prestígio social em forma de nobilitações, títulos, privilégios, isenções, liberdades e franquias, mas igualmente favores com retorno material, como postos na administração e na arrematação de impostos. Elias Lopes não foi o único…

A categoria dos funcionários públicos coloniais é outra que colaborou para as relações siamesas entre Estado e Sociedade. Testemunhos de época sublinham seus aspectos negativos. Eles são descritos como ávidos por dinheiro e preocupando-se mais com seus interesses particulares do que com os do Estado. O Conde da Cunha, por exemplo, vice-rei no Rio de Janeiro, entre 1763 e 1767, pediu para retirar-se do cargo, pois não conseguia fazer frente à cumplicidade entre desembargadores e negociantes de grosso trato da cidade que eram notórios sonegadores de impostos. Com fina ironia, padre Vieira já se queixava, bem antes das demoras das decisões oficiais: “Não há palavra mais equívoca nem advérbio de mais duvidosa significação que o ‘logo’ em matéria de despachos… Há ‘logo’ de dois anos, de quatro, de dez e de toda a vida…”. 

A literatura dos séculos XVII e XVIII, em Portugal e no Brasil, deixa entrever um painel pessimista de despotismo e de enriquecimento ilícito. O texto anônimo intitulado Arte de Furtar demonstra que o ofício público tinha um número extenso de títulos arrogantes, prepotentes e concentrados em seus interesses pessoais. Seu autor dedica um capítulo aos “maiores ladrões que têm por ofício livrar-nos de outros ladrões”. Ou “dos que furtam com unhas disfarçadas”, “com unhas irremediáveis” ou “unhas apressadas”, “com unhas bentas ou unhas militares”, entre outros.

Tal mentalidade estava surpreendentemente disseminada entre os reinóis que se tinham estabelecido no Brasil. Em carta do Rio de Janeiro, de 27 de junho de 1814, Luis Paulino de França Garcez, senhor do Engenho de Aramaré, na Bahia, escrevia a seu sogro, José Cardoso Pinto de Madureira, em Penafiel, Portugal:

“Nessa terra, quem leva 80 mil cruzados vai fazer uma boa figura, e isso, em tendo emprego de ‘ministrice’ ou outro qualquer [emprego] de dependência ou negócios, pode ir lá brilhar [na Corte]. Vossa Senhoria e quase toda a gente daí [de Portugal] não fazem ideia do que é isto cá, para quem não é homem de não poder fazer ‘chupancinhas’.[…] Lá, [em Portugal] dá-se por coisa grande o valor de doze moedas. Aqui, por um insignificante favor se dá a um ministro 3 a 4 mil cruzados. A ‘chupancinha’ aqui é de tarifa!”

E o senhor de engenho concluía, desalentado: “Pobres povos que há tanto anos são esfolados e que, a não ser a riqueza natural de seu país, já não existiriam”.

E mais tarde, em carta de janeiro de 1826, ao “Amigo Menezes”, o patrono da Independência, José Bonifácio não se iludia com as realidades pós-emancipação, denunciando abertamente o “país enxovalhado a tal ponto! E por bandalhos do governo”! Ao criticar as nomeações excessivas e imerecidas de viscondes e barões, ele referia-se à Regência como a “Grã-Pata” acusada “de por tantos ovos”, na forma de “barões de marmelada” e “basbaques”!

Durante o século XIX, os funcionários públicos continuam a se apropriar do Estado. Quando havia recuo nesta posição, eles eram afastados. Veja-se o exemplo estudado por Antonio Candido, em seu Um funcionário da monarquia – ensaio sobre o Segundo Escalão. Sobre o biografado, Antonio Nicolau Tolentino, filho de lavradores que chegou a presidente da província do Rio de Janeiro em 1857, o autor diz: “ser funcionário público dependia de muita coisa. Dos favores, dos protetores, do parentesco e até da habilitação. Quando não havia família, nem padrinhos, nem dinheiro, nem diplomas – o que fazer? […] qual era a proporção do esforço pessoal e do mérito inicialmente desajudado, assim como da competência lentamente adquirida, numa sociedade de prebenda e mercê, onde no fundo trabalhar era feio, o funcionário parecia não trabalhar e frequentemente não trabalhava”. 

Na Alfândega, cercada de má fama, onde, aliás, teve início sua carreira, abusos, corrupção e irregularidades diversas proliferavam. Dirigentes do órgão eram responsáveis por redes de contrabando, que Tolentino tentou ingenuamente desbaratar. Os jornais de época apoiavam, invocando as “patifarias” que aí rolavam, na forma de desvio de cargas e roubos de carregamentos. Os notórios culpados nunca eram punidos. A ação saneadora que tentou Tolentino foi retribuída com uma demissão inesperada. Ele deveria ter seguido o dito do grande Talleyrand: “Surtout pas trop de zéle”. 

Depois de uma passagem pelo Banco do Brasil, mereceu uma indicação: a de governar a mais importante província do Império, o Rio de Janeiro. Mais uma vez, Tolentino assumiu com a ideia de reparar uma rotina defeituosa. Não quis se limitar a administrar, mas a promover reformas: no controle do ensino, na má conduta do clero, no absenteísmo do funcionalismo público. Mais: propôs uma “reforma do serviço público”, amparada em formação adequada e concursos de seleção. A ideia foi como um tiro no pé, pois o próprio sistema eleitoral dependia de um jogo de favores alimentado por empregos públicos, concessões, empreitadas, apadrinhamentos, etc. 

Num regulamento de 3 janeiro de 1858, ao coibir os afastamentos remunerados e as nomeações “por favor”, decretou o fim de sua carreira. Fragilizado e sem apoio dos deputados ou do imperador, D. Pedro II, Tolentino pediu demissão. Os jornais ecoaram o escândalo do funcionário modelo que tentou mudar o sistema. Mas tudo voltou a ser como antes no quartel de Abrantes. O burocrata não aderiu às malícias e conveniências do jogo político e os políticos, por sua vez, consideraram perigosa a sua tentativa de levar a reforma do serviço público adiante.

Já a polícia era alvo de manchetes da imprensa, nos finais do século XIX, início do XX. Violência, arbitrariedades, ações ilegais como roubos, furtos e espancamentos a te estupros eram características marcantes da ação policial nos grandes centros. É entre o advento da Abolição e da República que a Força Pública entra em cena como instrumento de contenção e controle de toda a vida social, vigiando e reprimindo desvios da ordem republicana e representando a faceta do Estado que mais lidava com o povo. A ideologia do trabalho industrial em voga, naquele momento, exigia um controle constante e um combate às figuras do “vadio” do ébrio e do mendigo, desclassificados sociais que colocavam em cheque a ética do trabalho. Além da nova praga: o anarquismo. A polícia representava a instituição através da qual se dava o contato mais frequente do Estado com as camadas mais baixas da população. Se o Estado e a sociedade sempre estiveram divorciados, no caso a relação entre eles assentava-se sobre a violência, a arbitrariedade e o autoritarismo do primeiro em relação ao segundo. A onda higienista que assolava as ideias de elite contava com o apoio dos aparelhos policiais.

A polícia contava ainda com “secretas”, agentes disfarçados a paisana, sempre em busca de vadios, jogadores, cafetões, passadores de moeda falsa ou “contos do vigário”. Mas o convívio com o submundo acabava por contaminar os policiais. Denúncias de embriaguez, insubordinação, desobediência, sedições, agressões e deserções eram comuns. Protegidos pela farda e o distintivo, os agentes da ordem envolviam-se com “casas de meretrizes”, “jogo do bicho”, enfim, tudo o que era considerado “vício moral”. Relatórios de Chefes de Polícia do início do século XX demonstram que o estelionato era uma forma de aumentar parcos salários. Aliás, estes eram dos mais baixos pagos ao funcionalismo público, superior apenas ao pago aos trabalhadores sem qualificação. Entre 1911 e 1912, por exemplo, um soldado ganhava menos do que um jardineiro ou um pedreiro.

