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A flecha artística de Aislan me atingiu em meados de 2021, pelo Instagram: impactado com a produção incansável e inédita desse jovem artista, entrei em contato: “Olá, boa tarde, tudo bem? Sou curador e gostaria de conhecer mais sobre seu trabalho.” A partir daí, seguiram-se incontáveis mensagens, uma conversa por videochamada e um convite que fiz para o então estudante de medicina da Universidade de Brasília (UnB), prestes a se formar: fazer parte da residência artística que eu estava organizando no Kaaysá, na Praia de Boiçucanga, em São Paulo. Dez dias depois, lá estava Aislan. Dada sua habilidade pictórica, em desenho sobre kraft, transposta à tela pela primeira vez, o então médico se formou artista, e com ele aprendi inúmeras relações entre ciências biomédicas e arte, entre universos ínfimos e a visualidade de suas obras, eivada pelos padrões e ritmos das células e moléculas — algo que, para o homem branco, geralmente são apenas elementos constitutivos da matéria observados pelo microscópio, mas que, para Aislan, são representações da sua maior ancestralidade. Isso sem falar em propriedades curativas, atribuídas por ele tanto à medicina como à arte. Rebelde e contestador, Aislan soube trilhar seu caminho com autonomia e liberdade, e digo isso como quem o viu “saindo do ovo da cobra”, como ele mesmo afirma. Hoje ele é representado pela Galatea Galeria, onde realizou sua primeira mostra individual, em novembro de 2023, com curadoria de Lisette Lagnado. O artista de 33 anos também tem um trabalho que integra a mostra Histórias indígenas, no Museu de Arte de São Paulo, o Masp.

Todo esse enorme preâmbulo para falar do que importa: a produção de Aislan. Por sorte, já tomei ayuahuasca algumas vezes (uma delas com um maldito xamã Hanilkui, deixa ele), mas digo isso porque a aproximação com a ayuahuasca me parece fundamental pra entender a onda de fractais inexplicáveis em movimento orgânico, contíguo, infinito. E como pessoa branca, distanciada dessa realidade, uspiano de formação eurocêntrica, olho com deslumbre para essa força pulsante calcada na planta e na organicidade celular. Num tempo cada vez mais dissonante, com pandemias que parecem só começar, degelo de calotas polares, enfim, o caos, ter contato com uma produção artística que problematiza o conhecido a partir do elemento celular mais elementar e do encantamento provocado por ele me parece um vislumbramento instigante e necessário — quase da ordem da “miração”. Daí a força de Aislan, que, com cosmovisão, transforma tempos, movimentos e traços — e pontos (ele é obcecado por bolinhas). Eis que o médico-artista-curandeiro nos receita uma medicina que pode causar rebuliço. Incontrolável. E se soma a isso seu questionamento quanto a uma visão indígena exclusivamente amazônica, dado que ele vem e fala da caatinga. Tudo isso nos faz rever de onde falamos e também indagar sobre a multiplicidade de visões e cosmogonias presentes apenas no território chamado Brasil.

Com isso, torna-se urgente dizer: nada de se ater à beleza por si. O belo no trabalho de Aislan convida à luta — resta encontrar qual luta transformadora é essa. Assim como ele descobre o mundo através do fazer, primeiro pintando em posca sobre papel kraft, agora em telas de linho, em couro, bordado em voal ou ainda em escultura. Isso deixa claro que o suporte não realiza, só informa, mas o problema que ele alcança segue se mostrando inalcançável, e a elaboração sobre o fazer segue sendo a posteriori, dada a urgência de realizar e de se apresentar. O que ele alcança, porém, segue, de certa forma, inalcançável, porque é mistério é dessa ordem micro-macrocósmica ligada ao funcionamento de tudo. Mesmo para Aislan, a elaboração sobre o que faz parece ser a posteriori, dada a urgência daquilo que pressente e manifesta.

Alheio a rótulos, livre e contundente, Aislan nos apresenta, por meio de seus trabalhos, um cosmo complexo, muito mais ligado ao sentir do que à racionalização. Entretanto, se trata de um sentir conectado a algo imenso. Aislan apresenta em seu trabalho um tipo de junção de firmamentos, conhecimentos, sensações — algo que para nós tem também o efeito de um universo de perguntas em aberto.