Se, por um lado, ganhava-se pouco, procurava-se tirar o máximo proveito da posição de “autoridade policial”. Pelo temor que inspirava, o cargo tirava do distintivo o complemento necessário à sobrevivência. Jornais de época trazem denúncias de extorsões (o “mata-bicho”), de negociações de liberdade e soltura ou fuga de presos. Extorquindo cidadãos através da exploração de seus temores e cometendo crimes de variados tipos, os soldados refletiam a ineficácia ou, ainda, o desinteresse do Estado em organizar suas instituições, fosse pela incapacidade dos governantes, fosse simplesmente pelo fato de que a polícia representava o organismo que tinha como função proteger as elites das perigosas classes subalternas. As sessões livres dos jornais trazem centenas de denúncias contra maus policiais. Arguto observador da sociedade carioca, João do Rio tinha razão ao afirmar que o crime estava na própria organização da polícia.

Como se vê, em nossa história, as relações entre Estado e Sociedade sempre foram fortemente marcadas pelos laços pessoais; laços capazes de prosperar no interior de um Estado unitário, mas anônimo – um anonimato que facilita e, facilitou ao longo dos séculos, “pixulecos”, “ministrices” e “chupancinhas”. Por toda parte, o Estado procurou criar condições de controle de bens, de homens, de sua capacidade produtiva ou cultural, enquanto os cidadãos se motivavam contra os interesses imediatos do Estado – a partir de relações pessoais baseadas na família, em grupos de parentesco com interesses comuns, em núcleos profissionais ou políticos. O descompasso entre a massa da população e do Estado sempre foi o mesmo, onde quer que alcançasse o longo braço de El-Rei, as garras dos funcionários públicos e dos políticos, os dentes da polícia. Mais do que nunca, infelizmente, essa tradição está visível. 

E com essa tradição, o Brasil tem jeito? Neste texto, que nasceu sob o signo das fontes históricas e não de complexas arquiteturas teóricas, ouso responder com modéstia: depende de uma formidável mudança nas práticas e mentalidades que enforjam o Estado Brasileiro. O Brasil não é o único país onde tais práticas subsistem, mas cabe, sobretudo, à Sociedade conhecer melhor esta história e fazer a sua parte. 

Bibliografia:

Andrada e Silva, José Bonifácio, Carta a Antonio de Meneses Vasconcelos de Drummond criticando as nomeações excessivas e imerecidas de viscondes e barões, BNRJ, Sessão Manuscritos, Cartas Andradinas, n. 1307711.- 1826, loc.original 49,3,2, n.9. 

Anônimo, A arte de furtar, Lisboa, Editorial Estampa, 1978.

Araújo, Emanuel, Teatro dos Vícios, transgressão e transigência na sociedade urbana colonial, Rio de Janeiro, José Olympio, 1993. 

Barreto, Tobias, A questão do poder moderador e outros ensaios brasileiros, Coleção Dimensões do Brasil, Petrópolis, Vozes, 1977.

Brandão, Ambrósio Fernandes, Diálogos das Grandezas do Brasil”, (coleção Memória Literária), São Paulo, Melhoramentos,1977

Candido, Antonio, Um funcionário da Monarquia – Ensaio sobre o segundo escalão, Rio de Janeiro, Ouro sobre Azul, 2002.

Bonfim, Manoel, A América Latina – males de origem – Rio de Janeiro, Topbooks, 1993.

Del Priore, Mary, Org. Revisão do Paraíso – Os brasileiros e o Estado em 500 anos de História, Rio de Janeiro, Campus/Elsevier, 2000. 

Del Priore, Mary, “Ritos da Vida privada” in História da Vida Privada – cotidiano e vida privada na América Portuguesa, Dir. Fernando A. Novais, Org. Laura de Mello e Souza, São Paulo, Companhia das Letras, 1988. 

Ferreira, Oliveiras. S. Conferencia de encerramento de um seminário em sua homenagem e publicada em O Estado de São Paulo, a 11/04/99 Caderno A. P.11,

França, Antonio Pinto de e Cardoso, Antonio Monteiro, Cartas Luso-Brasileiras, São Paulo, Companhia Editora Nacional, 2008.

Freyre, Gilberto, Casa Grande & Senzala – Formação da família brasileira sob o regime patriarcal, 20.a. edição, Rio de Janeiro, José Olympio, INL-MEC, 1980. 

Hespanha, Antonio Manuel, Às vésperas do Leviatã – Instituições e poder político em Portugal, século XVIII, Lisboa, M. Botelho, 1986.

Hespanha, Antonio Manuel, Poder e Instituições do Antigo Regime, Guia de Estudos, Lisboa, Cosmos, 1992. 

Holanda, Sérgio Buarque, Raízes do Brasil, São Paulo, Companhia das Letras, 1997.

Malerba, Jurandir, A Corte no Exílio – civilização e poder às vésperas da Independência, São Paulo, Companhia das Letras, 2000.

Matta, Roberto da, A casa e a rua – espaço, cidadania, mulher e morte no Brasil, São Paulo, Brasiliense, 1985.

Mello, Evaldo Cabral de (org.). Essencial Joaquim Nabuco. São Paulo, Penguin Classics Companhia das Letras, 2010.

Nabuco, Joaquim, O abolicionismo, Brasília, Editora UNB, 2003.

Prado Jr., Caio, Holanda, São Paulo, Companhia das Letras 2011.

Santos, Marco Antonio Cabral dos, “Polícia: homens da lei na capital do café”, in Mary del Priore, Org. Revisão do Paraíso – Os brasileiros e o Estado em 500 anos de História, Rio de Janeiro, Campus/Elsevier, 2000, pp.277-300.

Schwartz, Stuart b. Burocracia e sociedade no Brasil colonial – O Tribunal Superior da Bahia e seus desembargadores,1609-1751, São Paulo, Companhia das Letras, 2011.

Wehling, Arno e Maria José, Formação do Brasil Colonial, Nova Fronteira, 2001.

Wehling, Arno e Maria José, “O funcionário colonial entre a sociedade e o rei”, in Mary del Priore, Org. Revisão do Paraíso – Os brasileiros e o Estado em 500 anos de História, Rio de Janeiro, Campus/Elsevier, 2000, pp.139-160.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Enciclopédia Negra

Arte

por Revista Amarello

Tran.se (s.m.)

#5 Transe Crônica

por Vanessa Agricola Conteúdo exclusivo para assinantes

o corpo radiante

#48 Erótica Cultura

por Bruno Cosentino

Amyr Klink: “Eu venho da África”

#32 Travessia Cultura

por Amyr Klink

Deba e a natureza cortante do desejo

Cinema

por Gustavo Freixeda Conteúdo exclusivo para assinantes

Café, água e bolacha por Bruna Albuquerque

#22 Duplo Amarello Visita

por mA.tO Conteúdo exclusivo para assinantes

Perdemos a mão

#24 Pausa Cultura

por Fábio Maca

Manifesto

#2 Nu Cultura

por Dea Biagi Conteúdo exclusivo para assinantes

Dois e dois são dois: MC Martina e Acauam Oliveira

#39 Yes, nós somos barrocos Arte

por Revista Amarello

Rebeldes sem casa

#40 Demolição Cultura

por Rafael Kasper Conteúdo exclusivo para assinantes

Oração para menino crescer

#51 O Homem: Amarello 15 anos Crônica

por Helena Cunha Di Ciero Conteúdo exclusivo para assinantes

A terra da terra

# Terra: Especial 10 anos Arte
#26Delírio TropicalRevista

Guaibimpará, depois Catarina

por Jorge Caldeira

Mulher tupinambá, mulher brasileira

Tupinambá, filha do chefe Taparica, criada e educada segundo essa condição em seu povo.

Cada uma das palavras da frase acima ganha sentido próprio quando analisada por padrões antropológicos — uma necessidade imperiosa para falar de quem não conhece a escrita.

“Tupinambá” indica o pertencimento a um grande grupo dos povos Tupi-Guarani, com seus traços gerais de organização. 