Essa falta de resposta em sua produção, uma progressiva elipse, paradoxalmente produz conexões inesperadas em todos os suportes e as técnicas que utiliza. Esse paradoxo de seu trabalho, esse inesperado, esses delicados momentos de espanto que nos oferece e que talvez ele próprio não entende completamente são a impressionante e crescente força de sua produção: a força de um mistério.

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Da Baixada Fluminense para o mundo, Gabriel Massan conquistou um espaço que parecia não lhe pertencer. Quando pequeno, ninguém lhe disse que havia vida para além do Rio de Janeiro e que a arte era, de fato, uma possibilidade. Isso porque, talvez, não fosse. Porém, quando descobriu que bastava criar um mundo para que ele fosse seu, todos os espaços que um dia lhe foram negados sorriram de volta. 

Hoje, no cruzamento entre arte, tecnologia, videogames e inovação, Massan ilumina o cenário artístico com uma luz que é impossível ignorar. 

Sua obra, ousando transgredir as convenções de até mesmo as formas narrativas mais recentes que ainda estão se descobrindo, amalgama inteligência artificial, realidade aumentada, esculturas virtuais, interatividade e hologramas. Essa sinfonia de elementos confere a sua jornada artística um lugar de destaque no cenário artístico internacional. Traz consigo uma perspectiva única, rara de se ver: quantas vezes vimos um artista citar os jogos Final Fantasy e The Sims como influência? Esses ingredientes, aliados a animes, filmes de Glauber Rocha e incursões teatrais, moldam os alicerces da identidade brasileira de Massan, ora sofrida, ora dançante. Anos mais tarde, apresenta agora ao mundo uma produção que não apenas reflete o seu tempo, mas o transcende, ecoando ressonâncias do passado. 

Em suas obras, busca desbloquear universos de possibilidades, transformando-os em experiências virtuais palpáveis e incorporando a eles símbolos que cabem em épocas e culturas diferentes. O mais animador reside na certeza de que há ainda mais a ser descoberto por Gabriel. Quem ousar fechar os olhos por um instante, despertará diante de alguém que prefere dançar sobre as extremidades, construindo universos digitais num mundo excessivamente real. 

Diante de tanto destaque e do inegável magnetismo de suas criações, lidera a colaboração especial em comemoração aos 75 anos do ícone Serpenti no Brasil. Essa aliança não somente sublinha a expressão artística de Massan, mas também simboliza a fusão de sua narrativa pessoal com a rica história da Bulgari. O propósito é claro: entrelaçar a tradição da joalheria com uma visão que é singular, gerando uma experiência que costura o legado da Serpenti com os sonhos incipientes de novos artistas. 

Com menos de 30 anos de idade, as criações de Gabriel Massan não são meros reflexos da diversidade cultural brasileira, mas também testemunhos de seu compromisso com questões sociais e ambientais. Nesse contexto, sua colaboração com a Bulgari representa uma simbiose de tradição e inovação, uma imersão nas profundezas da complexidade da Serpenti. Na celebração dos 75 anos de um ícone em constante renovação que representa uma busca sem fim por novas interpretações de si mesmo, nada mais justo do que contar com a visão de um artista que

transcende barreiras, entrelaçando passado, presente e futuro numa dança caleidoscópica de criatividade. 

Ao olhar para a sua trajetória pessoal, como as experiências paradoxais da sua infância na Baixada Fluminense, entre a dureza cotidiana e o colorido do samba, influenciaram a criação de universos e mundos alternativos em sua obra? Como esse caminho todo culmina na sua produção atual? 