“Filha”, nessa cultura comum, quer dizer algo bem diferente daquilo que significa no Ocidente. Para os Tupi-Guarani há somente um genitor, o pai; a mãe é considerada apenas um veículo de geração da vida.

Sendo assim, “família” também tem outro significado. Apenas um exemplo revela o tamanho da diferença: filhos de uma irmã do pai não são sequer considerados parentes — e com eles uma filha mulher desse pai pode casar; já os filhos de um irmão dele são considerados irmãos dessa filha mulher — e o casamento, incestuoso. No modo ocidental de conceber família, seriam ambos primos.

“Chefe” também significa coisa própria: um cargo eletivo. Exceto no caso de guerra, ninguém lhe deve obediência. Sua grande função é unir pessoas conversando, seja dentro do grupo na aldeia, seja com os grupos ao redor.

“Criada” indica crescer numa casa com suas regras. Na hora de casar, o homem dos grupos Tupi-Guarani vai morar no local de residência da mulher. Assim, as pessoas fixas da casa são as mulheres. Na casa da menina Guaibimpará vivem, de forma permanente, sua avó materna, sua mãe, suas irmãs e suas eventuais sobrinhas — toda a linhagem feminina de parentes. Os homens do grupo são afins sem relação de sangue obrigatória entre si.

“Educada”, para uma mulher Tupi-Guarani, significa aprender, entre outras coisas, a viver com um marido vindo de fora, que possa enriquecer a vida do grupo de mulheres permanentes e homens passageiros. E “casamento” significa um ato de união consensual e temporária, que pode ser desfeito a qualquer momento.

A “condição” de filha de chefe impõe um aprendizado diplomático extra: ela, preferencialmente, é oferecida aos homens que, a julgamento do pai, permitam formar alianças para fortalecer o grupo. Em seu caso, o marido aceito é Diogo Álvares Correia, náufrago acolhido por volta da segunda década do século XVI.

O marido enriquece o grupo a partir de negócios com europeus. A troca mais comum é de produtos de ferro (os nativos desconheciam a metalurgia, e assim tais objetos tinham muito valor) por pau-brasil (abundante na terra, inexistente na Europa e por isso com alto valor para navegantes).

A escala dos negócios logo se torna maior que a capacidade de uma única aldeia suprir a demanda. O método de ampliação é o usual para os Tupi-Guarani: fazer aliança com aldeias próximas — sagrada por um casamento no qual uma filha do chefe aliado, como exceção da regra, é mandada para ser segunda mulher do fornecedor de bens. A poligamia não só é aceita como bem-vista nesse caso. Cabe à filha do chefe que faz novas alianças organizar diplomaticamente o convívio das novas mulheres de seu marido.

Os negócios progridem até o ponto em que Diogo Álvares Correia pode levar suas mulheres para conhecer a França, no navio comandado por Jacques Cartier (futuro descobridor do Canadá). Em Rouen, no dia 30 de julho de 1528, a mulher do comandante, Catherine des Granches, que é nobre, torna-se madrinha de batismo da visitante, registrada na certidão como Catarina do Brasil. Na volta da viagem ela adota uma nova denominação: Catarina Paraguaçu, esposa do marido apelidado Caramuru.

Catarina não conhece apenas uma nova cultura na Europa — tão distante de seu povo de origem como o Brasil dos europeus. Aprende a manejar os conceitos de família e negócios dos ocidentais.

Casa com Caramuru segundo o rito católico. Ganha os atributos culturais que os europeus davam ao ato: única mulher oficial, herdeira. Mas não esquece o sentido do casamento entre seus parentes: as alianças e negócios com eles continuam — o que sugere um marido agora com concubinas — e mostram sua força num momento delicado.

Em 1536 aparece na terra o português Francisco Pereira Coutinho, com uma carta do rei de Portugal que dizia ser ele o senhor de tudo que por ali houvesse. Reza a lenda que Taparica teria comandado a expulsão dele da terra. Mas tal lenda, que inocenta o casal no episódio, pode ter sido criada mais tarde.

Em 1548 o próprio rei D. João III mostra ter entendido quem mandava por ali — e se alia: pede a Caramuru apoio para instalar o governo-geral em sua área de domínio. O governador Tomé de Sousa vem instruído para fazer o possível pelo casal capaz de garantir o plano — e logo nobilita os filhos homens, tornando-os importantes pela lógica ocidental.

Mas o casal age também com outra lógica. Presta atenção nos casamentos das filhas mulheres, aquelas que trazem homens de fora e promovem a ampliação da casa, segundo o conceito Tupi. Todas se unem a maridos indicados pelo governador, o chefe representante de uma nova aliança.

Caramuru morre em 1557. Catarina herda dinheiro e poderes. Mulher rica e respeitada, sua capacidade de controlar a sociedade ao redor com a diplomacia aprendida de seu povo passa pelos negócios de seus genros e chega até a Igreja, que ajuda com o emprego de seu patrimônio no financiamento de obras sociais.

Morre em 1583 como figura central da já afluente sociedade baiana. Mas o grande empreendimento dessa mulher Tupinambá para chegar até esse lugar proeminente é atribuído por historiadores a méritos apenas ocidentais. Até que os modos de ser Tupinambá fossem estudados, apagou-se da história o papel essencial das mulheres nativas na construção de uma sociedade nova.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

O inventor do futuro

#27 Perspectivas Cultura

por Willian Silveira Conteúdo exclusivo para assinantes

Axel Vervoordt e o poder da imperfeição

Design

Eternidade Sangrenta

#7 O que é para sempre? Crônica

por Leticia Lima Conteúdo exclusivo para assinantes

Conversa Polivox: Josyara

#32 Travessia Arte

por Pérola Mathias

Na capa: Sergio Lucena

#43 Miragem Arte

Matricomunidades: a força ancestral e espiritual das mulheres negras, manutenção do legado do povo negro

#47 Futuro Ancestral Sociedade

por Sônia Ribeiro

Entretidos e distraídos: a cultura no tempo do excesso

Cultura

por Revista Amarello Conteúdo exclusivo para assinantes

A margem do rio

#45 Imaginação Radical Arte

por Beto Oliveira

Enjoy the silence

#24 Pausa Design

por Camila Yahn Conteúdo exclusivo para assinantes

Por uma vida mais ordinária

#13 Qual é o seu legado? Cultura

por Helena Cunha Di Ciero Conteúdo exclusivo para assinantes

Dois e dois são dois: Jorge Caldeira e Alexandre Villares

#29 Arquivo Cultura

Storytelling

#4 Colonialismo Arte

por Theo Firmo Conteúdo exclusivo para assinantes

#26Delírio TropicalRevista

Delírio em série

por Léo Coutinho

Minha primeira vez foi com House Of Cards e, mais recentemente, The Crown. Igual a tanta gente, gamei nas séries de TV do universo político, que trouxeram versões em variadas cidades pelo mundo. Entre as já citadas, situadas em Washington e Londres, peguei Marseille e Felizes Para Sempre?, em Brasília.

Pelo enredo, as histórias são antes sobre a humanidade do que sobre a política. Em outra série, Billions, ambientada no mercado financeiro contemporâneo, o personagem principal é essencialmente um Frank Underwood. E do mesmo jeito que rola no plano político, salvo pelo abandono do uso do final feliz, ninguém há de dizer que o ambiente social mudou desde a Antiguidade. Somos os mesmos desde Ben Hur.

Daí que o melhor de cada série é explorar a cultura local. As cidades são as pessoas, e o comportamento, aliado à vasta exploração dos cartões-postais, falam muito sobre elas. Nos quatro endereços, de bondades a atrocidades, tudo é permitido. O que muda é o modo de fazer.

Começando pela última, The Crown acontece principalmente em Londres, entre castelos, palácios, carruagens, catedrais, tudo sob o peso da Coroa. E naturalmente o elenco obedece à pressão dos séculos. Cada personagem tem consciência que sua condição de vida está submetida à História. E se por um lapso alguém se esquece, o interlocutor argumenta usando o entorno. Com sua conservação, nem a figura mais progressista ousa bulir.