Gabriel Massan: Meu primeiro contato com a arte se deu pelo teatro. Acho que também por uma grande influência do meu pai, que foi ator. Participava de peças no Tempo Glauber, em Botafogo, no Rio, ao mesmo tempo em que me interessava por animação e 3D. Eu já conhecia o jogo Final Fantasy, era apaixonado por anime e curtia as animações da Disney, da Pixar. Até que em dado momento eu saio do teatro e passo a frequentar lan houses e, pouco depois, ganho o meu primeiro computador. Por viver numa região violenta, as outras crianças da minha rua costumavam jogar jogos que conversavam com essa realidade, como jogos de tiro, Counter Strike, esse tipo de coisa. Mas eu tinha um interesse em recriar a vida, então eu jogava The Sims. Com esse jogo eu começo a construir narrativas com a minha tela e publicar no YouTube. Então, passando a primeira parte da minha adolescência, acho que até uns 15 ou 16 anos, eu passei na internet publicando essas séries, construindo roteiros e meio que aprendendo a usar ferramentas de edição de vídeo e imagem. A realidade de ser artista não fazia muito parte do meu recorte, né? Não era uma possibilidade de vida que me foi apresentada. Então, na hora de escolher carreira, eu vou para publicidade, que é onde eu acreditava poder criar, construir essas narrativas de algum jeito. Mas logo acabo desistindo, depois de ganhar uma bolsa para duas escolas de artes. 

Você conseguiu essas bolsas com trabalhos de faculdade, de publicidade? Ou foi de outro jeito? 

GM: Fiz um ano de faculdade em uma instituição privada e, depois, ingressei em uma faculdade pública no interior de Minas Gerais, onde me envolvi nos movimentos estudantis. Ali tive mais contato com áreas como antropologia e estudos de mídia, e isso despertou meu interesse pela dimensão política da comunicação e pela condição humana como ser social. Ao retornar para o Rio de Janeiro, já estava desinteressado na abordagem comercial da publicidade, querendo buscar novos cursos. Consegui uma bolsa na Escola de Arte e Tecnologia Oi Kabum! e outra na Escola de Artes Visuais Parque Lage, onde me aprofundei em Videoarte e Videoinstalação. Aí comecei a desenvolver um forte interesse por diferentes cinemas, incluindo o trabalho de Glauber Rocha. Foi nesse período que mergulhei com tudo no audiovisual, o que me levou ao 3D.

Sua vida atual, que é um tanto itinerante, influencia suas criações? No sentido de soma. Como as cidades pelas quais você passa e passou moldam sua perspectiva artística de eterna imigração e expansão? 

GM: Por conta dos eventos de anime e do teatro, eu me deslocava bastante, o que não era muito comum na minha região. Isso porque a mobilidade urbana no Rio já é bastante sacrificada, ainda mais se você não está dentro da parte turística. Então, ao conhecer mais lugares e expandir um pouco a minha visão, consigo entender a complexidade da cidade, até por ter amigos em diferentes regiões e, às vezes, demorar três horas para chegar na casa de alguém. Nesse momento, comecei a entender que eu gostava de transitar, de poder habitar diferentes espaços e também de ser diferentes pessoas, gesticular de diferentes formas. Acho que, a partir do momento em que você amplia o seu entendimento do território, sua identidade também começa a se ampliar. Me interessar pelos diversos lugares e possibilidades do Rio acho que foi o que virou essa chave, porque aí depois eu vou para São Paulo, vou para Minas, vou para fora do Brasil. Eu sempre estou interessado nas formas como as pessoas vivem nesses diferentes territórios e como eu posso perceber a minha existência nesses locais também, explorando possibilidades e entendendo o que posso vir a ser. É uma abertura para conhecer e compreender as coisas. 

Você falou de algumas referências que são bastante populares, como Final Fantasy e The Sims. No mundo da arte, nem sempre vemos pessoas citando jogos eletrônicos. A arte digital parece ter um poder de inclusão maior. Qual é a sua perspectiva sobre o papel dessas técnicas na narrativa contemporânea, destacando como essas formas de expressão contribuem para a promoção da inclusão e diversidade? 

GM: A arte digital, para mim, representa um novo emblema, uma nova expressão dentro desse contexto, comparável à arquitetura. Apesar de minha formação técnica e não acadêmica, minhas influências vêm do cinema, dramaturgia e samba, moldando minha capacidade de construir um mundo imaginário. Esse processo me fez perceber que, antes de me considerar um artista, eu primeiro crio a obra e, posteriormente, questiono se é arte. O mesmo ocorreu com minha incursão na arte digital. A curiosidade inicial foi repensar o propósito da ferramenta, algo que acredito ser comum a muitos artistas. Acredito que a essência é ter acesso à ferramenta, visualizar suas possibilidades e, instintivamente, explorá-la de maneira inovadora. Ao longo dos anos, meu foco mudou para games e experiências interativas, algo impensável há duas décadas, sem uma grande indústria. Essa evolução tecnológica respinga não apenas nas áreas mais óbvias, mas também na arte, trazendo a arte digital para o contexto atual da sociedade. 