Chegando ao continente, em Marseille, o efêmero é o senhor da razão. Como se todos estivessem ali a passeio, sem compromisso com o antes e o depois, decisões são tomadas com o mesmo espírito de quem não se lembra exatamente o que fez ontem, nem se importa com as consequências para o amanhã, num frenesi generalizado. Tocam a vida como turistas que se adaptam ao humor meteorológico ou a sorte na roleta.

No novo mundo, as cidades-palco têm algo forte em comum: funcionam em torno da corte federal. Washington e Brasília são capitais nacionais, mas ao contrário de Londres, Buenos Aires ou Tóquio, não são os destinos mais conhecidos dentro ou fora dos países, nem são os centros das demais atividades propulsoras, cultural, industrial, comercial e financeira. Com efeito, o sentimento da corte prevalece sobre o da sociedade.

Washington, segundo House of Cards, ainda que frívola, é solene. Vive em sintonia com seus monumentos, casarões históricos, ritos, protocolos e infinitos cemitérios de heróis. O palco principal das grandes decisões é o chamado Salão Oval, que esteticamente lembra a sala de chá de uma senhorinha viúva, com lareira, sofazinhos, almofadas com frufrus e bibelôs. É surpreendente que Kennedy e Clinton tenham aprontado tanto quando dizem por ali. Oremos para que o Donald Trump também seja contagiado e se comporte.

Já Brasília é o delírio tropical em concreto armado. Seja por seu traçado sem esquinas, imaginado para ninguém parar e menos ainda criar raízes. Felizes Para Sempre? é a única das quatro séries em que protagonismo é do lobista e da cortesã, não do governante.

Suprassumo da volúpia arquitetônica e centro do poder, o Palácio do Planalto é de uma sensualidade tamanha que se, por acaso, vazar um vídeo em Super-8 de uma festinha de embalo em pleno terceiro andar, onde fica o gabinete presidencial, com Dragões da Independência fazendo cócegas em freiras carmelitas sob o olhar aguçado do general Castello Branco num sarongue, bebendo ponche num coturno, ninguém poderá se surpreender.  

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Warazu: a visão do branco

#51 O Homem: Amarello 15 anos Cultura

por Kaká Werá Conteúdo exclusivo para assinantes

O nu em Lucian Freud

#2 Nu Arte

por Alessandra Modiano Conteúdo exclusivo para assinantes

O sal e a água

#42 Água Cultura

por Mia Couto Conteúdo exclusivo para assinantes

Você é estrangeiro?

#31 O Estrangeiro Crônica

por Freddy Bilyk

Políticas públicas: como são (ou deveriam ser) feitas

Cultura

por Revista Amarello Conteúdo exclusivo para assinantes

Amarello Visita: Luana Vitra em Pulmão da mina

#47 Futuro Ancestral Amarello Visita

por Gustavo Freixeda Conteúdo exclusivo para assinantes

O que é a liberdade na era das redes socias?

Cultura

por Revista Amarello

A case of you

Literatura

por Helena Cunha Di Ciero

Gustavo Nazareno: um “Laroyê!” para o mundo ver

#48 Erótica Artes Visuais

por Revista Amarello

Eu tenho medo de chuva: desastre natural ou racismo ambiental?

#42 Água Cultura

por Pâmela Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Até quando, Daniel?

#32 Travessia Crônica

por Vanessa Agricola

Antes do Feminismo: portfólio Berna Reale

#28 O Feminino Arte
#26Delírio TropicalRevista

O Espetáculo de Ana Mazzei

por Ana Mazzei

O espetáculo é um trabalho escultórico/instalativo que tem como ponto de partida objetos que se oferecem ao olhar do espectador.

A palavra “espetáculo” é um termo genérico que se aplica à parte visível de alguma representação e a outras atividades que envolvem a participação do público, mesmo que essa seja apenas associada ao ato de ver/assistir.

Os objetos e as esculturas são entendidos em relação ao corpo e apontam para cima e para uma espécie de questionamento de noções de orientação, posicionamento e organização que dirigem a maneira como nos relacionamos com o espaço. O trabalho foi todo elaborado e pensado a partir de croquis. Eu nunca havia feito algo tão grande em termos de dimensão e também de visibilidade, mas era muito claro para mim que participar de uma Bienal implicaria em ser visto; aos olhares, opiniões e posições… Foi pensando nessas coisas que quis fazer algo que se referisse ao olhar, aos percursos do ponto de vista tanto em seu sentido formal/estético como também no das escolhas de cada um, quero dizer, a gente escolhe o que olha…

Desde o início do projeto eu pensava na existência de um lugar para receber essas peças. Pensava isso tendo em vista o prédio da Bienal. Eu achava que, se deixasse as peças soltas no espaço, elas se perderiam e o olhar do espectador também. Foi assim que pensei a plataforma e a parede do fundo. O principal material utilizado é a madeira, por conta de suas características de cor, dureza e possibilidades de manuseio. Os tipos de madeira utilizados foram: cumaru, perobinha, itaúba e jatobá (todas certificadas).

Foi um trabalho desenvolvido a três mãos, eu e mais dois assistentes fizemos tudo dentro de um sistema assim: eu desenhava as peças (uma de cada vez), depois passava para o Gustavo, que olhava e dizia se a peça pararia em pé. Caso estivesse muito instável, a gente modificava um pouco. Na sequência, escolhíamos a madeira e fazíamos os cortes, depois passava pela lixa e, no final, eu fazia o acabamento que variava entre tinta, verniz, e óleo de linhaça.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

O pior mudo é o que não quer falar

#11 Silêncio Cultura

por Léo Coutinho Conteúdo exclusivo para assinantes

Erotizar é colorir

#48 Erótica Literatura

por Helena Cunha Di Ciero

São Paulo Riviera (Sofia)

#25 Espaço Cidades

por Kathleen Maccaul Conteúdo exclusivo para assinantes

Fagulha — Amarello 41

#41 Fagulha Editorial

Trégua

#36 O Masculino Cultura

por Gui Mohallem Conteúdo exclusivo para assinantes

Pênis

#36 O Masculino Cultura

por Veronica Stigger

Pagu

#2 Nu Cultura

por Roberta Ferraz Conteúdo exclusivo para assinantes

Dois e dois são dois: Suze Piza e Lindener Pareto

#43 Miragem Cultura

Dois e dois são dois: Tereza Artigas e Rubens Amatto

#25 Espaço Cultura

O país dos muitos hinos

#11 Silêncio Cultura

por Juliana Cunha Conteúdo exclusivo para assinantes

Brasil: amor e progresso

#13 Qual é o seu legado? Cultura

por Emmanuel Rengade Conteúdo exclusivo para assinantes

A interação com a terra: quando não sabemos mais pisar, cheirar e sentir

#47 Futuro Ancestral Cultura

por Luane Bento dos Santos Conteúdo exclusivo para assinantes

#26Delírio TropicalRevista

Labirinto sem mapa

por Débora Emm

Aeroporto de Guarulhos, voo às dez da noite para Sidney, na Austrália. Carla chega às 19h e faz check-in. Compra uma pizza e uma Coca-Cola na Pizza Hut antes de embarcar. Poltrona apertada. Começa o voo animada para assistir a um filme que ainda está no cinema. Comida de avião. Toma um vinho, dorme um pouco. Acorda, tenta ver um documentário que sempre quis ver, acha chato e desiste depois dos primeiros 20 minutos. Parte para uma sequência de capítulos de séries antigas e vários filmes de super-heróis. Vinte e quatro horas depois, Sidney. Táxi, hotel com check-in ainda bloqueado pelo horário. Carla sai pelas ruas do bairro em busca de algum restaurante para matar a fome e o tempo. Acaba no McDonald’s. 