Você está desenvolvendo três obras de arte NFT para a Bulgari, com os lucros destinados a projetos sociais que promovem a inclusão de mulheres no mercado de tecnologia no Brasil. Como isso se integra à sua visão artística e ao impacto social que você busca alcançar? 

GM: No meu trabalho, vejo um impacto social significativo. Quando compartilho o conhecimento que adquiri sobre a tecnologia de uma certa forma e imagino compartilhar isso

com a sociedade, percebo um impacto social direto e indireto. Trabalho com múltiplas perspectivas em minhas obras, seja nas ruas, nas diversas interpretações do meu trabalho ou nas várias formas de interagir com ele. Gosto de trazer essa liberdade para as pessoas. Discutir tecnologia em arte de uma maneira que tenha um impacto social significativo é trazer o público de diferentes idades para essa discussão. A arte digital, por sua natureza democrática, torna-se acessível a todos, uma vez que a maioria de nós possui smartphones. A arte está literalmente nas mãos de todos, sem a necessidade de sair de casa ou pagar ingressos. Isso tem uma extensão significativa. No contexto do Brasil, é crucial ressignificar o espaço das artes, desafiando noções arcaicas e promovendo uma compreensão mais inclusiva. 

A digitalização desempenha um papel vital nesse processo. Seja na forma de exposição da arte, como a Bulgari que leva a arte para as ruas, eventos e redes sociais, ou na mídia em geral, a digitalização ajuda a redefinir o conceito de arte. A arte precisa ser acessível a todos, permitindo que o imaginário e a fantasia se tornem tangíveis, proporcionando discussões sobre outros mundos, vidas e formas de existir. 

Hoje em dia, é muito esperado que artistas se posicionem politicamente e tenham um impacto social claro. Essa pressão para que pessoas públicas se manifestem pró ou contra isso e aquilo é evidente, o que pode ser desafiador. Como um artista queer, negro, como você enxerga seu papel na celebração da autenticidade e diversidade por meio da arte? 

GM: Acredito que a pressão existe, mas também vejo o papel do artista, pelo menos para mim, como o de confundir e apresentar perspectivas diversas, quebrando expectativas preestabelecidas. Em meu trabalho, muitas vezes enfrento a dificuldade de ser enquadrado em uma arte negra, pois não estou discutindo a negritude de forma convencional. Trabalho com formas humanas, e acredito que estou explorando mais a minha experiência como alguém que vive em um território desigual, uma experiência que classifica a negritude de uma maneira e a branquitude de outra. Minha abordagem é mais uma reflexão da experiência pessoal, a partir das noções de mundo, sistema e política que tenho. Minha discussão sobre política parte da responsabilidade de fazer com que a audiência não apenas discuta a obra, mas também se torne parte integrante dela. Conceder poder de agência e responsabilidade ao participante é fundamental. Dessa forma, propondo essa participação, meu trabalho se torna político, ainda que não necessariamente de maneira tradicional. 

Gosto de situar minha arte no contexto latino, como na exposição da Serpentine Gallery, onde discuti a desigualdade social e a forma como eu e outros artistas navegamos por essas questões. Muitas das problemáticas que abordo são apresentadas de forma subjetiva, trabalhando no Brasil com uma dimensão latina, reconhecendo a complexidade e fetichização do tema. No entanto, essas questões são globais e poderiam ser realidade em outros lugares, como na Indonésia ou na África do Sul, uma vez que a desigualdade econômica, o racismo e a guerra são discussões

globais. Ao trazer uma estética humana para o meu trabalho, busco explorar o inconsciente e despertar o interesse das pessoas pela linguagem corporal e interpretação. Vejo meu trabalho como um espelho, e o que me interessa é como as pessoas se veem quando confrontadas com certas imagens, cenas e experiências. 