Vencer o poder sedutor do conforto e do conhecido é difícil. Você pode viajar fisicamente para o outro lado do mundo e não sair do lugar. Talvez estejamos nos esquecendo disso quando nos separamos da tecnologia e a culpamos por nos prender em territórios conhecidos. Está na pauta do dia: algoritmos perversos estão nos privando de relações com a diversidade de ideias e pensamentos. Como vencê-los? Em tempos de crise, de golpe, de vigilância, de textões no Facebook, o tema ganha importância ímpar. Eli Pariser, autor americano do livro O filtro invisível,  já em 2011 nos alertava que a internet deveria ser uma ferramenta que nos conecta ao mundo, mas que, ao contrário disso, tem nos limitado somente a nossos iguais. Algoritmos nos alimentam apenas com o que queremos e não com o que precisamos. Nossas curtidas informam nossos desejos, mesmo contra nossas vontades (idealizadas). 

Até onde sabemos, tecnologias disponíveis na Terra ao longo da história foram criadas por seres humanos. Parece óbvio, mas é preciso dizê-lo: as tecnologias não são recursos alienígenas querendo nos controlar. Portanto, a discussão de seus usos e efeitos deve ser feita em torno de humanos, que vivem em sociedade, que produzem e reproduzem cultura. Hoje vivemos e somos parte do sistema capitalista. É esse sistema que organiza e rege nossas vidas. Produção, compra e venda de bens de consumo são pressupostos de nossas relações. O que nos cerca são produtos desenhados para nos fazer gastar dinheiro e, assim, fazer a roda girar. Com os algoritmos que filtram o mundo até que ele chegue em nossas telas de computador e celular não é diferente. Quanto mais “curtimos”, mais geramos audiência e mais valiosos tornamos nossos cliques. Dessa maneira, filtros são pensados para nos agradar e nos aproximar daquilo que queremos. 

Questionar a validade e a pertinência desses algoritmos é olhar para nós mesmos com uma desconcertante pergunta: será que eles não revelam um de nossos segredos mais íntimos, nosso lado mais privado, o da mediocridade, da preguiça, do vício no prazer e no conforto? Convivem em cada um de nós idealizações em choque com a nossa realidade. Somos seres sociais, que se desenvolvem enquanto sujeitos a partir das relações que estabelecem uns com os outros. Como teorizou Lev Vygotsky, pensador russo influente no universo da educação e da psicologia, “a natureza psíquica do homem vem a ser o conjunto de relações sociais transladadas ao interior e convertidas em funções da personalidade e em formas de sua estrutura”. Sabemos que o mundo é grande e que nele vivem 7 bilhões de oportunidades para nossa própria elaboração. Mas até que ponto nos movimentamos em busca do desfrute dessa grandiosidade?

Somos filhos da modernidade. De um tempo histórico marcado pelo ideal de liberdade. Em teoria, somos responsáveis pela condução de nossas vidas. Para isso, usamos nossas crenças e valores como mapas. No entanto, em contato com o diverso e o desconhecido, as linhas retas desaparecem em meio a rotas que nos confortam por já estarem pré-traçadas. Lidar com o diferente exige esforço. Repensar, debater, fazer novos desenhos: nada disso é fácil. Conversas de bar com aqueles que compartilham conosco os mesmos mapas é o equivalente a uma navegação em águas tranquilas. Assim como ver posts em nosso feed de notícias convidativos para nossos likes. Quando o Google esconde o que não nos interessa, quando o Facebook nos oferece um botão para “deixar de seguir”, eles estão apenas facilitando algo que é mais difícil de fazer ao vivo, mas não impossível: fugir do outro, do realmente outro! 

Crises são momentos de incertezas. Especialmente nesses momentos nos abraçamos ao que nos parece sólido e confiável. Reforçamos nossas crenças e nos fechamos para tudo que pode nos tirar de nosso oásis de segurança. Os opostos ficam mais claros, os unfollows mais frequentes. Se os veículos de massa já foram os grandes culpados pela diminuição do mundo, hoje os veículos digitais, com que nos relacionamos mais participativamente, compartilham a culpa por nos provocarem overdoses de conforto. E nós, que papel temos nesse processo? Mudamos de canal? Paramos com as faxinas de redes sociais? Ouvimos nossos amigos na mesa de bar? Terminamos de ler uma matéria com a qual não concordamos? 

Vivemos no Brasil imersos no mito da diversidade, acreditamos que amamos o diferente. Temos a mestiçagem como um dos traços mais marcantes de nossa cultura. Gilberto Freyre e sua tese de “democracia racial” foi um dos condutores da formulação de nossa atual autoimagem, nos levando à crença de que somos todos irmãos em terras tupiniquins. Porém, arcabouços tão profundos de pensamento parecem agora estar sob revisão. Nos últimos anos, a começar por 2013, emergiu a poeira que estava escondida debaixo do tapete: em um país com um dos piores índices de desigualdade social do mundo, essa pretensa irmandade não teria como ser verdadeira. O racismo, o machismo e o abismo entre pobres e ricos provocam, sim, separações enormes entre os 200 milhões que aqui vivem. A internet e seus meios descentralizados de distribuição de informações, de um lado, tem servido para que aqueles que não tinham voz agora tenham, para que possam narrar suas histórias e dores. Mas, por outro lado, na mesma internet, cada vez mais existem mecanismos para que contatos desagradáveis com a realidade continuem a ser evitados. Talvez essa seja mais uma demonstração de que o problema está em nós e que não seremos resgatados pelas tecnologias de salvação. 

Oswald de Andrade um dia proclamou: “só me interessa o que é do outro”. Em seu manifesto antropofágico, nos desafiou a comermos o outro para nos transformarmos a partir de quem devoramos. A criatividade, o poder de invenção e de evolução, que fazem da vida humana efervescente, dependem do esforço em busca da alteridade. Para isso, temos que trazer para a prática nossas idealizações de quem podemos ser: pessoas abertas e interessadas no diferente. Saber que suas curtidas alimentam algoritmos que vão jogar contra você nesse processo já é um primeiro passo. O segundo é parar de fazer cliques irresponsáveis. Diversificar pessoas, fontes, lugares, assuntos, livros e filmes, entendendo que o mundo físico e o virtual não se separam quando os assuntos são bolhas e polarizações. Para isso temos que criar espaço para desagrados, para uma vida em sociedade cada vez mais “chata” que não nos aceitará preguiçosos, presos em ilhas, quando existem tantas oportunidades para que possamos realmente explorar o que o mundo todo tem a nos oferecer. 

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Miragens do Brasil

#43 Miragem Cultura

por Jessé Souza

Flora

#11 Silêncio Artigo

por Nick Knight

Linguagem e euforia

#1 Mudança Crônica

por Yasmine Sterea Conteúdo exclusivo para assinantes

Portfólio: Denilson Baniwa

#37 Futuros Possíveis Artigo

Votos

#7 O que é para sempre? Crônica

por Carlos Andreazza Conteúdo exclusivo para assinantes

A família cabe na política?

#50 Família Sociedade

por Nicolau da Rocha Cavalcanti Conteúdo exclusivo para assinantes

Amarello 52 — Satisfação

#52 Satisfação Editorial

por Tomás Biagi Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Liberdade e o que dois tipos opostos de viajantes aprendem sobre ela ao visitarem a África

#12 Liberdade Cultura

por Bruno Pesca Conteúdo exclusivo para assinantes

Cenas de uma história mal contada

#4 Colonialismo Crônica

por Vanessa Agricola Conteúdo exclusivo para assinantes

Nume

#17 Fé Arte

Eu tenho medo de chuva: desastre natural ou racismo ambiental?

#42 Água Cultura

por Pâmela Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Vozes que tocam os pés

# Terra: Especial 10 anos Cultura

por Adriano Moraes Migliavacca

#22DuploCulturaLiteratura

Corpos são feitos para encaixar e depois morrer

por Bruno Cosentino

É frequente ouvirmos que todo homem tem um lado feminino e toda mulher tem um lado masculino. Afinal, temos todos uma origem comum. Mas que origem é essa? Os homens imaginam histórias na tentativa de explicar o mistério.

Um – No começo, o homem era macho e fêmea. A história do primeiro ser humano como um duplo faz parte do imaginário de diversas culturas. No Ocidente, nos chegou a partir de duas fontes principais: o mito do andrógino, que remonta à Grécia antiga, berço da nossa civilização, e o mito hebraico-cristão de Adão e Eva. No Banquete, de Platão, é contado que, a princípio, havia três espécies na Terra: o homem, a mulher e o andrógino. Este era uma espécie corajosa e forte de corpo, tinha duas cabeças, quatro braços, quatro pernas e dois órgãos de geração. Pretendeu fazer guerra aos deuses e, como castigo pela insolência, Zeus ordenou separá-lo em dois, “do mesmo modo que com um fio de cabelo se dividem os ovos para temperá-los com sal”. Há também vários indícios no Gênesis de que Adão, criado à imagem de Deus, reunia em estado psíquico elementos masculinos e femininos, segundo o princípio da harmonia universal do uno, que é composto de dois. Também era, portanto, um andrógino. A essa altura, possuía uma sexualidade em estado primário, acasalando-se com os animais (não por outro motivo os havia nomeado, pois o desejo por algo implica nomeá-lo). Também por isso surge a necessidade de diferenciação. Assim, no Jardim do Éden, não tendo Deus encontrado parceira a par de Adão, cria finalmente a mulher a partir de sua costela: “E disse o homem, esta desta vez osso de meus ossos e carne de minha carne; a esta chamarei mulher.”

Dois – Pois, entre o homem e a mulher, o desejo. Agora partes separadas, não cessavam de buscar a metade perdida. Quando se encontravam, lançavam-se aos braços um do outro até morrer de fome. Compadecido com a extinção da raça, Zeus transpôs os órgãos genitais para a frente, pois até então os andróginos concebiam e geravam sozinhos. Dessa forma, o homem e a mulher passaram a reproduzir. Adão e Eva ainda estavam no Paraíso. A serpente deu voltas em Eva e a fez comer o fruto da árvore do conhecimento. Disse: “Morrer não morrereis, pois sabe Deus que no dia em que dele comerdes se abrirão vossos olhos e serão como deuses”. A árvore era uma delícia para os olhos da mulher, e ela acabou por ceder à tentação. Também deu de comer ao homem. Abriram-se, então, os olhos dos dois e descobriram-se nus. A perda da inocência.

O retorno ao um – O homem e a mulher irradiam dos órgãos sexuais um magnetismo que, mais forte do que a razão, traz à superfície das convenções sociais a dimensão do interdito que está na origem da queda — foi por desobedecer aos deuses que os andróginos foram separados em dois, foi porque Adão e Eva comeram da árvore do conhecimento antes que comessem da árvore da vida e vivessem para o eterno-sempre, que acabaram expulsos do Paraíso. O homem desejou a imortalidade dos deuses e, como castigo, foi condenado à solidão. Nascemos e morremos sozinhos, e, entre nós, um abismo insondável. Mas o sentimento de finitude não nos é suportável; por isso, desejamos a fusão com o outro numa tentativa desesperada e inútil de retorno ao um originário. A nudez — a abertura dos corpos através de seus canais — perturba a ordem, instaura um estado de violência, descontrole e perda de si. Daí a metáfora do orgasmo como “la petite mort”, pois, para Georges Bataille, o desejo de fusão só pode encontrar sentido na morte: haveria um momento durante a reprodução em que o espermatozoide e o óvulo, enquanto seres no estado elementar de finitude, se uniriam para a formação de um novo ser a partir da extinção dos seres separados. Esse novo ser traria inscrito em si a marca da fusão mortal.

*

Até os dez primeiros dias de gestação, não há distinção entre o órgão genital masculino e feminino. A depender dos genes determinados no momento da concepção, o pênis e a vagina se desenvolvem pela presença ou ausência de andrógenos; a glande e o clitóris possuem estrutura equivalente. Fora da barriga da mãe, caídos nas horas, meninos e meninas deslumbrados continuarão a busca sem nexo do eterno um.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Memória e tecnologia: a música indígena contemporânea

#37 Futuros Possíveis Arte

por Renata Tupinambá

O que a inteligência das plantas nos diz sobre o futuro do mundo?

Cultura

por Revista Amarello Conteúdo exclusivo para assinantes

Um e três olhares

#33 Infância Arte

por Isabel de Castro

Panela velha

#16 Renascimento Cultura

por Hermés Galvão Conteúdo exclusivo para assinantes

Dois Cunha

#22 Duplo Cultura

por Léo Coutinho Conteúdo exclusivo para assinantes

De onde vem e para quem vai o dinheiro da cultura?

Cultura

por Revista Amarello

Satisfação: estamos em falta?

#52 Satisfação Cultura

por Viviana Venosa Conteúdo exclusivo para assinantes

Conversa Polivox: Juliana Perdigão

#33 Infância Arte

Amarello Visita: Alberto Pitta

#37 Futuros Possíveis Amarello Visita

por Gil Alves Conteúdo exclusivo para assinantes

Schrödinger

#51 O Homem: Amarello 15 anos Literatura

por Ananda Rubinstein Conteúdo exclusivo para assinantes

Mambucaba: onde mora o medo e a infância

#33 Infância Crônica

por Vanessa Agricola

Portfólio: Marcelo Gandhi

#12 Liberdade Arte

por Gabriel Brito Nunes

#22DuploCulturaLiteratura

Uma série de sonhos

por Thiago Blumenthal

Tenho tido uma série muito interessante de sonhos nos últimos cinco meses. De maneira recorrente, chego a uma mansão, após dirigir por quilômetros a fio por uma estrada que não consigo mais descrever (não sei dirigir na vida real), o que sempre se revela uma tarefa cansativa, onde encontro um determinado grupo de pessoas. Sempre as mesmas pessoas; sei seus nomes, reconheço suas feições, que se reproduzem com pequenas variações – o cabelo, o figurino, o humor. Gosto de todos, ou de quase todos.

Não são muitos os meus colegas. Em torno de vinte pessoas, entre jovens na idade colegial ou no começo da faculdade, e seus pais. A lembrança que tenho de uma jovem chamada Carol é muito vívida, mesmo em um estado de vigília muito tempo depois de o sonho ter terminado. No momento em que escrevo este relato, no entanto, não saberia apresentar Carol. Empobreceria sua figura e mentiria, inventaria outra Carol, que não é a da minha série de sonhos. Mas Carol é a pessoa com quem mais converso em meus sonhos; sobre Deus, sobre nossas existências, e sobre sexo. Não há nenhum episódio de sexo, algo que pode ter a ver com certa ambivalência que passei a adquirir ao longo dos sonhos nesta casa; há tensão sexual, mas nunca a sua concretização. Um vulcão que poderia estar em erupção, mas não. Está apenas corroendo-se por dentro, até ser transformado em pura lava sexual. Eu e Carol conversamos sobre isso. Quase sempre.

A mãe de Carol nega a existência de Deus, e é ela quem parece organizar esses encontros todos. Ela me lembra um pouco Jackie Kennedy. Há algo um pouco satânico em seus modos, sua postura, na maneira com que guia os nossos encontros. Como uma Minnie Castevet mais nova, com o discreto charme de uma burguesia corroída pelo tédio do dinheiro. A mãe de Carol se chama Marta. Sou bom com nomes, dificilmente esqueço algum. Mas por que essas pessoas têm nomes neste sonho? E de onde vem esse niilismo quase satanista de toda essa gente? Há um quadro de dois japoneses homens em uma das salas, de mãos dadas, em uma representação clássica do misticismo pós-Crowley, que me lembro de ter visto na sede da Igreja de Satã, em Los Angeles.

Gosto de todas essas pessoas, mas me assusta, como hoje me assustou em especial, a recorrência dos sonhos. Sonhos recorrentes estão previstos em todas as cartilhas de psicanálise que conheço, mas há certos níveis, e creio que minha série tem um lado obscuro e inexplicável. Não há psicologia ou teologia que os explique. Não sei até quando os terei, não sei até quando continuarei vendo essas pessoas. Ou se em algum momento esbarrarei com Carol, com Marta, com Max, no metrô de São Paulo, e então trocaremos um olhar de reconhecimento, pavor e descolamento social.