Conte um pouco mais sobre a instalação interativa itinerante Infinite Tales, pensada a convite da Bulgari 

GM: Inspirado pela história da marca, especialmente por artistas como Andy Warhol, decidi seguir uma abordagem histórica, considerando que o criador da Bulgari era grego e, portanto, um imigrante, o que ressoou com a minha própria história. A narrativa que criei focou em sua jornada, migrando da Grécia para Roma, um berço do luxo na época, em busca de um lugar onde seu talento pudesse prosperar. Essa narrativa se estendeu pela família dele e isso me interessou muito, esse movimento de levar conhecimento para outro lugar, expandindo-o por meio de sua própria linhagem. 

Minha intenção era criar algo moldável, que existisse em diferentes formas e lugares. Ao fazer um recorte em São Paulo, busquei a conexão entre a Bulgari e a cidade, entre a Serpenti com São Paulo. Descobri, então, que há uma espécie rara de jiboia em São Paulo, que ressurgiu após anos, mesmo com desmatamento significativo na região. Isso me intrigou, pois São Paulo já foi um encontro de diferentes biomas, modificado pelas mãos humanas ao longo do tempo. Para construir o misticismo da serpente baseado nessa raridade, fiz testes com diferentes cores, inspiradas na paleta da marca. A serpente foi composta por partes separadas, como cabeça, peito, rabo e corpo, sendo possível adicionar mais peças, como um colar ou um bracelete. E também queria brincar com o imaginário brasileiro, remetendo às serpentes de um real que moldávamos na infância, dando uma perspectiva luxuosa e rara. Assim, nasceu o símbolo da serpente, que se tornou o foco do evento de lançamento da colaboração e se expandiu por diversas formas, incluindo escultura digital, pintura, animação 3D, projeções de videoarte online, e NFTs. Estamos construindo essa colaboração explorando novos territórios e possibilidades.. 

Conte um pouco mais sobre as possíveis interações que existem com a sua serpente. 

GM: Por exemplo, a cada vez que eu desenvolvo uma peça com a serpente, eu moldo o corpo dela de maneira diferente. Posso criá-la longa e sinuosa ou pequena e separada, quase como uma joia independente. Essa flexibilidade que construí durante o processo de pesquisa permite que eu brinque com o tamanho e a forma em cada peça. A dinâmica se conecta diretamente com a Serpenti da Bulgari. E essa abordagem se estende a praticamente todas as minhas produções. É uma ideia de arte viva, que se adapta e evolui ao longo do tempo.

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Como fazer jus a um ícone que completa 75 anos? Como celebrar algo que se alojou no ideário de tantas gerações e promover todos os valores que fazem da Serpenti uma das mais importantes criações da história da joalheria? A missão não é fácil. Mas, com um punhado de imaginação e ousadia, ela se tornou possível. 

Na busca incessante pela beleza e pela elegância, em 2023 a Bulgari celebra os 75 anos da icônica Serpenti com uma iniciativa artística de magnitude internacional: a Serpenti Factory. Primeiro, pegue tudo que você entende por herança e artesanato; depois, eleve isso à máxima potência. É com essa abordagem ambiciosa que a Maison italiana mergulha em tecnologias multissensoriais e em novas estratégias de abrangência para unir passado, presente e futuro em uma sinfonia de inovação. 

Para marcar esse capítulo histórico, a Bulgari levou a exposição Serpenti 75 Years of Infinite Tales a cidades emblemáticas como Madrid, Xangai, Cidade do México, Nova York, Seul, Dubai e, mais recentemente, Milão. A mostra é uma meticulosa fusão de peças de joalheria deslumbrantes, vídeos envolventes e materiais de arquivo que representam não apenas a visão de vanguarda que caracteriza a essência Bulgari, mas também toda a atemporalidade alcançada a partir de criatividade e uma necessidade incontornável por transformação constante. 

Marcando presença em locais icônicos como o Museu de Arte Contemporânea, de Xangai, a Galeria Kukje, em Seul e o histórico Dazi Milano, em Milão, esta exposição é uma verdadeira jornada de imersão pelos polos mais relevantes da produção artística contemporânea. Reunindo obras temáticas centradas em serpentes, criadas por talentos de diversas nacionalidades, o evento é uma grande celebração da diversidade artística. 

Nessa iniciativa internacional que coloca a Serpenti como uma fonte infinita de inspiração, a Bulgari colaborou com o brasileiro Gabriel Massan, responsável por liderar um projeto criativo exclusivo destinado ao público nacional. Com essa parceria, Massan junta-se a um grupo global e eclético de artistas contemporâneos, incluindo nomes como Refik Anadol, Davide Quayola, Daniel Rozin, Sougwen Chung, Cate M, e muitos outros, que desenvolveram trabalhos exclusivos para traduzir com maestria a inesgotável inspiração proporcionada pelo ícone. 

Também como parte das ações artísticas para celebrar o ícone Serpenti, a Maison Bulgari apresentou a coleção-cápsula de bolsas Serpenti in Art, fruto de uma colaboração visionária com três renomados artistas contemporâneos: Sunwoo Kim, Zhou Li e Sophie Kitching. Cada um emprestou sua visão criativa e técnica única para transformar cada bolsa em uma obra-prima de elegância e inovação. Dando continuidade a uma longa tradição de vanguarda, a serpente é

levada para uma dimensão virtual até então inexplorada: os NFTs. Seis vídeos tridimensionais proporcionam um acesso exclusivo a um universo digital dedicado ao próprio acessório, conduzindo-os por uma jornada perfeita da materialidade à imaterialidade, ou da imaterialidade à materialidade. 

Assim, estreita-se ainda mais o vínculo entre a mítica serpente e os universos da arte e da tecnologia. 

Para a Bulgari, a inovação é a tradição do futuro, e a Serpenti Factory é a expressão máxima desse compromisso. A celebração não se limita a fronteiras geográficas e temporais, unindo artistas e apreciadores em uma busca incessante por novas formas de beleza — é uma ode à 

criatividade, à beleza atemporal e à maestria artesanal. A Serpenti Factory é mais do que uma comemoração — é uma reverência à eternidade da elegância e do espírito revolucionário da Bulgari. 

Influência sem fronteiras: A Serpenti pelo mundo 

Para celebrar a longevidade do seu ícone, a Bulgari apresentou a exposição itinerante Serpenti 75 Years of Infinite Tales em cidades protagonistas no universo da arte e tecnologia. De Madrid a Xangai, passando por Cidade do México, Nova York, Seul, Dubai e, mais recentemente, Milão, a exposição promove a herança de excelência da Maison italiana e o seu espírito vanguardista em eventos dedicados à pluralidade artística. 

Dubai 

Dra. Azra Khamissa 

Usa a hena natural como recurso artístico, conectando-se com diferentes gerações e culturas, muitas vezes apresentando a natureza como pano de fundo para apreciar a criação de Alá. Seu trabalho reflete a cultura, herança e estética local da região SWANA (sudoeste da Ásia e norte da África), onde as tradições da hena são profundamente valorizadas, evocando memórias de famílias e ocasiões especiais. 

Dra. Afra Atiq 

Poeta de recitação nascida nos Emirados Árabes Unidos, filha de pai árabe e de mãe nipo-americana. Ela foi cofundadora do Untitled Chapters, um coletivo de escritoras dos

Emirados. Em 2017, ganhou o prêmio de Criatividade da Abu Dhabi Music and Art Foundation por seu poema Uma Carta Aberta ao Câncer, que se inspira nas criações Serpenti. 

Azza Al Qubaisi 

Designer de joias e escultora dos Emirados Árabes Unidos. Com um foco em distintos materiais locais, práticas sustentáveis e técnicas tradicionais, celebra artisticamente a cultura de onde nasceu. O trabalho de Al Qubaisi é uma prova do seu compromisso em preservar a essência da sua cultura e do seu patrimônio. 

Milão 

Davide Quayola 

Emprega a tecnologia como uma lente para explorar as tensões e equilíbrios entre forças aparentemente opostas: real e artificial; figurativo e abstrato; antigo e novo. Construindo instalações imersivas com software de computador personalizado, reimagina imagens canônicas por meio da tecnologia contemporânea. 

Sougwen Chung 

Considerada uma pioneira no campo da colaboração homem-máquina, Chung investiga as interações entre humanos e não-humanos. A artista e pesquisadora sino-canadense explora as impressões artísticas feitas à mão e pela máquina como uma abordagem para entender a dinâmica e os limites dos humanos e dos sistemas. 