Na literatura, a imagem do duplo é vasta. Desde os exemplos mais rasos, como o doutor Jekyll e o senhor Hyde, passando por William Wilson, de Edgar Allan Poe, às bolinhas saltitantes do senhor Blumfeld, o solteirão de meia-idade de Kafka, isto para não citar o próprio inseto alvejado pela família da metamorfose kafkiana. Se é ou não uma necessidade, ou uma estratégia de escape para encontrarmo-nos com um outro, a literatura, e todas as suas variações, soube explorar esse mistério profundo de nossa psicologia. Os duplos de Fernando Pessoa, Fernando Pessoa como Fernando Pessoa, ele mesmo um dos muitos heterônimos, o desgarre da personalidade via memória, encontrando-se em um outro que não é mais o mesmo, mas também é um mesmo do passado avariado pelas sutilezas escorregadias da memória. Proust, seu narrador que é uma tentativa de redescobrir-se no passado. Poder conquistar os territórios e os mapas do passado neste duplo e, assim, conquistar-se a si mesmo e seus amores.

A figura do leitor sempre é uma chave. Melhor dizendo, para encontrarmos o nosso duplo, precisamos de um interlocutor externo que nos perceba como um outro, como esse ser duplicado. Sem a chancela de um outro, não nos desdobramos. Isso tudo parece óbvio para a psicanálise, para a literatura, mas, para a nossa vida real, esta que é passada em atravessar ruas, esperar semáforos, marcar encontros, tudo isso passa despercebido para o nosso olhar. Tudo é uma longa sequência de nadas e de aniquilamentos diários de nossas memórias. É preciso estar atento.

Quem sou eu nesses sonhos? Seria um duplo de mim mesmo, Thiago Blumenthal, ou seria um personagem criado por mim e desdobrado em imagens oníricas que eu mesmo estou criando inconscientemente, como um acúmulo organizado demais de imagens do passado, de pessoas que já de fato conheci? Ou nunca as conheci mesmo, e elas são recriações ficcionais e fantasmagóricas de outras pessoas da minha vida, minha amiga da rua Polônia, meus amigos que já morreram, a parte de mim que tantas vezes já morreu e reviveu em um ciclo de sofrimento que amiúde se reflete em um piscar de olhos? Será que aquele é o Thiago que teria morrido se eu tivesse tido a coragem de engolir aquele cianeto em Nova York? O mesmo com o qual se matou Adolf Hitler em seu bunker? O mesmo com o qual se matou um antigo amigo de meu pai, o senhor Lowenstein? Sou eu depois da vida, depois da morte. São delírios de um subconsciente que já se descontrolou através dos tempos. São apenas o reflexo das experiências cotidianas, de seus desejos, de suas paisagens, de todos os rostos e de todos os beijos.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

A Criança e os Reis

#33 Infância Arte

por Alvaro Seixas

A importância do Rio São Francisco

#37 Futuros Possíveis Cultura

por Ingrede Alves Dantas

Conversa Polivox: Juliana Perdigão

#33 Infância Arte

Terra originária: expressão e simbolismo

# Terra: Especial 10 anos Cultura

por Rodrigo de Lemos

Proust e a catedral da memória

#15 Tempo Cultura

por Eduardo Wolf Conteúdo exclusivo para assinantes

Para tudo

#16 Renascimento Cultura

por Vanessa Agricola Conteúdo exclusivo para assinantes

São Paulo Riviera (João)

#24 Pausa Cidades

por Kathleen Maccaul Conteúdo exclusivo para assinantes

Editora convidada: Ligia Cortez

#23 Educação Editorial

por Ligia Cortez Conteúdo exclusivo para assinantes

Brasil: amor e progresso

#13 Qual é o seu legado? Cultura

por Emmanuel Rengade Conteúdo exclusivo para assinantes

o pacto

#51 O Homem: Amarello 15 anos Literatura

por Roberta Ferraz Conteúdo exclusivo para assinantes

Uma pureza displicente

#16 Renascimento Cultura

por Eduardo Andrade de Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Jazz, colonialismo e as partituras do poder

Cinema

por Revista Amarello Conteúdo exclusivo para assinantes

#22DuploArteArtes Visuais

Visto de longe

Durante uma residência artística em Altos de Chavón, uma escola de artes localizada em um falso vilarejo mediterrâneo na República Dominicana, conduzimos um experimento de visão remota, ou seja, de telepatia.

A visão remota é o processo de ver ou sentir uma localização distante com a mente. O termo foi criado nos anos setenta por pesquisadores no Stanford Research Institute, que conduziram muitos experimentos supostamente bem-sucedidos. Embora alegações de visões telepáticas bem-sucedidas possam ser traçadas aos tempos antigos, os estudos científicos acerca do assunto só começaram a existir em séculos mais recentes. Durante a Guerra Fria, diversas universidades, governos e corporações competiam para avançar na pesquisa e encontrar alternativas para os métodos de espionagem tradicional. Um dos muitos projetos apoiados por corporações e pelo governo foi o Projeto Stargate, do Pentágono americano, que refinou e aplicou durante vinte anos as técnicas de visão remota desenvolvidas em Stanford.

Céticos afirmam que muitos dos experimentos são falhos, ou que os resultados são estatisticamente insignificantes. Como a ideia de visão remota contradiz os modelos científicos correntes e se mostra difícil de quantificar, eles acreditam que tal pesquisa não passa de perda de tempo e dinheiro.

Nós mantivemos vinte sessões de visão remota (uma das sessões teve de ser descartada por conta de um erro de cronometragem). Cada sessão durou cinco minutos. Um de nós (o farol) estava em uma localização tentando “enviar” mentalmente sugestões visuais para a outra pessoa (o espectador), que estava fora do seu campo de visão, em um quarto pré-selecionado. O farol era o único que sabia da localização exata e, para fins de verificação, tirou uma foto dela enquanto o espectador tentava visualizar e reproduzir alguma impressão relevante no papel. A gente se revezou no papel de farol e espectador (sempre no mesmo quarto pré-selecionado), e o círculo com a flecha indica o local, a linha de visão do farol e a direção em que a foto foi tirada.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

Bicho-papão

#7 O que é para sempre? Crônica

por Léo Coutinho Conteúdo exclusivo para assinantes

Sobre sereias & águas

#42 Água Cultura

por Patrícia Furtado

Conversa com David Baker

#15 Tempo Cultura

por Eduardo Andrade de Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Cosmologias bucoanais: narrativas nanopolíticas

#48 Erótica Cultura

por Felipe Ribeiro

A Temperança

#35 Presente Arte

por Mavi Veloso

O que significa consciência de classe no Brasil?

Cultura

por Revista Amarello Conteúdo exclusivo para assinantes

A beleza que nos faltava

#14 Beleza Cultura

por Eduardo Wolf Conteúdo exclusivo para assinantes

Explosão ou O útero do mundo ou Caverna ancestral

# Terra: Especial 10 anos Arte

Labirinto sem mapa

#26 Delírio Tropical Revista

por Débora Emm Conteúdo exclusivo para assinantes

Aquilombamentos artísticos na diáspora brasileira

#43 Miragem Arte

por Thayná Trindade Conteúdo exclusivo para assinantes

As lições mais importantes da vida

#23 Educação Cultura

por Eduardo Andrade de Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

A moda como a radicalidade da identidade

#36 O Masculino Arte

por Bianca Coutinho Dias

#22DuploCulturaLiteratura

Sobre ping-pong, Poussin, geleiras, etc.

por Eduardo Andrade de Carvalho

Talvez com uma exceção, não existe nenhuma atividade mais agradável que duas pessoas possam fazer juntas do que conversar. E conversar inutilmente. Assim como jogar ping-pong, contemplar um Poussin ou passar alguns dias andando pela península Kenai, no Alasca, os maiores prazeres da vida são – e também provavelmente com a mesma exceção – inúteis.