Daniel Rozin 

Nascido em Jerusalém, Daniel Rozin investiga a estrutura e a materialidade das imagens. Em seu trabalho, emprega diversos materiais, questionando o que constitui a imagem e o que pode ser transformado em imagem. Suas instalações interativas convidam os espectadores em tempo real a criar uma representação de sua semelhança no objeto. 

Cate M 

Escultora e artista que percebe a arte como sua fuga secreta da vida real, movendo-se entre o realismo e a fantasia. Inspirando-se no mundo animal e também na infância, coloca a natureza e o meio ambiente no centro de seu trabalho criativo como uma questão que não deve mais ser negligenciada. 

Seul 

Chun Kyung-Ja 

Chun Kyung-Ja ultrapassou as normas da pintura oriental tradicional e construiu seu estilo inovador ao explorar tons ousados e saturados, incorporando temas autobiográficos e fictícios.

Ao retratar flores, figuras femininas, cobras, fantasia e sonho como temas, não apenas reflete sobre seu eu interior, mas também contempla as realidades da vida por meio de suas obras. 

Wook-kyung Choi 

Na vanguarda do Expressionismo Abstrato coreano, Wook-kyung Choi desafiou continuamente o desenvolvimento de sua expressão única por meio de inúmeras experiências de composição formal, cores ousadas e gestos incessantes. Suas obras, repletas de cores poderosas, pinceladas dinâmicas e formas rítmicas, refletem a luta da artista para encontrar sua verdadeira identidade. 

Kyungah Ham 

Adota uma variedade de meios, incluindo pintura, instalação, vídeo e performance para produzir obras conceituais. Seu trabalho busca impor visibilidade a elementos que, de outra forma, seriam indiscerníveis. 

Hong Seung-Hye 

Inicialmente usando pixels retangulares, uma unidade básica de imagens digitais, Hong Seung-Hye recentemente adotou a gramática vetorial, combinando, desmontando e acumulando esses gráficos para criar formas proliferantes que são ao mesmo tempo orgânicas e geométricas. 

Jae-Eun Choi 

Engajando-se ativamente em um âmbito internacional, Jae-Eun Choi não limita sua expressão a um único meio, abrangendo escultura, instalação, arquitetura, fotografia, imagem em movimento e som para explorar os temas do tempo infinito e existência finita. Através de uma intensa imagética visual caracterizada por grandiosidade arquitetônica e sensibilidade estética meticulosa, cria um espaço para meditar e navegar pelo tempo. 

Niki de Saint Phalle 

Uma artista que traduz sua dor infantil em arte criativa. A serpente é um elemento frequentemente presente em suas obras como símbolo do medo e inseguranças que qualquer pessoa enfrenta internamente. Usando cores intensas e vívidas, pretende dissipar esses sentimentos e definir a natureza de sua arte futura. 

Xangai 

Liu Jiayu 

Conhecida por suas instalações imersivas, seu trabalho recria e aprimora o mundo natural, focando nas relações entre humanos, natureza e meio ambiente. Usando fluxos de dados, bem como tecnologias digitais, suas obras de arte permitem novos nós de comunicação com o público.

Qian Lihuai 

Nascido em uma família de mestres de bambu em Wuzhen, lar da arte da tecelagem de bambu por 500 anos. Praticando este ofício tradicional em sua antiga cidade, Qian tornou-se o herdeiro representante da herança cultural imaterial da província de tecelagem de bambu Wuzhen. 

Wu Junyong 

Desde que descobriu as possibilidades da animação de gráficos vetoriais, tornou-se pioneiro em trabalhos peculiares e experimentais de animação digital, enquanto continua a pintar e trabalhar em uma variedade de mídias. O artista criou uma linguagem pictórica idiossincrática de códigos e símbolos, através da qual muitos significados possíveis são revelados e ocultados. 

Refik Anadol 

Nascido em Istambul, o artista de novas mídias e diretor de Los Angeles é um verdadeiro pioneiro na estética da inteligência artificial. Cria arte pública in situ usando uma abordagem de escultura de dados paramétricos, bem como performances audiovisuais ao vivo, culminando em instalações imersivas.

Qual foi a última vez que você se deparou com humor nas artes plásticas? É coisa das mais raras, dessas que aparecem com a frequência de um eclipse — e um eclipse solar, não um eclipse lunar. 

Vê-se por aí ironia, críticas mordazes, acidez opinativa, mas o humor, é bem verdade, não costuma dar as caras. Por algum motivo, em se tratando do mundo das artes plásticas, existe um preconceito que circunda a abordagem humorística, como se ela inevitavelmente fosse resultar em arte de menor escalão ou qualquer sandice que o valha. Desnecessário dizer que isso não faz o menor sentido. O humor é, e sempre foi, uma ferramenta humana para lidar com todos os tipos de sentimentos, ressoando leveza e abraçando as profundidades mais inalcançáveis. Felizmente, há quem desafie essa regra não escrita sem em nenhum momento deixar cair o nível de sua produção. 

Luísa Matsushita é uma dessas artistas, que, no auge de sua maestria, levanta as sobrancelhas e pergunta: “Se for autêntico e me representar bem… que mal tem?”

Enquanto Lovefoxxx, líder da banda Cansei de Ser Sexy (CSS), convida quem estiver ouvindo a adentrar o seu universo e a compartilhar risos diante da desgraça e da glória, criando uma tapeçaria onde todos se sentem à vontade em sua própria pele — e, veja bem, ela já o fazia antes que isso entrasse nas demandas do mercado, no começo dos anos 2000. Até os dias de hoje, a cativante persona da vocalista, que nunca leva a si mesma demasiadamente a sério, cultiva empatia através de um espírito positivo e debochado. Prova disso é que, recentemente, o CSS foi a grande sensação do Primavera Sound São Paulo, mesmo com o festival contando com nomes de peso como The Cure e The Killers. A comunicação sincera com o público se inicia com sacadas líricas perspicazes e alguns sorrisos, criando uma troca verdadeira que se dá de igual para igual. 

Algo similar acontece com suas pinturas. Transformar um guarda-roupa em reflexões sobre emoções e vivências não é tarefa simples. Ela realiza essa proeza com uma irreverência e assertividade tão marcantes que até mesmo aqueles que não se interessam por artes plásticas se sentiriam em casa.

Já pensou encarar uma pintura em uma galeria chamada Cebolão ou Todo mundo gosta de uma graminha? Até parece um desafio questionar a sinceridade de um processo artístico que resulta em títulos tão inusitados (Envelopa de vulva é outro que não deixa barato). Com sua música, chacoalhou de Glastonbury ao Japão; com seus quadros, cria mundos abstratos em que a estética se mistura com a leveza e a política dança com o cotidiano, tudo num samba equilibrado de formas e cores que evocam tanto precisão quanto espontaneidade.

A qualidade de suas pinturas é, ao mesmo tempo, surpreendente e esperada, pois não estamos falando de uma mudança de cenário completa, incontornável, mas sim de uma progressão natural de sua expressão criativa. As duas vivências artísticas se complementam. O talento que flui por diferentes métodos de expressão vem do mesmo lugar. No interior de São Paulo, ela tirava inspiração até do céu e das árvores do matagal ao redor. E agora, toda essa sensibilidade se traduz em pinturas abstratas que misturam política, feminismo e um toque especial, e tão característico, de bom humor.

A sua primeira exposição solo, Se não for para chorar, eu nem saio de casa — realizada na Galeria Luisa Strina, em setembro e outubro deste ano —, é como um mapa emocional, onde cada pintura é uma casa nova, uma extensão de sua força criativa no mundo. Cada obra é um fragmento do universo interior de Luísa Matsushita. E, muito embora o apuro técnico esteja ali e esteja sobrando, nossos instintos criam uma sensação de que tudo vai além do visual, ecoando a mobilidade e a inalterabilidade de experiências vividas. 

Para quem acredita que a arte carece de espaço para o humor, Luísa Matsushita está aqui para desmistificar essa ideia. Ela transforma o ordinário em extraordinário, rindo na cara de qualquer seriedade que seria tida como o caminho natural. Se o melhor nome para um quadro for Envelope de vulva, que assim seja. Por essas e outras, as Luísas do mundo devem ser celebradas com intensidade. 

Até porque, se não for para rir ou chorar, ela nem sai de casa.