A conversa obrigatória entre duas pessoas, a comunicação útil, necessária, que a vida urbana exige, pode muitas vezes não ser desagradável – mas é outro tipo de conversa. Prática, objetiva, ela geralmente precisa resolver um problema, chegar a uma solução: do balcão de uma lanchonete em que pedimos um misto-quente a um debate acadêmico sobre Mallarmé, são comunicações em busca de um acordo. E, portanto, elas não podem ser suficientemente soltas para variar sem compromisso entre assuntos como a técnica de saque mais eficiente em ping-pong, as cores em Poussin ou as opções de cabine para dormir entre glaciares em Kenai. A conversa mais agradável não está em busca de um acordo.

E, por isso – porque não está presa em um tema e não tem um objetivo –, o único compromisso dessa conversa informal é com ela mesma: quer dizer, com o prazer que ela pode oferecer aos seus interlocutores. Aristóteles incluiu seus comentários sobre as qualidades da conversação na Ética a Nicômaco, no livro dedicado às virtudes morais, e compara três disposições de espírito possíveis numa conversa: o do bufão, que quer fazer piada a todo custo e em todos os momentos, e acaba ridículo e cansativo; o espírito equilibrado da pessoa inteligente, sensível, que fala e ouve nas horas adequadas, que é a postura recomendada; e, por último, reserva poucas linhas para o bárbaro, duro, excessivamente sério: “que é inútil a qualquer tipo de convívio social porque ele não contribuiu em nada e se ofende com tudo, enquanto o relaxamento e a diversão parecem ser parte necessária da nossa vida”.

É isso que Giovanni della Casa também adverte em seu tratado sobre costumes, Galateo, de 1558 (publicado no Brasil pela Martins Fontes): que, “se os pecados graves prejudicam mais, os leves aborrecem mais, ou aborrecem ao menos com maior frequência”. E conclui que “as pessoas odeiam tanto ou mais os homens desagradáveis ou aborrecidos do que os maldosos”. Em seus conselhos de modos a evitar numa conversa, aliás, aparentemente alguns defeitos das pessoas com quem della Casa convivia eram os mesmos com os quais esbarramos hoje, descontada a tecnologia: “igualmente fazem mal aqueles que, de tempos em tempos, tiram uma carta do bolso e a leem”. Porque a conversa ideal pode (deve, na verdade) ser leve, solta, quase distraída – mas totalmente distraída ela não existe.

Porque “é necessário observar tudo o que se passa no coração e no espírito das pessoas com quem se conversa”, como sugeriu Antoine Gombaud, em 1667, em seu Discurso sobre a conversação (também publicado pela Martins Fontes na antologia A arte de conversar – Morellet e outros, organizada por Alcir Pécora). Gombaud recomenda que a conversa se inspire na forma como elas devem acontecer nos céus: “pura, livre, honesta, e no mais das vezes jovial”. Isso inclui evitar, continua, tudo que seja sombrio e triste, mas também “o riso excessivo não lhe assenta bem” – a piada mecânica e o desespero por agradar são tão condenáveis quanto o tédio e a aspereza. E não se deve esquecer nunca de preferir “a simplicidade do que a perfeição das coisas”. Porque não existe a conversa perfeita – e é o esforço em persegui-la, em discursos calculados e pedantes, que forma tipos como o do Conselheiro Acácio.

Às vezes – até normalmente, na verdade –, é mais fácil aprender com os defeitos do que com as virtudes das coisas que observamos. É mais fácil reconhecer o que evitar do que exatamente o que ou como alguma coisa deve ser feita. Provavelmente por isso Johnathan Swift, quando escreveu Hints Towards an Essay on Conversation, em 1713, não listou as qualidades que a conversa ideal exige, mas os erros que comprometem esse prazer “tão útil e inocente”: como, além da distração e do pedantismo, os defeitos de falar demais, se dar muita importância, excluir mulheres, interromper os outros e o da eloquência (“grandes oradores raramente são agradáveis numa conversa privada”).

“Eu preferiria que meu filho aprendesse a falar nas tavernas do que nas escolas de eloquência”, escreveu Montaigne, que tinha horror a formalismos, jargões, pompas e todos os vícios que afastam ou disfarçam o que se fala do que se está sendo dito realmente: “fora dessa comédia, eles (acadêmicos pedantes) nada fazem que não seja comum e vulgar”. Na abertura do seu ensaio sobre o assunto, Da arte de conversar, de 1587, Montaigne diz que, “sendo pouco ensinado pelos bons exemplos, sirvo-me dos maus, cuja aula é habitual”. Mas, com seus Ensaios, talvez ele tenha inaugurado um estilo literário muito parecido com a conversa perfeita, e oferecido, em outra passagem, uma pista do tipo de conversa que acontece nos céus: “O mundo não é mais do que uma escola de busca. Ganha não quem transpassar mas sim quem fizer as corridas mais belas”.

E a corrida mais bela inclui, imagino, uma partida de ping-pong, um quadro de Poussin e uma passagem pelo Alasca – acompanhados, de preferência, pelas duas coisas mais agradáveis que duas pessoas possam fazer em dupla.

Compartilhar
  • Twitter
  • Facebook
  • WhatsApp

Conteúdo relacionado


Sonhos não envelhecem

#49 Sonho Cultura

por Luciana Branco Conteúdo exclusivo para assinantes

O esquecimento do velho

#27 Perspectivas Cultura

por Vanessa Agricola Conteúdo exclusivo para assinantes

Uma cesta com coisas da minha horta e a cartilha do MST

#35 Presente Cultura

por Adelaide Ivánova

Nem todo “Índio” é Tupi ou Tapuia

#51 O Homem: Amarello 15 anos Cultura

por Yaguarê Yamã Conteúdo exclusivo para assinantes

Silêncio! Silêncio, por favor, silêncio!

#11 Silêncio Cultura

por Caito Ortiz Conteúdo exclusivo para assinantes

Warazu: a visão do branco

#51 O Homem: Amarello 15 anos Cultura

por Kaká Werá Conteúdo exclusivo para assinantes

Portfólio: Sandra Cinto

#9 Obsessão Arte

por Jorge Emanuel Espinho

Nove expoentes da cultura indígena que você tem que conhecer

#37 Futuros Possíveis Cultura

por Gean Ramos

Café, água e bolacha: Marcelo Jeneci

#18 Romance Amarello Visita

por Tomás Biagi Carvalho Conteúdo exclusivo para assinantes

Um espacinho para o humor

#25 Espaço Cultura

por Rica Bennozati Conteúdo exclusivo para assinantes

Trégua

#36 O Masculino Cultura

por Gui Mohallem Conteúdo exclusivo para assinantes

Mancha ou alguma hora a gente precisa usar short

Cultura

por Marina Lattuca

Brutalismo: a arquitetura para além do filme

Arquitetura

por Revista Amarello Conteúdo exclusivo para assinantes

Navegação por posts

Publicações mais antigas
Publicações mais novas
  • Loja
  • Assine
  • Encontre

O Amarello é um coletivo que acredita no poder e na capacidade de transformação individual do ser humano. Um coletivo criativo, uma ferramenta que provoca reflexão através das artes, da beleza, do design, da filosofia e da arquitetura.

  • Facebook
  • Vimeo
  • Instagram
  • Cultura
    • Educação
    • Filosofia
    • Literatura
      • Crônicas
    • Sociedade
  • Design
    • Arquitetura
    • Estilo
    • Interiores
    • Mobiliário/objetos
  • Revista
  • Amarello Visita

Usamos cookies para oferecer a você a melhor experiência em nosso site.

Você pode saber mais sobre quais cookies estamos usando ou desativá-los em .

Powered by  GDPR Cookie Compliance
Visão geral da privacidade

Este site utiliza cookies para que possamos lhe proporcionar a melhor experiência de usuário possível. As informações dos cookies são armazenadas em seu navegador e executam funções como reconhecê-lo quando você retorna ao nosso site e ajudar nossa equipe a entender quais seções do site você considera mais interessantes e úteis.

Cookies estritamente necessários

O cookie estritamente necessário deve estar sempre ativado para que possamos salvar suas preferências de configuração de cookies.

Se desativar este cookie, não poderemos guardar as suas preferências. Isto significa que sempre que visitar este website terá de ativar ou desativar novamente os cookies.